“KEDI” Pameran Tunggal Lukisan Faisal Hamidy
Kucing Dan Kita
 
Kucing buat seorang Faisal Hamidy meminjam istilah yang sering digunakan Suwarno Wisetrotomo ‘memiliki makna berlapis-lapis’.
Kucing tidak sekedar makluk lucu, nakal, menggemaskan namun penuh mitos, sejarah, kisah sedih dan nasib mengenaskan. Namun tentu saja baginya kucing juga secara visual memiliki bentuk yang indah, estetis yang menarik untuk digambar.

Hamidy sengaja memberi judul pamerannya KEDI yang berarti kucing dalam bahasa Turki. Ini bukan tanpa alasan.
KEDI merupakan judul sebuah filem dukumenter  besutan sutradara berkebangsaan Turki, Ceyda Torun. Filem itu berkisah kucing-kucing jalanan di kota Istanbul, Turki yang diopeni dan menjadi bagian kehidupan masyarakat disana. Filem tersebut begitu terkenalnya dan menjadi pembicaraan para kritikus filem dan para penonton. Bahkan tokoh utama filem yaitu kucing-kucing jalanan menjadi bintang bak selebriti yang dielu-elukan penggemarnya.

Tidak terkecuali dengan Hamidy. Ia begitu terkesannya dengan filem tersebut.Namun ia juga menggali sejarah, kisah dan mitos kucing dari berbagai referensi untuk memperkaya gagasannya. Dengan mengambil judul dari filem tersebut sebagai judul pameran dan juga menjadi judul beberapa karya lukisnya, pelukis kelahiran Jakarta, 1974 ini seakan menegaskan posisinya yang berbeda dari kebanyakan pencinta hewan.

Bila kebanyakan pencinta hewan (kucing) hanya peduli dengan binatang  (kucing) peliharaannya yang manis-manis, Hamidy justru peduli dengan nasib kucing-kucing yang kurang beruntung, yang tak terawat dan diacuhkan manusia.Semua ini berawal dari pengalamannya sendiri yang coba ia rekonstruksikan dalam karyanya.

Karya berjudul “Penyeberang Jalan”, cat minyak diatas kanvas, 30x40 cm, 2020, menceritakan kisah kucing yang menurut Hamidy bukan merupakan makluk penyeberang jalan yang baik yang akhirnya menjadi korbannya sendiri.

Hamidy sekali peristiwa di masa lalu pernah tidak sengaja melindas mati kucing peliharaannya sendiri saat ia harus memindahkan posisi sepeda motornya di rumahnya. Peristiwa itu demikian membekas di kepalanya sehingga memutuskan melukiskannya. Untuk mengembalikan jejak peristiwa ia membuat cetakan ban motor yang diberi cat dan dicetakkan langsung ke kanvas. Kemudian hasil cetakan diresponnya dengan berbagai goresan cat yang mengimpresikan bekas keberadaan seekor kucing yang terlindas termasuk bercak darahnya.

Di “Penyeberang Jalan #2”, media campuran diatas kanvas, 79x69 cm, 2020, ia juga memasukkan cetakan ban sepeda motor untuk mengimpresikan jejak atau sisa-sisa sebuah peristiwa kecelakaan kucing yang tertabrak kendaraan di jalan raya yang pernah disaksikannya. Kali ini ada bidang putih kuat menggambarkan  marka jalan membelah bidang kanvas.

Sebagaimana kebanyakan orang, Hamidy percaya mitos bahwa jika ada seekor kucing tertabrak di jalan maka ada kewajiban orang yang menabrak atau yang melihatnya untuk menguburkannya. Jika tidak, maka ada kesialan yang akan menimpa orang-orang yang bersangkutan. Pada saat itu ia yang bukan si penabrak berinisiatif menguburkan kucing malang tersebut.

Kucing dimata Hamidy identik dengan luka atau bekas luka di tubuhnya. Luka-luka tersebut didapat seringnya karena kucing memang suka berkelahi dengan sesamanya. Tetapi luka pada kucing juga terjadi akibat kecelakaan atau karena ulah iseng manusia. Luka pada tubuh kucing mendapat perhatian lebih pada Hamidy. Setidaknya ada 10 lukisan dalam pameran ini yang bercerita atau menginformasikan soal luka tersebut (Head #1, Head #2, Ibu dan Anak, Jumpa di Persimpangan, Konflik, Yellow Cat, Tiga Saudara, Terlelap termasuk Penyeberang Jalan #1 dan #2).

Pada “Head #1, cat minyak diatas kanvas,, 58x72 cm, 2020, ia membuat visual mengasosiasikan bentuk muka kucing dengan mata besar, telinga dan gigi-gigi runcing. Di bagian kiri wajah ia memberi fokus bidang kecil berwarna merah darah serupa torehan luka. Di kanvas yang lain ia menggambarkan seekor kucing tengah tidur terlelap. Tapi perhatikan, ada goresan luka pada bagian tubuhnya (“Terlelap”, akrilik diatas kanvas, 60x80 cm, 2020)

Gestur dan geliat kucing sedang bermain, bersantai juga tidak luput dari perhatiannya. Namun lagi-lagi penggambarannya tidak sederhana karena begitu banyak cerita yang ingin disematkan pada lukisan kucing-kucingnya.

Tidak hanya pengalaman pribadinya, Hamidy juga tertarik menyoal masalah sosial yang terjadi di masyarakat. Karya “Rebutan Pepesan Kosong”, akrilik diatas kanvas,, 75x45 cm, 2021 sepertinya ingin menyentil seringnya manusia saling berebut ‘sesuatu’ hingga berkelahi seperti kucing. Lukisan dominan merah tersebut menggambarkan sosok-sosok kucing yang hanya kebagian wadah tempat makanan yang kosong, sementara ikannya sudah tidak ada atau hanya ilusi.

Humor juga ada. Pada “Maneki Neko”, cat minyak diatas kanvas,  80x60 cm, 2020, Hamidy menyoal keberadaan ‘boneka hoki’ yang dipercaya masyarakat Tionghoa sebagai pembawa keberuntungan di dunia usaha. Ia seakan iseng bertanya, apakah dalam situasi Covid – 19 ini, dimana sebagian besar usaha menjadi lesu, boneka hoki tersebut masih berdaya? Tidakkah kerja boneka hoki semakin berat?

Karya Hamidy secara umum becorak ekspresif dengan kecenderungan abstraksi.Untuk mengasosiasikan seekor kucing ia hanya perlu mempertegas bentuk telinga, bola mata, dan barisan gigi kucing yang runcing. Selebihnya adalah permainan garis membentuk bidang acak namun terarah.

Tema kucing cukup sering digarap pelukis. Setidaknya telah ada dua pelukis yang intens menggarap tema serupa: Pelukis Popo Iskandar dan Klowor Waldiono. Popo Iskandar dengan torehan pisau palet yang tebal dan kokoh menghadirkan misteri binatang kucing lewat bentuk mata dan gestur. Sementara Klowor Waldiono cenderung lebih riang, gembira dengan geliat gerak kucing-kucingnya yang ekspresif.

Namun Hamidy sepertinya menempuh jalan yang lain. Ia nampak lebih realis karena berangkat dari keprihatinan yang dirasakannya. Selain itu adanya pengalaman empiris semakin memberi bobot pada kisah yang ingin disampaikannya.

Melalui pameran ini ia ingin mengajak agar kita tidak hanya peduli dengan kucing rumahan yang manis-manis dan terawat baik, namun juga memperhatikan kucing-kucing jalanan yang tidak terurus dan kurang beruntung.
Dalam kasus ini ia telah melakukan sesuatu.
 
Syahrizal Pahlevi, perupa
-----------------
Faisal Hamidy menempuh pendidikan Disain Komunikasi Visual di Modern School of Design, Yogyakarta tahun 1995, kuliah Fotography di FSMR ISI Yogyakarta tahun 1988 dan sempat kuliah di prodi Seni Lukis di ISI Denpasar tahun 1999.Saat ini ia berkarya dan tinggal di Yogyakarta.
 
Artikel ini dengan berbagai editan telah dimuat di Harian Disway, terbitan Jumat, 1 Januari 2021 dengan judul “Momen Tragis dan Manis Tentang Kucing”
 
****************
Catatan Pendek.
Kedi, ada Luka
Pemeran Lukisan Faisal Hamidy.
Kedi, tajuk pameran tunggalnya Faisal Hamidy di Miracle Prints Yogyakarta. Di sana digelar lukisan canvas dan coretan sketsa hitam putih di atas kertas. Kedi dalam bahasa Turki untuk sebutan kucing, dan saya tidak tahu mengapa dia lebih senang mengunakan kata Kedi, bukan Kucing. Tetapi dari karya-karyanya, terbaca kalau dia sangat tahu tentang kucing.
Lukisan Faisal H., abstrak ekspresionis dengan sapuan kuas yang liar dan tidak kompromi lagi pada realitas objek. Dia lebih senang menggambarkan kegelisahan pikirannya dari pada mimesiskan sosok kucing di bidang kanvas dan kertasnya.
Faisal H., tidak ingin proses kreatif berkaryanya terganggu oleh corak dekoratif. Padahal peluang itu ada, misalnya dengan merespon efek sapuan kuas yang meninggalkan jejak. Dia lebih senang membiarkannya, dan tidak perlu diisi lagi dengan unsur hias, sebab efek itu sudah berkarakter, menginformasikan energi pikirannya.
Faisal Hamidy menurut saya, tidak sedang menggambar kucing. Kucing itu hanya sebagai objek saja agar dia dapat menunjukan kasih sayangnya pada yang dicintai. Bahkan bila kita cermati karya-karyanya, tidak akan menemukan gambar kucing, sebab kucing diwujudkan dengan samar.
Kosakata visual yang digunakan, didominasi oleh garis dan blok warna yang dinamis, dengan sapuan kuas non-naturalistik. Ini adalah jalannya untuk menuju ekspresi transendental (kandinsky).
Mengamati lukisan Faisal H., misteri yang masih mengganggu pikiran saya, adalah bercak merah atau blok merah selalu hadir disetiap kanvasnya.
Apakah ini sebagai tanda “luka”, pada yang dicintai !?.
Selamat dan sukses, terus berkarya tetap menjadi diri sendiri sebagai pelukis yang merdeka.
Alex Luthfi R.
Saung Banon Arts
4 Februari 2021.
Yogyakarta.

(Diambil dari status facebook alexandri luthfi https://web.facebook.com/alexandri.luthfi )

SELO Super Hero
Pameran Tunggal Agung ‘Tato’ Suryanto
Apresiasi yang tidak sama terhadap seni di berbagai daerah bisa menjadi pijakan ide buat seorang seniman berkarya. Bisa jadi di suatu daerah apresiasinya dianggap sudah begitu tinggi namun di suatu daerah lain apresiasinya masih dianggap rendah sehingga kurang memuaskan seniman.
Kali ini seorang perupa, Agung ‘Tato’ Suryanto menyandarkan ide-ide patung terbarunya yang  akan dipamerkan di Miracle Prints, Gallery, Artshop & Studio, Yogyakarta mulai tanggal 9 sampai 22 Januari 2021 dari perbedaan apresiasi yang ditangkapnya. Judul pamerannya  singkat: SELO.
Agung Tato mencatat betapa patung-patung ready made berkarakter ‘action figure super hero’ yang dikonsumsi kolektor mainan tidak pernah mendapat tempat dalam khazanah seni patung di tempatnya belajar dan mengajar di Surabaya.
Padahal menurutnya patung-patung tersebut dibuat dengan kaedah seni patung yang serius sebagaimana diajarkan di akademik.
Sepintas ini hal sepele. Namun hal sepele  sering justru dapat menjadi sangat fundamental yang berimbas pada kekuatan ekspresi yang akan dihadirkan seniman dalam karya-karyanya.
Itu satu soal atau SELO pertama…….
 
SELO lain.  
Secara kebetulan Selo adalah nama sebuah dusun di pertemuan kaki gunung Merapi dan gunung Merbabu. Dusun ini begitu terkenal di kalangan para pendaki termasuk Agung Tato sendiri yang juga suka mendaki gunung.  Aroma bebatuan yang menghampar dan menjadi daya hidup penduduk lokal di sekitar kaki gunung  memberi kesadaran pada Agung untuk melekatkan karakter batu yang keras dan pejal pada karya-karyanya.
Ini semacam empati dan penghormatan atas kekuatan lokal yang mencerminkan kehidupan yang pantang menyerah demi menghidupi keluarganya. Buat Agung apa yang ia saksikan semacam “super hero’ kecil di dunia nyata yang patut diapresiasi.
 
SELO ketiga.
Saat ini Agung tengah mengambil studi doktoral di ISI Yogyakarta. Alhasil ia harus pulang balik Surabaya-Yogyakarta karena pekerjaan dan keluarganya ada di Surabaya. Karena ia ingin irama kerjanya tidak terputus gegara harus pulang balik, iapun  membuat tempat kerja/studio di dua tempat.
Ia mengembangkan pola kerja yang bersifat mobile dimana karya-karya patungnya yang memerlukan waktu pengerjaan cukup lama didesain sedemikian rupa dapat dibawa pulang balik antara dua studionya. Karena itu objek patungnya dibuat ukuran  tidak terlalu besar dan tidak memakan tempat saat harus dibawa naik bis atau kereta api.
Jebolan Arsitektur UNTAG ’45 Surabaya 1989 – 1997 ini menjabarkan judul pamerannya sebagai berikut:
“Kata ‘selo’ mengandung beberapa arti, tergantung cara pengucapannya. Selo bisa berarti waktu luang. Selo juga bisa berarti batu. Tapi selo juga berarti nama tempat. Sebuah desa sebagai titik mulai jika kita hendak mendaki gunung Merapi atau Merbabu.
 
Jika iseng kita ketik kata ‘selo’ pada google, masuk pada wikipedia, ‘selo’ mengacu pada beberapa hal; tempat, benda, dan nama tokoh. Pada tempat, ‘selo’ sebuah desa di kecamatan Selo, kabupaten Boyolali, Jawa Tengah. Desa ini berada persis di antara Gunung Merapi dan Merbabu. Pada benda, selo adalah sebuah alat musik gesek (cello). Dan nama tokoh, misal, Ki Ageng Selo. 
 
Pada pameran tunggal kali ini, kata ‘selo’ saya sematkan sebagai judul utama. Kata ini muncul sekitar bulan September 2020 saat saya sedang mencari sebuah tema untuk menyatukan beberapa karya yang bisa saling terkait. Pas di bulan-bulan tersebut, saya sedang menarasikan untuk karya desertasi dengan subjek utama batu.
 
Asumsi saya, kata ‘selo’ adalah kata yang pas jika disematkan sebagai tema dalam pameran tunggal kali ini. Tema saya lebih menarasikannya pada waktu luang dan batu”. Demikian kata Agung Tato yang melanjutkan kuliah di seni rupa STKW Surabaya 1998 – 2008 kemudian Pasca Sarjana ISI Yogyakarta 2012 – 2014 dan kini tengah menjalani Program Doktoral di ISI Yogyakarta masuk tahun 2016.
 
Seni patung  Agung Tato menyandarkan pada bentuk-bentuk boneka mainan ‘super hero’ yang digubahnya sedemikian rupa. Ia melakukan pemotongan, penempelan , penambahan bentuk dengan bahan epoxy clay hingga melakukan pewarnaan permukaan patungnya mirip atau mendekati karakter batu.
Gubahannya masih mengandalkan bentuk-bentuk asalnya yang sebagian besar tetap dipertahankan. Patung-patung tersebut tetap sosok berotot namun kini mengemban cerita baru, cerita yang diarahkan oleh senimannya. Tubuh-tubuh tersebut seakan dipinjam dan dilipat gandakan ke’hero’annya.
Terkait hal ini Agung Tato yang pernah memenangi kompetisi seni rupa Mandiri Art Award (2015), UOB (2013), Jakarta Art Award (2008) dan lain lain ini mengatakan:
“Kenapa figur mainan anak yang jadi materi pokok? Berawal dari rutinitas jika hari Minggu selalu bertandang ke pasar loak di Surabaya. Di suatu  Minggu saya mendapatkan mainan jenis action figure "Hulk" dengan kondisi tak lengkap (tanpa tangan).
Dari mainan ini saya mendapat gagasan untuk menggubahnya. Karena dia tak punya tangan, saya menggubahnya dengan memberinya tangan, bukan hanya dua tapi enam. Seperti dalam arca Ganesha”.
 
Dari percobaan pertama tersebut Agung Tato lebih serius mencari mainan yang sesuai idenya. Ia mulai belanja mainan secara daring dari sebuah website dan bereksperimen dengan lebih banyak mainan dan bermacam gubahan.
 
Metode penggubahannya memanfaatkan potensi apa yang dilihatnya pada mainan tersebut. Dalam bahasa Agung Tato demikian: “Karena mainan action figure ini berkarakter melebih-lebihkan atau menyangatkan dan bersifat karikatur, maka saya menguatkan pada karakter tersebut. Misal, dengan menambahkan jumlah tangannya, menonjolkan tekstur tubuhnya, membesarkan ukuran tangan atau kakinya”.
 
Pamerannya kali ini selain karya patung ada juga lukisan berbahan silicon rubber. Namun yang dominan adalah patung-patung ‘pasca super hero’ dalam berbagai gubahan ganjil.
Munculnya gubahan bentuk-bentuk ganjil  karakter super hero yang sangat berbeda dari keluaran pabriknya ini,  Agung Tato seakan ingin mengatakan: ‘Nah, sekarang mereka adalah seni patung, mau ngomong apa lagi kalian….?”.
 
Syahrizal Pahlevi, perupa yang menulis

********************

*2nd Encounter*
Sila-sila teman ngopi silo di sela pameran selo Agung Tato

SAYA MASIH TERINGAT tinggal di jl. Parangtritis, tahun 2002, mendapat ajakan pameran di Galeri Surabaya. Tema-nya ‘Sebuah Perjumpaan’, semacam “A Encouenter?”, konsep acara promosi perupa dari jogja dua orang - Surabaya dua orang, jadi berempat yaitu Agung Tato (STKW), Didi tirtosari (Unipa), Nanang Zul (ISI) dan saya. Meskipun belum saling kenal kecuali saya dengan Nanang zul karena tinggal se-rumah di jogja, sepakat menyiapkan pameran itu bersama, sejak mengumpulkan foto dan data karya-biodata, hingga saya mengenal Agung Tato bukan sekedar mahasiswa baru stkw, beliau ini juga lulusan arsitek, hobi jalan-jalan di gunung, blusukan pasar loak dan kolektor buku. ‘Perjumpaan 2002’ ini pun jadi pameran pertama saya di Surabaya.

Ada ingatan indah saat pembukaan pameran itu, di sela-sela pengunjung masuk galeri kita mendapat ‘pujian istimewa’ dari dosen ‘senior’ stkw, Pak Nuzulis Koto dengan berteriak ‘Jelek!!’, hingga dinding  galeri bergetar karena kejutan itu. Saya dan Kurator, Mbak Ika Ismurdyahwati (Bandung) saling pandang menatap sumber suara, serasa berdebar, senyum masam, lalu menyapa hormat ‘senior’, meskipun tanpa balasan imbang, dalam hati saya memilih lega karena penilaian jujur itu masih ada.

Karya Agung Tato waktu itu instalasi lampu bolam, dari berbagai bahan; ada bolam asli yang dinyalakan, ada dari keramik coklat-biscuit, dari gypsum putih plus kabel listrik, semua disebar dilantai hampir sepenuh galeri. Hanya sedikit space gerak, Sehingga pengunjung tidak santai melewati bolam untuk menikmati karya lainnya. Dalam hati (lagi), apa mungkin karena karya instalasi ini (bolam) atau karena seluruh karya yang dipamerkan telah merubah ruang jadi ‘terror’ hingga kita dapat ‘pujian istimewa’, entahlah, hingga kini kita malah makin berteman dengan ‘senior’, sekali lagi terima kasih Pak Nuzulis.

Kenapa saya harus berterima kasih? selama ini kita bikin karya sering basa-basi minta komentar, masukan, entah pesan atau kesan kalo perlu kritik dan pasar. Dari pembukaan itu saya telah mendapat banyak hal yang menggedor ke-malu-an, perasaan kerja, daya cipta, lintasan imajinasi, bahkan saat ini saya masih merasakan ‘pujian istimewa’ bikin hati riang, optimis pada disiplin seni.

Mungkin ada yang belum tahu bahwa agung tato itu ‘sadis’, santai tapi disiplin. Kerja profesional tapi tidak pelit resep, irit bicara tapi mudah berbagi pengetahuan kecuali kita yang malas bertanya. Beliau mungkin tidak pandai melawak karena bukan pelawak, tapi daya humor-satir sering terselip di karya-karyanya, misalnya membuat seni instalasi batu bisa bernafas kembang kempis (bukti dari kehidupan yang mendesah). Sedangkan untuk pameran tunggal ini Agung tato mempersiapkan karya Lukis kertas dan kanvas, mulai dari teknik tinta, cat air, cat minyak dan campuran bahan silicon rubber. Selain itu menampilkan karya 3 dimensi, berupa patung ‘figure action’ dengan pendekatan rakit ulang dengan bahan epoxy clay. 

Menurut Agung Tato, tema SELO dipameran ini lebih menarasikan pada waktu luang dan batu. Sepertinya ada indikasi trend pendemi, karena aktifitas fisik yang dibatasi menginspirasi untuk memanfaatkan waktu luang dirumah, re:kreasi dari karya sebelumnya hingga karya baru. Waktu luang jadi pembebasan memori naik gunung, membuka rekaman karakter batu di sela gunung. 

Dalam buku sejarah, batu digunakan untuk kebutuhan monument, kegiatan reliji, penanda tempat, titik pusat, termasuk jimat, karena dianggap tenang-abadi. Sedang waktu luang seperti ruang yang leluasa dan sia-sia, mengingatkan kutukan bagi Sisifus, semua keber-ada-an di dunia disebabkan dari tindakan sebelumnya. Sisipus mendorong batu hingga puncak, lalu meluncurkan batu itu ke bawah. bahwa proses menghadapi kutukan, bukan menyerah pada keadaan, termasuk keadaan mapan, melainkan melakukan perombakan. Melalui upaya mencari makna dari kehidupan itu sendiri.

Seperti karya-karya lukisan dipameran tunggal ini, Agung Tato mengabadikan suasana kelam pendemi dengan citra batu diberi judul ‘C19’,  citra batu juga terdapat di lukisan ‘Melepas Wajah (Merapi)’, ‘Main Bola (Merapi)’, ‘Tatapan Malinkundang’, yang mengingatkan kisah legenda kutukan seorang ibu pada anak berubah ujud batu. Atau lukisan tentang ‘Old school’, ‘Dante’, ‘Selo Ageng’ menyiratkan figur super hero lokal. Sedang lukisan lainnya lebih mirip sketsa drawing berjudul ‘Fosil’, ‘Pembuat angin’, figur ‘M’ inisial ini menunjukan nama suku di Indonesia identik senjata khasnya. 

Selain itu masih banyak cara orang memaknai hidup, dengan belajar sejarah, mengkoleksi barang antik, hingga berburu ke pasar loak. Seperti apa yang dilakukan oleh Agung tato tiap hari minggu blusukan ke pasar loak, yang membedakan kondisi dulu dan sekarang adanya wajib prokes. Dari pasar ini ada temuan ‘action figure’, patung super hero yang tidak utuh, kemudian di utak-atik di studio menjadi kreasi multi-segi yang menampilkan sosok di luar habitat normalnya. 

Patung-patung ‘action figure’ itu di satu sisi, memiliki kosakata visual baru, di sisi lain - ikon budaya pop, barat. Keduanya dibenturkan dan menyatu, ditambah kesadaran bahwa visual paling biasa dari masa lalu tertentu dapat muncul kembali sebagai simbol yang mendefinisikan sejarah kejayaan, juga bagian dari penawaran ‘action figure’ yang bertema lokal. Dimana terselip humor kecil dan ingatan tajam untuk hal yang sangat populer.  Karya-karya patung itu meskipun dibalut citra batu dan lava pijar namun dari gestur atau pose patung itu telah mengekspresikan konsep/nama /judul masing-masing, yaitu figur ‘Kalijaga’ dengan pose meditasi dan gangguannya, ‘ITB’ yang membanggakan ganesha, ‘Cong li’ gaya petarung boxing, ‘Membesarkan kepala’ sindiran figure public majapahit dengan kaca pembesar  dan sebagainya. Bagi saya sebuah karya dengan ukuran yang tak terlalu besar orang akan dengan senang hati memusatkan perhatian pada detail. Penonton mungkin akan terdorong membungkus pikiran di sekitar karya yang dinikmati. 

Untuk itu, dengan duduk bersila saya harap pameran SELO ini tidak ditangkap hanya soal teknis dan artistik saja, supaya sebagai karya seni bisa bicara sesuai sejarah penciptaanya, durasi keberadaan, bobot konten, dan barokahnya masing-masing. Sedikit banyak pameran ini bisa jadi simbol celah re:kreasi untuk zaman kita yang kelebihan informasi sekaligus berhadapan dengan situasi yang sulit dimengerti. Saya ucapkan buatsemuanyaja selamat menikmati, selamat berpameran buat teman ngopi silo.. terima kasih ajakan selo ini.. 

Syalabi Asya
*Museum of Mind*
06/01/2021
 
 
 
 



 
 
 
 
 

50 % OFF
Rindu Pangkat Tiga
Rindu artinya keinginan untuk bertemu. Dan keinginan itu semakin membuncah di masa seperti sekarang ini. Pameran ini, bagi kami Kelompok 86 adalah bentuk pengungkapan rasa rindu itu. Meski sesungguhnya baru tahun kemarin, 2019, kami pameran bersama di Galeri Fadjar Sidik Institut Seni Indonesia Sewon Yogyakarta.
Kerinduan kedua adalah pada pameran itu sendiri. Hiruk pikuk dan suasana pameran adalah sesuatu yang tak tergantikan. Walau apa boleh buat saat ini harus dilengkapi protokol kesehatan yang ketat. Namun kami percaya bahwa bagaimana pun kondisinya ia: pertemuan di ruang  kebudayaan itu akan selalu menyenangkan sekaligus membahagiakan. Dan kita tahu hal tersebut adalah terapi terbaik bagi imunitas.
Kerinduan ketiga dan yang paling penting yakni mempertemukan karya senirupa kami dengan penggemar atau penontonnya. Akan menjadi lebih sempurna apabila karya kami ketemu kolektor alias pembelinya. Nah demi menuju itu kami melakukan seperti layaknya “Year End Sale”dengan memberi potongan harga separuhnya. Kami berbincang dan saling mengingatkan untuk menampilkan harga sewajarnya. Bukan dinaikkan terlebih dahulu baru dikasih discount  seperti trik toko sebelah. 
Yogyakarta, 21 Desember 2020
 
Yuswantoro Adi
 

Artist Statement dan Konsep Karya SENSES
Arif Hanung TS
Pada hakikatnya, manusia mempunyai rasa kepekaan/perhatian. Dalam karya saya ini, saya
mengutarakan beberapa bentuk kepekaan seseorang terhadap orang yang disayanginya. Perasaan peka
tentu menjadi amat kuat dari waktu ke waktu. Sebagai seorang suami dan seorang ayah, saya
memperhatikan betul perihal kebutuhan dan perkembangan mereka, khususnya pada anak. Ada rasa
ingin tetap melindungi, rasa ingin terus mendampingi, dan juga rasa haru akan moment-moment
tertentu. Dengan segala kondisi, sebagai ayah tentu harus bisa memposisikan dirinya dalam keadaan
baik maupun “terlihat baik-baik saja”, tak lain dan tak bukan, itu semua demi orang-orang yang
disayanginya.
Sidik Purnomo
Mereka, kami atau kita dilahirkan dengan hakikat yang sama, sebagai manusia dengan atribut
lengkap sesuai kodratnya. Namun dalam proses tumbuh kembangnya, setiap insan melewati
latarbelakang dengan lika-liku yang berbeda satu sama lain, itulah mengapa perbedaan itu ada seperti
warna kulit, lingkungan hidup, pendapat, budaya, adat, hingga agama.
Selama tidak merugikan satu sama lain, bukankah itu hal yang indah dan meriah?
Komar
Pikiranmu, Bebanmu
Hidup tak lepas dari yang namanya beban. Setiap orang diuji dengan kesulitannya masingmasing.
Penyesalan terdahulu, ketakutan/kecemasan, kedepannya bisa menjadi beban jika terlalu
memikirkannya, yang menjadikan setiap kesulitan/penderitaan itu beban adalah pikiran. Guci
diibaratkan sebagai diri, dan kayunya sebagai beban. Bukan seberapa berat beban yang dipikul, namun
seberapa mampu untuk menyikapinya dengan pikiran yang jernih. Jika tak mampu untuk mengatasinya
sendiri, utarakan dengan orang-orang tersayang. #ojodipikirdewe.
Open minded
Karya ini merupakan representasi dari sifat saya. Selama ini saya tertutup kepada siapapun,
bahkan kepada keluarga sendiri. Saya terlalu egois bahwa saya bisa melakukan apapun sendiri tanpa
bantuan orang lain. Namun saya salah, justru berkat peran orang-orang disekitar saya lah yang
menjadikan saya seperti saat ini. Disitu saya mulai belajar untuk terbuka kepada siapapun, dan mencoba meninggalkan sifat-sifat buruk yang lalu.
Noris
Semboyan negara ini “bersatu kita teguh”, tidak benar-benar terwujud, hanya sebagian kecil saja yang dapat kita rasakan, tetap terpisah-pisah seperti suku, ras, agama dan sebagainya. Tidak jarang kita mendengar terjadinya perselisihan antar golongan, suku, maupun agama. Seperti visual pada karya ini, membentuk satu benda, yang dimaksud disini adalah Indonesia, tetapi antara tanah yang satu dan tanah yang lainnya tidak menyatu (yaitu semua perbedaan yang ada di Indonesia).
Gumelar Wahyu Aji
Pada karya kali ini saya memainkan indra penglihatan yaitu mata dalam prosesnya dengan memejamkannya untuk dapat melihat dan menghadirkan proyeksi visual dalam ruang hampa. Ambience yang gelap merupakan impresi awal yang saya rasakan dalam prosesnya, namun jika diperhatikan secara perlahan dan mulai hanyut didalamnya, terdapat berbagai macam warna dan tekstur muncul dalam kegelapan itu dan hadir menjadi berbagai macam bentuk. Tak dapat dipungkiri juga bahwa ada distraksi dalam prosesnya sehingga imaji yang muncul hancur/chaos. Lain halnya jika indra penglihatan tersebut diinduksi dengan pergeseran kesadaran baik dengan chanting atau subtansi kimia seperti yang dilakukan oleh beberapa leluhur. Imaji yang muncul merupakan akumulasi bawah sadar yang berusaha untuk berkomunikasi dan mengingatkan untuk introspeksi diri.

‘NOVEMBER RAIN’, Display & Process
Tempat: Miracle Prints, Suryodiningratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
 
‘Display & Process #1’ Herly Gaya & Joko ‘Gundul’ Sulistiono
4 – 14 November 2020
 
‘Display & Process #2’  Keluarga Edo Pop  & Rifzikka Atmadiningrat
18 – 28 November 2020
 
Siapa tak kenal lagu November Rain dari Gun’s N Roses? Lagu panjang berdurasi 8 menit 52 detik ciptaan Axl Rose ini mengisahkan kesedihan akibat cinta yang bertepuk sebelah tangan. Lagu ini begitu terkenalnya dan dianggap sebagai lagu ballad terbaik sepanjang masa.
Menyambut bulan November ini Miracle Prints akan menampilkan 2 kloter display Duo seniman, masing-masing berlangsung 10 hari. Display akan dilengkapi dengan sesi tayangan langsung (live streaming) proses berkarya setiap seniman yang terlibat sehingga penonton tidak hanya disuguhi karya jadi namun juga dapat merasakan prosesnya.
‘NOVEMBER RAIN’, Display & Process, demikianlah judul pameran ini. Materi pameran berupa karya-karya yang didisplay di ruang galeri dan siaran langsung  proses berkarya seniman.
Menjalani masa-masa pandemi Covid 19 yang berkepanjangan  barangkali buat sebagian orang bagaikan tengah merasakan kisah patah hati sebagaimana digambarkan oleh lirik lagu legendaris Gun’s N Roses tersebut. Ada yang dapat mengatasinya dengan positif namun tidak sedikit pula yang berakibat negatif, merusak diri sendiri dan menjadi tidak produktif.
Seniman seharusnya dapat mengatasi dengan positif masa  ‘tidak mengenakkan’ ini dan menumpahkan kisah-kisahnya dalam karyanya. Apapun bentuk dan wujudnya.
Hujan di bulan November akan selalu dikenang. Begitupun karya-karya seniman.
…………………/We still can fine away/‘Cause nothing last forever/Even cold  November rain.
 
Syahrizal Pahlevi/Miracle Prints

Melihat Dengan Pikiran.
Oleh : Alex Luthfi R.
 
I. Pengembaraan Johny Gustaaf.
 
Semangat berpameran Johny Gustaaf tidak runtuh oleh pandemi COVID-19 yang melanda Nusantara. Selama 14 hari ke depan (14 - 28 Oktober 2020), akan digelar lebih dari 20 karyanya di Miracle Prints Yogyakarta.
 
Pelukis berdarah Ambon kelahiran Jakarta ini, pada tahun 2005 studi seni lukis di SMSR Yogyakarta. Setelah lulus sekolah seni, pada tahun 2011 memutuskan menimba pengalaman dan sekaligus mencari rezeki di Maliboro pusat wisata kota Yogyakarta sebagai  pelukis potret.
 
Lebih dari 5 tahun menjalani hidup sebagai pelukis potret, Johny Gustaaf  banyak menerima pesanan lukisan dengan corak realis dan impresionis. Selama berkarya dengan corak realis dan impresionis untuk memenuhi pesanan pecinta seni, membuatnya menjadi peka terhadap kualitas warna dan cara mengharmonisasikannya. Dari pengalaman artistiknya ini, kemudian menjadi awal  dan sekaligus pemicu baginya untuk melukis secara mandiri.
Johny Gustaaf  akhirnya memutuskan tidak menerima pesanan pecinta seni lagi dan berkarya dengan bebas serta mandiri, untuk memberikan keleluasan bagi ide-idenya.
 
Johny Gustaaf, adalah tipe anak muda yang pandai berkomunikasi dan memiliki banyak teman pelukis. Pertemanannya dengan pelukis ternama di Yogyakarta, dan para alumni SMSR Yogyakarta, memberikan banyak pelajaran untuk dirinya.
 
Pengembaraan seorang Johny Gustaaf dengan mengunjungi banyak teman, lalu berdiskusi, membuatnya lebih dewasa di dalam memahami hidup sebagai pelukis. Dari pertemanan tersebut,  dirinya memperolah segudang pengetahuan juga wawasan,  yang dapat membangkitkan dirinya dan kemudian  menetapkan jalan hidupnya sebagai pelukis yang visioner.
 
Pameran ini adalah pameran tunggalnya yang perdana. Johny Gustaaf ingin menegaskan pada publik pecinta seni bahwa dirinya sudah hadir. Dan eksistensinya sebagai pelukis, ditunjukannya melalui karya-karya barunya yang ekspresif.
 
Melihat, dipilih menjadi tajuk untuk pameran tunggal perdananya. Kata “melihat”  dapat mengungkapkan berbagai hal  tentang dan mengetahui fenomena yang terjadi melalui indera mata. Dari Melihat tentu akan ada proses penjiwaan, yaitu meresapi dan menghayati sesuatu yang nampak serta apa yang ada disebaliknya.
 
Jadi pilihan daripada  kata Melihat ini,  Johny Gustaaf berkeinginan agar masyarakat dapat mengapresiasi karya seni lukisnya dengan  lebih cermat lagi. Kita bisa melihat  citra artistiknya dari bidang-bidang kanvasnya  yang sarat dengan dinamika warna serta goresan kuasnya  yang ekspresif itu.
 
 
II. Melihat Lukisan Johny Gustaaf.
 
Pada tahun 2017, untuk pertama kalinya Johny Gustaaf mencipta karya seni lukis dengan corak ekspresionis. Perubahan corak seni lukisnya ini, berhubungan erat dengan perasaan batinnya yang ingin lebih bebas dalam mengekspresikan gejolak emosinya di atas kanvas.
 
Johny Gustaaf dengan corak seni lukis ekspresionistis, seperti menemukan dunia barunya. Setiap hari melukis tiada henti, semangat yang ditunjukannya bertujuan untuk  mendapatkan hasil yang maksimal. Maka di dalam kurun waktu 3 tahun ini, kemajuannya sungguh luar biasa, produktivitasnya mampu menghasilkan lukisan yang indah dan semakin berkembang  tekniknya.
 
Dalam perbincangan sore di studionya, Johny Gustaaf menjelaskan dengan panjang lebar proses kreatifnya. “ ....goresan kuas  dengan varian garis-garis, aksen guratan-guratan pisau palet/kuas tumpul dan blok bidang warna menjadi unsur penting dalam seni lukis saya. Hasilnya, dari permainan warna, sapuan kuas dan guratan garis-garis (improvisasi) yang saya komposisi di atas bidang kanvas, dapat menjadi dinamis dan harmonis. Kemudian untuk ide-idenya, inspirasinya saya dapatkan dari keindahan alam semesta yang pernah saya lihat dan hayati”.
 
Kesan pertama yang saya peroleh ketika melihat dan mencermati semua lukisan yang diciptakan, adalah jiwanya yang lapar. Meskipun semua karya yang dihasilkan memiliki ciri dan detail yang hampir serupa, namun sensasinya tetap saja menggetarkan jiwa. 
 
Setelah saya lebih dalam lagi masuk ke wilayah proses kreatifnya, terungkap bahwa dirinya tidak ingin kehilangan keaslian dan spiritualitas seninya. Perasaan yang paling pribadi olehnya diekspresikan dengan meledak-ledak, terbebas  dari norma objek. Maka Johny Gustaaf saat ini sudah sampai pada penemuan formulanya sendiri untuk menghasilkan ciri dari seni lukisnya.
 
Baginya momen-momen puncak  dari suasana hatinya, harus segera ditranformasikan pada bidang kanvasnya. Sapuan kuas yang liar, komposisi warna yang dinamis, torehan aksen garis, merupakan drama dan eksperimentasi yang menghasilkan efek serta sensasi mengejutkan. Proses kreatif yang dilakukannya, memang memiliki kemiripan proses dengan yang dikerjakan oleh para pelukis ekspresionisme, yaitu  tidak ingin kehilangan momen serta moodnya.
 
Warna menjadi bentuk, sapuan kuas liarnya adalah jiwa dan guratan garis-garisnya merupakan perlambang dari suasana pikiran dan hati.
Mengapresiasi seni lukis Johny Gustaaf seperti “melihat” jiwa yang bergerak. Untuk itu sebaiknya kita membaca lukisannya tidak dengan mata, tetapi dengan pikiran, agar dapat memahami misteri yang berada di dalamnya.
 
Selamat berpameran dan sukses.
 
Yogyakarta, 14 Oktober 2020.
Saung Banon Arts Yogyakarta

OYOT
Pameran Tunggal Lukis Eksperimental – Karya Nur Aziz
 
Perjalanan waktu yang semakin kesini memang semakin memicu penalaran tertentu bagi para perupa. Bukan sebagai orang yang pertama dalam suatu hal, akan tetapi menjadi perupa yang semakin berani mengangkat gagasan atau menuangkan ungkapannya secara gamblang bukanlah hal yang sepele. Sejatinya, arus zaman dan tren seni rupa terkini yang terikat pada era kontemporer juga memberi pengaruh kepada para seniman/perupa dalam eksplorasi berkeseniannya. Tak terkecuali Nur Aziz, seorang perupa muda kelahiran Temanggung, 20 Agustus 1996 yang berdomisili di Yogyakarta, menggeluti dunia seni lukis eksperimental dalam beberapa waktu terakhir dan memutuskan untuk melancarkan pameran solo perdananya dengan tajuk “OYOT”.
Oyot yang berarti akar adalah hasil dari proses kontemplasi Aziz dimaksudkan sebagai simbol yang memaknai langkah pertamanya dalam berbagai hal termasuk kegiatan berkesenian yang ia tekuni. Segala permasalahan kehidupan yang termasuk didalamnya berkarya memiliki alasan-alasan yang mendasarinya. Aziz cenderung mencipta karya dengan eksplorasi media yang terinspirasi dari seni rajut yang memberikan kesan tersendiri pada karyanya. Secara umum karyanya merupakan lukisan abstrak dengan media lukis berupa kanvas dan cat akrilik. Uniknya ia menggabungkan seni rajut dalam komposisi lukisannya. Penempatan rajut pada karyanya bukan sembarang, tetapi memang Aziz sengaja memilih kanvas-kanvas yang tidak utuh dan memanfaatkan rajut untuk menyempurnakan bidang pada media lukisnya. Disitu dapat terlihat pula bagaimana Aziz sebagai seorang perupa memiliki sudut pandangnya sendiri dalam memilih media dan bahan untuk berkarya.
Membaca karya-karya perupa seperti Aziz adalah semacam refleksi terhadap eksplorasi yang semakin liar dengan mencipta karya lukisan yang dibumbui keteknikan instalasi. Walaupun pada dasarnya karya seni instalasi merujuk pada visual perupaan 3 dimensi, tetapi dalam hal teknis bisa disatukan dengan kemampuan merangkum persepsi dan pengolahan ide dan medium-medium yang ada, sehingga saya menyebut karya-karya seperti ini sebagai karya instalasi 2 dimensional. Melihat beberapa dari karyanya memang terlihat cukup sederhana dari segi visual, tetapi pada visualisasi tersebut secara umum Aziz menyajikan pemaknaan tertentu mengenai dasar pengangkatan gagasan hingga proses penyajian karya. Warna-warna yang mengabstraksi bidang lukisannya menguatkan hubungan simbolik antara ide dan pencapaian makna.
Dalam obrolan saya bersama Aziz, ia menjelaskan pemaknaaan yang merujuk pada cara ia memanfaatkan alam menjadi salah satu elemen estetis sebagai sebuah ungkapan terimakasih kepada alam yang banyak memberikan manfaat bagi manusia. Tali yang digunakan untuk variasi rajutan adalah tali rami yang berasal dali bahan-bahan alami seperti kulit pohon ataupun serat-serat tanaman. Aziz memilih tali alam sebagai kiasan asal mula terciptanya kanvas, dan ini merupakan respon imaji terhadap historis sebuah media yang digunakan, Aziz memandang kanvas sebagai media yang memiliki historis yang dihubungkan dengan tali rajutan yang diaplikasikan pada karyanya dan menjadikan nilai historis itu sebagai unsur yang menyempurnakan karyanya.
Kembali pada pemaknaan sang perupa, Nur Aziz terhadap tajuk “Oyot” ini, sebuah tindakan awal yang meng’akar’i atau mendasari langkah-langkah selanjutnya menjadi motivasi tersendiri sebagai seorang perupa yang berusaha menyajikan ungkapan terhadap realitas dengan bentuk abstrak namun memiliki daya eksplorasi bermakna yang patut diapresiasi menjadi pengalaman estetis bagi kita semua sebagai khalayak seni.
 
                                                                                                           
Andy Junaedi

Catatan Kris Budiman
 
Sewaktu pertama kali saya dikontak oleh Tina, seketika itu juga terbayang rentang waktu yang terbilang cukup panjang yang telah saya lalui dalam mengenal dan (terkadang) mengamati entah karya-karya Tina Wahyuningsih ataupun Sinta Carolina
 
Karya-karya Sinta --terutama berupa drawing-- bisa langsung diidentifikasi sekejap mata dari, pertama, diksi warnanya yang khas, meriah, berwarna-warni. Sinta pun gemar menghadirkan artefak-artefak (benda- benda) dan hewan-hewan yang ada di dalam kehidupan sehari-hari yang sering kali tampak "sepele" sehingga luput dari amatan kita. Memasuki karya-karya Sinta adalah menikmati puitika kehidupan sehari-hari (the poetics of everyday life) atau seakan-akan memasuki dunia fabel masa kanak. Sementara Tina --dikenal dengan patung-patung lunaknya-- selama ini gemar menjelajahi bentuk-bentuk dan figur-figur yang asosiatif. Bentuk-bentuk yang mungkin membawa asosiasi kita pada sosok-sosok insani dan seperti-manusia (human-like), atau makhluk-makhluk imaginer tertentu, bahkan barangkali semata bentuk sebagai bentuk itu sendiri.
Ketika saya mengetahui judul pameran ini, yakni Happy Anxious Days, saya tergugah oleh ambiguitasnya, selain pada kemungkinan menautkannya pada situasi pandemi Covid-19 saat ini. Penautan pada konteks pandemi tentu lebih mudah dilakukan karena mereka berdua memamerkan karya-karya (berupa dan di atas) masker. Sementara yang saya maksud dengan ambiguitas itu adalah dalam hal tafsir terhadap judul tersebut. Di satu sisi ia berarti hari-hari cemas yang berbahagia, membahagiakan; di sisi lain dapat pula kita pahami seperti ucapan selamat: Selamat (menjalani, merayakan) hari-hari cemas. Hari-hari cemas itu tentu saja secara langsung merujuk, sekali lagi, kepada hari-hari yang masih dan sedang kita jalani selama beberapa bulan terakhir ini di tengah ancaman wabah. Akan tetapi, bukan itu saja. Dengan frasa itu Sinta dan Tina di satu sisi seperti sedang menyindir atau, setidaknya, menyodorkan sepotong ironi kepada kita; di sisi lain mereka pun menawarkan optimisme untuk tetap bahagia dan selamat dalam melalui kondisi darurat ini.
 
Kepada Sinta dan Tina, saya ucapkan:
Happy Anxious Days.
Selamat berpameran dengan gembira, dengan tetap menerapkan protokol kesehatan.

Kris Budiman

MERAKI
“Meraki” {may–rah–kee}—bahasa Yunani—berarti hal yang dilakukan dengan kreativitas dan cinta hingga sebagian dari jiwa mewujud di dalamnya. Kata itu mampu merepresentasikan kerja seniman yang bekerja mencipta dengan daya pikir melalui olah bentuk dan rasa. Menurut konsep seni S.Sudjojono, seni adalah jiwa ketok, jiwa seniman yang terlihat dalam karya-karyanya. Konsep ini tidak merujuk pada penilaian atau standar teknik tertentu, namun menekankan pada proses penciptaan karya, bagaimana seniman mengolah cita, rasa dan karsa dalam diri lalu mewujudkan itu ke dalam bentuk karya yang mampu mewakili dirinya. Proses ini seperti menelusuri pengalaman sadar dan bawah sadar seniman dengan membebaskan eksplorasinya, sehingga ia meninggalkan simbol-simbol personal sebagai bahasa yang menyatakan pemikirannya yang lebih mengacu pada jati dirinya.
Di masa pandemi Covid-19 yang melanda dunia, keterbatasan gerak semestinya tidak menjadi persoalan bagi seniman. Masa berbulan-bulan “dirumahkan” ibarat digiring kembali ke studio guna melakukan perenungan kembali, mencipta karya dan mengurangi aktivitas di luar rumah.
Kemajuan teknologi telah mempermudah penyajian presentasi hasil karya seni. Pada pameran “Meraki” ini, hadir karya-karya Harindarvati, Sumbul Pranov dan Meuz Prast yang mereka cipta selama masa pandemi. Karya-karya tersebut akan diunjukkan melalui pameran virtual, live streaming dan ragam media online lainnya. Hingga perjumpaan antara karya dan penikmatnya tetap ada.
Karya mereka sangat beragam. Karya-karya yang merepresentasikan jiwa kreatornya, karena sebagian dari diri mereka tergambar di sana. Sumbul Pranov, misalnya, ia terinspirasi oleh gumpalan awan dengan objek seorang perempuan yang sedang memikirkan sesuatu,  yang menarasikan cita-cita tinggi, dan beberapa objek anjing yang menarasikan kesetiaan  melebihi kesetiaan manusia sekali pun. Citra tersebut menggambarkan sebagian dari diri Sumbul sebagai seniman patung, yang kini kian berkurang, karena banyak pematung beralih melukis dan jarang membuat karya patung.
“Meraki” dalam bahasa Jawa berarti nyedhaki atau mendekati. Mendekati dalam konteks ini menjadi sebuah proses penggalian dalam mengenali diri, hingga karya-karya yang terlahir dari perenungan tersebut merupakan cerminan sebagian dari jiwa senimannya. Karya-karya Harindarvati mengeksplorasi sosok perempuan misterius dengan narasi surealis dan bermain warna kulit. Ia menemukan keasyikan sekaligus kemisteriusan dalam tubuh perempuan lain yang dilihatnya yang juga merupakan representasi dari dirinya yang paling dalam. Lain halnya dalam karya-karya Meuz Prast yang menghadirkan banyak citra mata. Ia lebih banyak melihat pun dilihat daripada berbicara dan mengidentifikasi peristiwa yang terjadi yang dibuatnya menjadi materi dalam karya-karyanya yang dihadirkan dalam pameran ini.
Pameran virtual  “Meraki” berlangsung pada 24 Juli sampai 6  Agustus 2020 di Miracle Galeri Suryodiningratan, Yogyakarta. Hal ini sebagai upaya menyikapi kondisi pandemi yang sedang terjadi, sekaligus tetap menyambung nafas berkesenian melalui dunia virtual. “Kerja, kreativitas, dan jiwa!” itulah yang disuguhkan dalam “Meraki”.