 Menangkap Momentum Momentum 1. Adalah “Bedroom in Arles” judul tiga versi lukisan Vincent Van Gogh berobjekkan interior kamar tidurnya semasa tinggal di Arles, Perancis yang menjadi momentum mempertemukan kesukaan saya bermain ruang dan ingatan atas pekerjaan merepro lukisan maestro Eropa semasa menjadi mahasiswa seni dahulu. Berdasar pengamatan atas foto tiga versi lukisan yang banyak beredar di media tersebut sejak pertengahan 2017 sampai awal 2019 saya membuat 20 seri karya seni grafis dengan hanya 1 teknik yaitu teknik cukil kayu reduksi yang dicetak diatas kertas dalam berbagai ukuran. *1 Momentum 2. Ide berlanjut dengan melakukan pengamatan atas seri lukisan berobjekkan buah apel dari karya pelukis Paul Cezanne yang juga dianggap maestro Eropa. Momentumnya adalah munculnya keinginan meluaskan teknik dan media berkarya dengan menggali kembali berbagai potensi teknik dan media yang pernah dilakukan dahulu. Dalam seri ini saya membuat tidak hanya karya seni grafis teknik cetak cukil kayu reduksi yang merupakan media kesukaan saya selama ini, melainkan juga seri cat air di atas kertas, lukisan cat minyak di kanvas dan karton serta beberapa karya dengan teknik cetak lain. *2 Momentum 3. Keinginan meluaskan teknik dan media ini kembali menemukan momentum ketika saya mencoba menengok proses saya sendiri dalam menggarap karya-karya sebelumnya. Hasilnya adalah beberapa lukisan dan cetak grafis dalam berbagai teknik yang tampil dalam pameran ini. *3 Catatan: *1. Sebagian besar karya telah dipamerkan dalam pameran tunggal “Dari Guanlan ke Arles (Trilogi Reduksi I)” di Museum Dan Tanah Liat Yogyakarta 20 – 30 Januari 2018 dan pameran tunggal “Bedroom in Arles (Trilogi Reduksi II)’ di Kebun Buku Yogyakarta pada 12 – 26 Januari 2019 lalu. *2. Karya-karya dipamerkan dalam pameran tunggal “Still Life With Apples” di Nalarroepa Yogyakarta 23 Juli- 30 Agustus 2019 lalu. *3. Pameran “Bedroom in Arles Retouch” ini menampilkan juga sebagian karya lama dari 3 pameran tunggal sebelumnya termasuk karya yang belum pernah dipamerkan untuk memperlihatkan perkembangan dalam usaha meluaskan teknik dan media tersebut. Syahrizal Pahlevi BEDROOM IN ARLES RETOUCH Ditengah fenomena pameran seni rupa belakangan yang ‘banyak mengusahakan kebaruan ide, bentuk dan teknik’, karya-karya Pahlevi dalam “Bedroom in Arles Retouch” melakukan apa yang sering dikatakan pengamat seni sebagai sebuah praktik ‘apropriasi’, yakni sebuah metode meminjam ide, bentuk, dan teknik dari karya yang tergolong ‘masterpiece’, atau yang menjadi ikon dalam sejarah, dalam hal ini sejarah seni rupa. Sepengenalan saya dengan Pahlevi, ia seperti seorang ilmuwan yang tertarik pada perkara keteknikan. Latar edukasi Levi dari studio seni lukis, namun Ia justru meminati seni grafis, dan kita tahu didalam seni grafis ada beragam teknik yang rumit untuk dipelajari. Justru kerumitan itu menjadi petualangan tersendiri dengan segala efek cetaknya, dari manual hingga digital. Pahlevi mengamati Pameran ini masih masih dalam ikatan pameran tunggal sebelumnya; "Dari Guanlan ke Arles" - trilogi reduksi #1 di Museum dan Tanah Liat (MDTL) dan "Bedroom in Arles" - trilogi reduksi #2 di Kebun Buku Yogyakarta. Bila sebelumnya Pahlevi mengamati Cezanne berjudul Paul Cezanne(1839-1906), satu ikon aliran posimpresionisme dari Barat. Dalam pameran ini pemilik wajah misterius ini mengamati pula "Bedroom in Arles" karya ikon seni rupa modern Barat yang lain, yaitu: Vincent van Gogh yang dibuat antara tahun 1888 hingga 1889. Kurang lebih dua puluh karya grafis teknik woodcut reduksi cetak di atas kertas dalam berbagai ukuran yang dibuat mulai akhir tahun 2017 hingga awal 2019 ditampilkan dalam pameran ini. Ada tiga versi lukisan van Gogh yang berobjekkan kamar tidurnya sendiri itu sebagai pokok utama gagasan yang ia apropriasi. Dalam eksplorasi tekniknya, Pahlevi melakukan sentuhan ulang (retouch) dengan teknik dan media yang berbeda atas tafsirnya inilah makna utama pameran ini Apa kaitan historis Pahlevi dengan para ikon seni rupa modern itu? Tidak ada, namun dalam konteks memori dan hasrat, ‘warisan kebudayaan barat’ itu memiliki arti tersendiri bagi Pahlevi yang notabene besar dan lahir di Timur, bagi saya percakapan transestetik ini menarik sebagai sebuah karya yang lahir dari kekuatan imajinasi yang kuat. Sudjud Dartanto  “LEGENDA MAGIS” 100 Tahun Widayat Seniman: Seniman undangan dan hasil seleksi aplikasi terbuka Kurator: Syahrizal Pahlevi Seleksi karya aplikasi terbuka: Risman Marah, Dedi Yuniarto, Ria Novitri Penulis: Wahyudin Pembukaan: Jumat, 18 Oktober 2019, pukul 16:00 Dibuka oleh: dr. Oei Hong Djien Tanggal Pameran: 18 Oktober - 2 November 2019 Alamat: MIRACLE PRINTS, Suryodiningratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141 Jam buka: Senin - Sabtu, ukul 10:00 - 17:00 Website: www.terasprintstudio.com Deskripsi: Widayat itu penuh daya magis yang menyihir. Karya-karyanya, kisah hidupnya, gaya mengajarnya yang eksentrikk, kesan para kolektornya sampai carut marut pengelolaan museum yang ditinggalkannya. Karya: Istilah “Decora Magis” oleh Agus Darmawan T Teknik: Dijuluki seniman serba bisa. Mulai dari seni taman, seni grafis, sketsa, lukisan, relief. Quote: “Greng”, “jelek saja belum apalagi bagus” Gaya mengajar: Menunjuk lukisan mahasiswa dengan menggunakan kaki, Mengacuhkan mahasiswa. Carut marut museum: Peristiwa hilangnya ratusan karya Widayat dari museumnya yang diberitakan oleh pers. OHD: Widayat adalah salah seorang seniman perupa Indonesia yg sangat penting, dari segi karya maupun dlm bidang pendidikan. Ia telah mengembangkan gaya unik yg disebut dekora-magis, dekoratif yg mempunyai ciri2 non- perspektif, ada repetisi bentuk dan memenuhi bidang kanvas, namun tidak manis, malahan magis. Dekorativisme sangat erat hubungannya dg ornamentasi di karya tradisional yg oleh Widayat ditransformasikan jadi modern. Maka karya Widayat tak ada/lazim di Barat. Karyanya di atas kertas spt drawing, cat air, woodcut print juga bagus2. Ia mengabdikan diri untuk mengajar di ASRI - ISI Jogya setelah lulus selama 34 tahun. Ia mempunyai pengaruh besar pada seniman Jogya hasil didikannya. Oleh karena jasa2nya itu semua, sudah selayaknya kita memperingati hari jadinya yg ke-100 seperti kita memperingati seniman2 sebelumnya:Affandi. Sudjojono, Hendra Gunawan Namun nama Widayat tidak berhasil menyihir seniman-seniman muda atau pendatang baru. Buktinya banyak dari mereka yang tidak tahu siapa Widayat.Tidak tahu karya-karyanya. Mereka sepertinya tidak peduli. Apa yang salah dari endidikan seni rupa kita hingga sosok Widayat tidak masuk dalam semua kurikulum pengajaran seni rupa Indonesia? Ataukah memang mahasiswa tersebut termasuk ‘kucluk’ atau sering bolos mata kuliah seni rupa Indonesia? Pada 100 Tahun Widayat Lahir di Kutoarjo, Jawa Tengah, 9 Maret 1919—pelukis Widayat atau, resminya, H. Widayat, berusia 100 tahun di tahun 2019 ini. Tapi kita tahu, pada 22 Juni 2002, dia telah berkalang tanah. Sepanjang umurnya yang delapan puluh tiga itu Widayat mengesankan sebagai juru ukur pegawai kehutanan dan juru gambar peta rel kereta api di Palembang; pimpinan Seksi Penerangan—dengan pangkat Letnan Satu—di Divisi Garuda Sumatra Selatan (1945-1947); pendiri Pelukis Indonesia Muda (PIM) bersama G. Sidharta, Murtihadi, Sayoga, dan Suhendra (Yogyakarta, 1954); Dosen seni rupa ASRI, pendiri dan pemilik Museum Haji Widayat di Mungkid, Magelang, Jawa Tengah (1994); Pelukis serbabisa; dan Maestro Seni Lukis Indonesia. Atas semua itu, Widayat meninggalkan dua warisan estetis yang paling dikenal dan dikenang penghayat seni rupa (di) Indonesia—bahkan manca negara—yaitu lukisan “Dekora Magis” dan “Greng”. Yang pertama adalah karya seni rupa, benda budaya, dan obyek artistik yang memampukan Widayat terpandang sebagai salah satu pelukis Indonesia terkemuka pasca generasi Affandi, Hendra Gunawan, dan S. Sudjojono. Alih-alih, lukisan-lukisan “Dekora Magis” Widayat tidak hanya bernilai artistik tinggi, tapi juga bernilai ekonomi menjulang dan menggiurkan banyak pecinta dan penjaja karya seni rupa (di) Indonesia. Yang kedua adalah semacam kata kunci Widayat untuk mengidentifikasi dan/atau menilai lukisan. Seturut kata kunci itu, sebuah lukisan yang tersimpulkan baik-apik jika terdapat “Greng”. Dalam kalimat penulis seni rupa Agus Dermawan T., “Greng” merupakan “istilah khas Widayat untuk menandai lukisan-lukisan yang memiliki optimasi ekspresi, teknik perwujudan, getaran, serta keluasan imajinasi dan fantasi.” Yang menarik, kata kunci ini justru populer melalui kolektor besar Oei Hong Djien (OHD). Sampai-sampai, bila tak senantiasa diluruskan OHD, banyak orang mengira kata kunci tersebut berasal dari atau kepunyaan pemilik OHD Museum, Magelang, itu. Demikianlah, dengan kedua warisan itu, nama Widayat tetap bertakhta di lidah dan hati penghayat seni rupa Indonesia, utamanya di Yogyakarta, sekalipun ia telah berada di alam baka sejak 17 tahun lalu. Pameran bertajuk “Legenda Magis” ini menggelar pusparagam karya seni rupa—antara lain lukisan, gambar, grafis, patung (kertas dan logam), dan keramik ciptaan 84 seni rupawan Indonesia lintas generasi yang tinggal dan berkarya di Yogyakarta, Jakarta, Bandung, Tangerang, Banyuwangi, Temanggung, Sumedang, Solo, Magelang dll. 21 perupa diundang secara tertutup, 63 perupa dipilih lewat undangan terbuka oleh Risman Marah, Dedi Yuniarto, dan Ria Novitri. Dengan itu, pameran ini berkehendak mempresentasikan ikhtiar kreatif—pikiran, perasaan, dan tanggapan—perupa atas riwayat daya cipta Widayat, terutama yang berkenaan dengan “Greng” dan “Decora magis” dalam bahasa visual seturut kadar dan kecenderungan artistik atau sesuai dengan pengetahuan dan daya imajinasi mereka. Dari situ kita boleh memandang “Legenda Magis” ini sebagai eksposisi karya seni rupa yang dianggap “Greng” oleh 90 perupa Indonesia atau merupakan tafsir estetis mereka atas “Greng” atau “Decora Magis” atau riwayat kreatif Widayat yang melegenda di dunia seni rupa Indonesia—bahkan di dunia seni rupa manca negara. Yogyakarta, 18 Oktober 2019 WAHYUDIN, Kurator seni rupa  Press release “PRINT & PRESENT” Pameran Pemenang 3rd JIMB dan Presentasi TERAS Print Studio Seniman: Antoni Kowalski, Eve Eesmaa, Maja Zemunik, Giri Dwinanto, Silvana Martignoni, Thamrongsak Nimanussarnkul, Angga Sukma Permana, Ariswan Adhitama, Dodi Irwandi, Reno Megy Setiawan, Rizal Eka Pramana, Syahrizal Pahlevi dan Windi Delta Kurator: Teras Print Studio Penulis: Syahrizal Pahlevi Pembukaan: Jumat, 17 Oktober 2019, pukul 17:00 Dibuka oleh: Edy Sunaryo Tanggal Pameran: 17 Oktober - 17 November 2019 Tempat: Langgeng Art Foundation (LAF), jl, Suryodiningratan 37 A, Mantrijeron, Yogyakarta 55141 Jam buka: Senin - Sabtu, pukul 11:00 - 19:00 Website: www.langgengfoundation.org , https://jogjaminiprint.weebly.com/ Kontak: Nila Deskripsi: PRINT & PRESENT adalah pameran bersama oleh 6 pemenang even 3rd JIMB (Jogja International Miniprint Biennale) 2018 lalu dan 7 seniman Yogyakarta. 7 seniman Yogyakarta ini adalah para pegrafis yang dianggap banyak berkontribusi terhadap aktifitas TERAS Print Studio selama ini. Pameran akan menampilkan 80 lebih karya grafis berbagai teknik cetak di atas kertas dengan ukuran mini (ukuran gambar tidak lebih dari 20 cm x 20 cm) dan 14 karya grafis berbagai teknik dengan bermacam material tidak hanya dicetak di atas kertas dan ukuran bervariasi dari ukuran kecil sampai besar. Pameran kali ini juga sebagai sounding menuju pelaksanaan 4th JIMB 2020 yang rencananya akan diselenggarakan bulan November 2010 di tempat yang belum ditentukan. Akan ada rotasi juri baru yang akan mendiskusikan tema apa yang akan diusung untuk ditawarkan pada para calon peserta nantinya. Pola pencarian peserta tetap melalui sistim undangan terbuka dimana akan dipilih para finalis yang karyanya akan dipemerakan sekaligus memilih minimal 3 pemenang terbaik (Best Work) dan 3 pemenag unggulan (Excellent Work). Acara akan dimeriahkan dengan workshop 7 teknik grafis oleh 7 seniman Yogyakarta di LAF dan demo teknik oleh seniman Eve Eesmaa dari Estonia di Miracle Prints. Selain itu akan ada bazar karya-karya grafis dari Miracle Prints. Acara ini terselenggara atas kerjasama Langgeng Art Foundation dengan TERAS Print Studio dan Miracle Prints. Para pemenang 3rd JIMB adalah:
Dan 7 seniman Yogyakarta Presentasi TERAS Print Studio:
Workshop seni grafis (info detail dan tanggal menyusul): Tempat: LAF Biaya pengganti material: Rp. 100.000 setiap peserta/workshop. Peserta membawa pulang hasil workshop dan mendapat sertifikat.
PRINT & PRESENT PRINT & PRESENT adalah pameran bersama oleh 6 pemenang even 3rd JIMB 2018 lalu dan penampilan khusus 7 seniman Yogyakarta yang selama ini banyak berkontribusi terhadap aktifitas TERAS Print Studio. Pameran ini dapat juga dimaknai sebagai ‘persembahan’ insan grafis kepada para pencinta seni yang setia mengikuti melalui dinamika karya-karya cetaknya. Perhelatan 3rd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2018 lalu di Museum dan Tanah Liat (MDTL) Yogyakarta yang membawakan tema ‘Messages From The Matrix’ memamerkan 117 karya dari 65 finalis (50 seniman internasional dan 15 seniman dalam negeri). Dari karya-karya finalis tersebut juri pada waktu itu yang diketuai oleh Sudjud Dartanto dengan juri anggota Malcolm Smith dan Deni Rahman kemudian memilih 3 pemenang utama (Best Work) yaitu Antoni Kowalski dari Polandia, Eve Eesmaa dari Estonia dan Maja Zemunik dari Kroasia. Kemudia ada lagi 3 pemenang unggulan (Excellent Work) yang diraih oleh Giri Dwinanto dari Indonesia, Silvana Martignoni dari Italia dan Thamrongsak Nimanussarnkul dari Thailand. Sebagaimana dalam dua kali pelaksanaan bienal sebelumnya TERAS Print Studio selaku panitia menyelenggarakan pameran grup para pemenang JIMB dengan karya-karya baru yang dikirm khusus oleh para senimannya di tahun berikutnya. Jika dalam dua pameran bersama sebelumnya hanya dipamerkan karya-karya dari 3 pemenang utama (Pameran 33 Prints di Studio Kriya, Komplek JNM, 2015 dan pameran Jogja Editions di Sangkring Art Project, 2017), maka dalam pameran kali ini ikut dipamerkan pula karya-karya dari 3 pemenang unggulan sehingga total ada 6 pemenang yang memamerkan karya-karyanya berjumlah lebih dari 80 karya mini print dengan berbagai teknik dicetak di atas kertas berukuran gambar tidak lebih dari 20 cm x 20 cm. Penampilan karya-karya pemenang ini kali ini disertai oleh penampilankarya-karya print yang lebih kontemporer karena tidak terikat media cetak dari 7 seniman Yogyakarta sebagai pameran penyerta. Dalam pameran grup ini karya-karya dari 6 pemenang JIMB 2018 rata-rata berukuran bidang cetak tidak lebih dari 20x20 cm. Ini adalah serupa dengan ukuran bidang cetak yang dipersyaratkan oleh JIMB sejak pelaksanaan pertama tahun 2014 ketika itu masih bernama JMB. Penyelenggara sengaja membatasi ukuran karya dari 6 pemenang untuk kebutuhan pameran bersama ini semata demi alasan ekonomis mengingat jika mereka mengirimkan karya dalam ukuran yang lain atau lebih besar akan cukup menyulitkan kesiapan penyelenggara. Sementara karya-karya dari 7 seniman TERAS yang kesemuanya tinggal di Yogyakarta oleh penyelenggara dibebaskan untuk menyertakan karyanya dalam pameran ini. Rata-rata setiap seniman menampilkan 2 judul karya dalam media cetak dan ukuran yang cenderung besar. Salah satu karya para seniman dicetak diatas kertas sebagaimana lazimnya karya-karya grafis dan satu lainnya kebanyakan mencetak diatas media selain kertas yaitu kain, kanvas dan lain-lain.keputusan ini untuk menunjukkan bahwa dalam seni grafis sesungguhnya para seniman bekerja uang alik antara memanfaatkan media konvensional dan merambah ke media-media non konvensional. Karena memang praktik seni grafis baik di dalam negeri maupun di luar negeri seperti inilah. Ada pegrafis yang bekerja melulu dalam frame seni grafis konvensional (dicetak diatas kertas) dan ada yang bekerja diluarnya (mencetak diatas media selain kertas). Ada juga pegrafis yang bekerja dikeduanya baik secara ukang alik ataupun bekerja secara per periode. Diluar pola tersebut masih ada pegrafis atau bukan pegrafis yang bekerja sekedar menfaatkan teknik seni grafis dan karya-karyanya cenderung tidak lagi dikaitkan dengan seni grafis. Teras menampilkan semua ini untuk menunjukkan bahwa inilah kondisi yang terjadi dalam media ini. Ini adalah hal yang lumrah saja. Pameran kali ini juga dimaksudkan sebagai promosi menuju pelaksanaan 4th JIMB yang rencananya akan diselenggarakan bulan November 2020 di tempat yang belum ditentukan. Akan ada rotasi juri baru yang akan mendiskusikan tema apa yang akan diusung untuk ditawarkan pada para calon peserta nantinya. Pola pencarian peserta tetap melalui sistim undangan terbuka dimana akan dipilih para finalis yang karyanya akan dipemerkan sekaligus memilih minimal 3 pemenang terbaik (Best Work) dan 3 pemenang unggulan (Excellent Work). Direncanakan akan ada penghargaan khusus kategori seniman nasional yang berpartisipasi. Semoga terwujud. Syahrizal Pahlevi Teras Print Studio Print & Present; Membaca Seni Grafis Kini Di dalam dunia seni, Grafis memiliki sejarah dan arah yang berbeda. Sejak jaman Renaissance, seni cetak-mencetak memungkinkan seniman untuk menyebarluaskan ide dan karya mereka dengan cara yang mudah ke berbagai tempat, hal tersebut bisa diwujudkan karena kapasitas seni grafis menghasilkan alternatif dalam penciptaan gambar dalam jumlah lipat ganda. Kapasitas ini membuat grafis bisa menjalin komunikasi dengan ruang dan masyarakat yang lebih luas. Seperti pada pameran kali ini, Print & Present. Pameran Print & Present sebagai bagian dari Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) ke-3 menjadi sebuah bukti nyata atas bagaimana seni grafis memperbincangkan dirinya sambil unjuk karya material dalam lintas geografis. Pameran ini dikhususkan bagi ke 6 (enam) pemenang 3rd JIMB yang berasal dari berbagai negara. Tdak hanya itu, pameran ini juga menghadirkan 7 seniman grafis terpilih Yogyakarta. Ke-7 seniman ini adalah mereka para pegrafis yang juga aktif dalam menghidupkan Ruang Teras Print Studio, sebagai sebuah ruang bertumbuh dan berkarya seni grafis yang ada di Yogyakarta. Seni grafis dalam perspektif seni rupa kontemporer sampai sekarang terus menerus diuji, karena batas seni grafis yang sangat lentur untuk digabungkan, dilintasi, dikaburkan, dipekatkan dengan berbagai medium. Sejarah seni grafis kontemporer sebenarnya cukup mengairahkan, apalagi, belum lama ini seni grafis dianggap sebagai disiplin ilmu alkamia. Perkembangan sejarah seni grafis mulai dari yang tradisional hingga kini, melintasi penampilan bentuknya mulai dari yang pop hingga sebagai sebuah cara produksi saja. Menghubungkan dengan Pameran ini, Print & Present. Seni grafis dan kini, apa itu seni grafis kontemporer? Sebagai sebuah ruang yang turut urun dalam perkembangan seni rupa kontemporer di Indonesia, bagi Langgeng Art Foundation, pertanyaan ini sebenarnya terasa hidup pada pameran ini untuk menunjuk dan menjawab perkembangan seni grafis kontemporer di Indonesia. Pada Pameran ini kita bersama diajak untuk melihat kembali sekaligus sadar bahwa teknik seni grafis tradisional berkembang dengan turunan pendekatan kreatif baru, batas-batas persepsi seni grafis berkembang sebagai respons terhadap dunia digital dan dunia seni rupa kontemporer. Lantas, apakah konsep tradisional seni grafis kehilangan relevansinya? Melihat karya-karya di pameran ini, melihat bagaimana teman-teman di Teras Print, Miracle Studio, dan seniman grafis lainnya khususnya di Yogyakarta, dimana seniman grafis terus menggerakkan penciptaan artisitik, media, proses dan membangun konsep dan hubungan seni grafis terus bertumbuh. Membanjirnya teknologi digital dalam produksi seni kontemporer malah justru memberikan arus balik, kecenderungan “sadar akan asal” yang membawa kembalinya kesadaran akan prinsip-prinsip asli dalam penciptaan media grafis. Oleh sebab itu pameran ini juga dirangkai dengan program edukasi publik berupa workshop berbagai teknik grafis. Print & Present tidak hanya berhenti pada bagaimana seni grafis hadir sebagai bentuk, tapi juga hadir sebagai pertukaran wacana sebagai bagian dari perkembangan seni grafis sekaligus seni rupa kontemporer terkini. Citra Pratiwi_Langgeng Art Foundation 
 Press release Pameran Tunggal Drawing ‘PLAYING WITH TIME’ Oleh Rona Narendra 27 September – 12 Oktober 2019 Penulis: A. Hernawan Pembukaan: Jumat, 27 September 2019, pukul 16:00 Dibuka oleh Yuswantoro Adi Music performance: Kiranja Jam buka: Senin – Sabtu, pukul 10:00 – 17:00 Waktunya Bermain dengan Rona Narendra Semasa kecil, seperti kebanyakan kita ketika bocah, Rona Narendra mendapat cerita dan bermain-main dengan membayangkan figur manusia dari sesuatu yang amat dekat dan sederhana dari diri kita; dari tangan dan jari-jari kita. Dua jari--tangan dan jari telunjuk--menjelma jadi kaki, lantas berjalan ke sana kemari, sesuai mau dan imajinasi kita. Dari kenangan itulah, Rona membangkitkan imaji masa silam itu ke wujud karakter-karakter yang (tampak) menggemaskan, di dunia dan gaya yang meriah, festive, tapi sekaligus seolah masa bodoh dengan ingar-bingar semua itu. Tangan-tangan yang hidup itu, dengan tiga jari sebagai kaki, bibir yang lebar atau mulut ndlongop, mata dengan bulu yang lentik dan tatapan sayu, hidung lancip, seolah akan muspra jika hanya tergantung di atas televisi di rumah bergaya jawanya yang asri di Kasihan, Bantul, itu sejak 2012. Namun, seperti tampak pada figur-figur karyanya itu, sarjana seni kriya ini seolah menerobos sembari bermain-main dengan waktu, berkelindan di antara “penampakannya” yang selo dan jadwal yang padat dalam memanfaatkan ke-selo-an itu sebagai ilustrator, desainer grafis—bidang yang diminatinya sejak dulu--dan perajin batik digital. Alhasil, karya “manusia driji” itu baru lahir lagi pada 2016 dan dua tahun ini. Tak lagi cuma bermain dengan ilustrasi serba-meriah dan ceria, Rona kini menafsirkan sepenggal cerita di epos abadi Ramayana, yakni saat Rahwana dan Jatayu berebut Sinta. Di karya bertajuk “J Vs R” ini, energi dan ketelatenannya tampak melimpah pada detail titik dan garis dari pulpen sebagai isen-isen ilustrasi. Menafsirkan kisah abadi yang tak lekang oleh waktu ini barangkali cara Rona bermaindalam gaya dan tema karyanya: bermain-main pada suatu momen (baca: waktu) serius dengan respons manasuka. Fragmen Sinta Obong yang sakral pada karya berjudul “Burned Lady” misalnya, Rama sudah siap dengan tabung pemadam dan balon udara ‘911’ melayang di atasnya, seakan siap menawarkan bantuan. Selain epos Ramayana yang menampilkan Sinta, Rona juga bermain dengan dongeng dan mitos yang--entah sengaja atau tidak—menampilkan sosok perempuan kuat semacam Dewi Sri dan Rara Mendut. Di lini ini, ada pula parodi karya klasik Sandro Botticelli “The Birth of Venus”. Di atas kanvas, meski ilustrasinya meriah, Rona memilih cat air yang simpel sekaligus mengesankan sikap jujur atau cuek dari karakternya. Warna-warni itu terasa pas, apa adanya, dan tak berpretensi mencari perhatian. Kesan yang sama juga saat Rona memilih pensil warna aquarel di tiga karyanya di atas panel kayu pinus: “Ayo Sekolah” yang menukil ilustrasi buku belajar membaca di masa Orde Baru, dengan si siswa yang memegang ponsel (ungkapan aktivitasnya mengurus sekolah alternatif yang turut dirintisnya selama dua tahun ini), “Bow and Arrow” tentang kedua anaknya, dan “You and Me” yang bisa langsung ditebak sebagai Adam dan Hawa yang memetik buah terlarang di Taman Eden. Pada karya "You and Me" ini, Rona tak akan menyalahkan tebakan tafsir itu. Namun ia punya permainan tersendiri yang tak akan membuat pemaknaan Adam-Hawa di karyanya itu sepenuhnya benar. Apalagi karya tentang sepasang laki-perempuan tak cuma satu: ada Rama-Sinta, parodi American Gothic yang memeable itu (kali ini si pria bertongsis, bukan garpu rumput), serta ‘foto keluarga’ dari pasangan dan dua bocah di “Family Portrait of The King”. Di semua karyanya, Anda perlu mengamati--boleh secara jeli atau sambil lalu--dan masuk ke dalam permainan Rona yang mengasyikkan untuk mencari atau menebaknebak jejak pribadi Rona (tentu kini bersama keluarganya) melalui driji-driji yang polos itu beserta ubarampe yang amat dekat dengan keseharian kita: dari cutter, penggaris, dingklik, dolanan anak, hingga "anjing-anjing" imajiner. Sebuah permainan keluar-masuk dari karya (temanya yang timeless dan tarikan eksekusinya yang seakan suka-suka, lucu-lucuan) lantas ke si perupa yang mengabaikan batasan-batasan semacam tenggat dan target dalam berkarya. Lima karya termutakhirnya yang bertajuk tajuk “Self Portrait “—yang secara segar menunjukkan kepekaannya pada alam dan medium seni lantaran memanfaatkan tas kresek putih bekas sebagai kanvas--mungkin bisa menjadi hint atau petunjuk untuk mengenal lebih dekat Rona dan bermain-main dengan karya dan dirinya, dan bermainmain dengan waktu bersamanya. A.Hernawan Guwosari, 22 September 2019 Cv Rona Narendra Tanggal Lahir: 23 November 1976 Pendidikan: Kriya Seni, Fakultas Seni Rupa, Institut Seni Indonesia Yogyakarta. Telepon: +62 811 257 175 e-mail: neopinsilsakti@gmail.com Alamat: Kembaran, RT 08 no 01. Kasihan, Bantul, Yogyakarta Pameran: 2008 - Pameran “Jogja Deathmatch”, Roommate Gallery, Yogyakarta Symposium Internasional Temulawak Ke 2, IPB - Bogor. Aktif sebagai ilustrator, desainer batik dan desainer gras. 2012 - Pameran Bersama "Perupa Kartini", Gedung Kartini, Jepara 2016 - Pameran “Drawing bertema Wayang”, Taman Budaya Yogyakarta 2009 - Pameran Komik, “Pacu Jantung” bersama Mulya Karya, Yogyakarta 2011 - Runner Up Kompetisi Desain Batik bertema Jamu dalam rangka - Pameran “Bohemian Carnival”, Galeri Nasional, Jakarta - Pameran “Yaa-Siin: The Untranslatable”, Jogja Gallery, Jogjakarta. - Pameran Instalasi "Colak-Colek Bikin Rindu", FSR ISI Yogyakarta. Penghargaan - Pameran Seni Rupa "Live in Life", V-Art Gallery Café, Yogyakarta.  Press release ANIMAL AND ME Pameran Tunggal HONO SUN 6 – 21 September 2019 Tempat: Miracle Prints, Suryodiningratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141 Pembukaan: Jumat, 6 September 2019, pukul 16.00 Dibuka oleh: KUSS INDARTO Penulis: Penyelenggara: Miracle Prints & seniman Contact Person: Ria Novitri/081539816190 …………………… ANIMAL AND ME Sejarah peradaban manusia dari dulu sampai saat kini, di semua bidang, entah tradisi, teknologi, budaya, spiritual, medis, pencarian diri dan lain sebagainya tidak bisa dipungkiri bahwa banyak hal yang dipengaruhi oleh kehidupan binatang sebagai inspirasinya. Dalam kisah manusia pertama kali belajar menyelesaikan permasalahan sosial pun dari perilaku binatang, yaitu ketika peristiwa pembunuhan manusia pertama di dunia oleh anak Adam; Habil dan Kabil, dia diajari cara mengubur jasad oleh seekor gagak yg mengubur teman tandingnya yang mati. Dan jg banyak kisah dalam kitab suci atau sastra lama yg ditulis tentang kehidupan binatang yg berhikmah dan berkebijaksanaan, seperti; cerita Candha Pinggala, Musyawarah Burung, Kancil sampai 'Animal Farm'. Binatangpun jg seringkali dijadikan sebagai metafora bagi manusia, dan perbedaan maupun kesamaan antar keduanya nampak ketika mereka kembali ke kodratnya masing-masing. Dalam kesempatan ini karya lukisan yg saya tampilkan mengetengahkan relasi antara manusia dan binatang. Saya jg sering belajar dari binatang, entah tentang naluri survive, ekspresi terhadap alam, bahkan sampai cara membaca situasi. Banyak hal yg bisa dipelajari darinya. Aku adalah subjek yang melepaskan sebagian diriku untuk berbaur bersama binatang-binatang menjadi objek dalam lukisan. Berkreasi dan rekreasi bersama binatang, mengolah bentuk dan rasa bersama di atas kanvas. Dalam proses penciptaan karya saya mencoba untuk membebaskan diri terhadap visual objek, bentuk, warna, bidang maupun narasi, sehingga memungkinkan munculnya nilai-nilai baru. Begitulah sepenggal deskripsi dari karya2 saya, selamat menikmati. Hono Sun gunung sempu, 2019 ……………………… HONO SUN Yogyakarta, 19 Januari 1977 Graduated ISI Yogyakarta 1997-2006 Address: pingit,JT I/277 Rt 16/04,Yogyakarta. Hp: 085643775097 Email: honosun5@gmail.com AWARD 2016 : Gold award Uob painting Of the Year 2016 2008 : Finalis & Penghargaan khusus dewan juri, at the Jakarta Art Award 2008 2008 : Finalis lomba seni lukis “SETELAH 20 MEI”,Jogja gallery, Yogyakarta 2002 : Finalis Indofood Art Award 2002 2001 : Finalis Phillip Morris Indonesia Art Award 2001 2000 : Finalis Phillip Morris Indonesia Art Award 2000 Solo Exhibition 2019 Animal And Me, Miracle Art Space, Yogyakarta Selected Exhibition 2019 Pameran Nusantara KONTRAKSI/PascaTraditionalism, Galeri Nasional, Jakarta. ADU DOMBA #10, Sangkring Art Project, Sangkring Art Space, Yogyakarta. Kecil itu indah, Miracle Art Space, Yogyakarta 2018 HIP NOW COLOR , bentara budaya, Yogyakarta PLAY DRIVE, Art Jakarta, UOB Art, Both A6, Grand Ballroom, the ritz carlton, pasifik place , Jakarta ART WORK ON DISPLAY #1, Lare lentho art studio,Yogyakarta THE MEETING POINT, Rumah Jawa Gallery, Jakarta. YOGYA ANNUAL ART #3 “POSITIONING”, Bale Banjar Sangkring, Yogyakarta 2017 Pameran Seni Delayota art #12 “ , Jogja Nasional Museum, Yogyakarta Pameran berdua bersama Giring Prihatyoso “ Bless Of Universe” Limanjawi art space, Borobudur, Magelang Pameran senirupa paguyuban sidji imogiri “wangsit” Jogja Gallery, Yogyakarta Yogya annual art #2 “bergerak”. Bale Banjar Sangkring art space Yogyakarta ART-TIVITIES NOW, Breeze art space, BSD,Tangerang 2016 Pameran finalis uob painting of the year 2016, Galeri Ciputra, Jakarta. 2012 Painting Exhibition, Taksu Gallery, Bali 2011 BAYANG, Yayasan Seni Rupa Islam Indonesia, Galeri Nasional, Jakarta ARTJOG II, Taman Budaya Yogyakarta, Yogyakarta INTIP, Koong Gallery, Jakarta Art District, Grand Indonesia, Jakarta 2010 IMAGINATION, Vanessa Art Link, Jakarta. 2009 ATTACHMENT, Roommate Curatorial Lab, Yogyakarta, JAKARTA SEBUAH CATATAN HARIAN, Rumah Jawa Gallery Jakarta, JAKARTA ART FESTIVAL, BAZZAR ART, Ballroom 1 The Ritz Carlton, Jakarta 2008 TRANSCEND, CSIS Building, Jakarta. FREESTYLE, AFFANDI MUSEUM, Yogyakarta. Warna – Warna Jakarta, Jakarta Art Awards 2008, Ancol Galery, Jakarta. Missing Trees, painting Exhibition, IGA Gallery, Jakarta. Setelah 20 Mei, Painting Competition, Jogja Gallery. 2007 Pameran “Tanda Mata IV” Koleksi Bentara Budaya Yogyakarta. 2006 Pameran bertiga, “RT.03”, di Bentara Budaya Yogyakarta. 2003 Pameran FKY “Replay” di Gedung Kesenian Societet Yogyakarta. 2002 Pameran Indofood Art Award 2002 di Jakarta. 2001 Pameran Seni Rupa “Tropis” bersama komunitas Durilatu di Benteng Vredeburg, Yogyakarta. Pameran Perupa Muda di Pasuruan. Pameran Finalis Phillip Morris Indonesia Art Award 2001, Galeri Nasional Jakarta. 2000 Pameran Finalis Phillip Morris Indonesia Art Award 2000, Galeri Nasional Jakarta. Pameran Dies Natalis ISI Yogyakarta di Galeri ISI Yogyakarta. 1999 Pameran lukis Kelompok “Lepas'97” di Purna Budaya Yogyakarta. Pameran Lukis FKY XI di Benteng Vredeburg Yogyakarta
 MATA-MATA Pameran Tunggal Meuz Prast 16 – 30 Agustus 2019 Tempat: Miracle Prints, Suryodiningratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141 Pembukaan: Jumat, 16 Agustus 2019, pukul 16.00 Dibuka oleh: Kris Budiman Penulis: Ida Fitri Penyelenggara: Miracle Prints & seniman Contact Person: Ria Novitri/081539816190 Deskripsi: Materi karya: sekitar 10-15, dengan media kanvas dan kertas berbagai ukuran. CV seniman Meuz Prast Alamat : Mejing Kidul RT 03, RW 08, Ambarketawang , Gamping 55294, Sleman, Yogyakarta. Email. : meuzprast@gmail.com Ig : @meuzprast Project Manager di Rumah Seni Sidoarum Yogyakarta 2014 - 2016 Solo Exhibition 2017: Face Project, Limas Art House (Kembang Jati Art House) Yk Group Exhibition 2005 : - Sketch group exhibition "Hitam Putih Jogja 249", Gramedia Yogyakarta. - Lumpang group exhibition "Pemahaman Hidup" Griya Kedaulatan Rakyat Yogyakarta. - Art Project; Paramadina Celebration, Mural competition Breaking the record 1000M. 2006 : group exhibition "Art for Jogja" , Taman Budaya Yogyakarta. 2007 : group exhibition STAN Jakarta. - LUMPANG group exhibition "langkah menggapai imajinasi", Rumah Budaya Tembi. 2013 : -KRIDARO group exhibition "Byuur" Rumah Pelantjong Yogyakarta. - Group Exhibition "Suka Pari Suka" Museum Affandi Yogyakarta. 2014: - Explanation KRIDARO group exhibition, Rumah Seni Sidoarum, Yogyakarta. - Group exhibition "Seratus Persen Indonesia'' , Pondok Tingal Magelang. -group exhibition "Nyaur Utang" Bentara Budaya Yogyakarta. -Pararel evet artjog 14, bersama perupa kulon ringroad, Rumah Seni Sidoarum Yk. -October Paper, Rumah Seni Sidoarum Yk 2015: -"Oase" Pararel event ArtJog art exhibition, Rumah Seni Sidoarum Yogyakarta. - Production manager 'Belajar Bersama Maestro" (BBM) Kementrian Pendidikan dan Kebudayaan Republik Indonesia, Rumah Seni Sidoarum Yogyakarta. - group exhibition "Rambut Putih" Tahunmas Yogyakarta. - Gelar Maestro di Gedung kotak Taman Pintar Yk. - Totem Nandur Srawung team work bersama KRIDARO, Taman Budaya Yk 2016 : - Titi Mangsa group exhibition, Rumah Seni Sidoarum, Yogyakarta -group exhibition Nandur Srawung Taman Budaya Yogyakarta. - FKY #28 Plaza Ngasem Yogyakarta. - "25th Prambanan World Heritage" group exhibition, Museum Prambanan. 2017 : - One Day, Inna Garuda Hootel. - Drawing Purba, New Miracle Prints Yogyakarta. - Drawing Nusantara, Studio Kalahan Yogyakarta. - Sharing Happiness, group exhibition Limas Art House Yogyakarta. - International Artswitch Exhibition, Jogja Gallery 2018: - "Nyongsong, Nyingsing, Nyungsung" group exhibition KRIDARO, Omah Petroek, Pakem, Yk. - "Luar Batas" group exhibition Kembang Jati Art House, Yk. 2019: - " KOSEN" Bentara Budaya Yogyakarta. Mata-mata Meuz Prast Secara kebahasaan, judul pameran “mata-mata” bisa bermakna ganda. Pertama, mata-mata menunjukkan gejala pengulangan kata atau reduplikasi, yang utuh dan tak mengubah makna dari kata aslinya, tetapi menunjukkan jumlah yang jamak. Artinya, judul ini mengantar audiens memperhatikan mata sebagai subject matter dan diperingatkan bahwa akan menemukan mata lebih dari satu. Kedua, “mata-mata” merupakan reduplikasi semu dan idiomatik. Ia memiliki makna baru, yaitu orang yang ditugasi menyelidiki secara diam-diam. Sehingga judul ini memberikan tawaran bebas kepada audiens untuk memilih jalur mana yang akan digunakan untuk membaca karya-karya Meuz. Persis seperti permainan tentukan sendiri petualanganmu. Jika anda memilih yang pertama, yaitu mata-mata sebagai pengulangan kata untuk menunjukkan jamak, maka pembacaan anda cukup di sini. Sebab anda hanya akan melihat mata di setiap lukisan, baik yang berjumlah banyak atau pun tunggal. Tetapi jika anda memilih tafsir yang kedua, maka saya mengundang anda untuk melakukan pembacaan lebih jauh terhadap karya-karya Meuz. Dalam kisah penciptaan yang dicatat dalam Kitab Kejadian 1:1 terdapat tujuh kali dikatakan Tuhan “melihat” dan dihubungkan dengan kata “baik”. Formulanya adalah “Allah melihat … (ciptaan) baik”, yang terdapat di ayat 4, 10, 12, 18, 21, 25, dan 31. Kemudian setelah manusia diciptakan –laki-laki dan perempuan, mereka memakan buah terlarang. Dalam Kitab Kejadian 3:7 disebutkan bahwa, “Maka terbukalah mata mereka berdua dan tahu menyematkan daun pohon ara serta membuat selampit.” Dalam hal ini “terbukalah mata mereka”, dikaitkan bukan saja dengan indera penglihatan tapi juga dengan kesadaran baru dan pengamatan yang jeli terhadap dunia sekitar. Demikianlah, mata dimaknai oleh Meuz dan dituangkan dalam lukisan, seperti yang ia yakini dari Alkitab. Ia mereduksi karya-karya dalam pameran sebelumnya “Face Project”, di mana wajah memberikan konteks bagi mata. Kali ini, subject matter terletak pada mata yang realis di tengah sapuan warna, titik, dan garis yang abstrak. Hal ini menjelaskan bahwa mata merupakan centre of interest atau pokok persoalan yang ingin dikemukakan. Mata yang dibuat realis menimbulkan tatapan yang intimidatif kepada audiens. Efeknya ini bisa bervariasi bagi audiens, tetapi satu di antaranya adalah sensasi seperti dua orang berserobok atau ketahuan saling menatap. Mungkin tidak nyaman, karena kita merasa seperti ditatap balik. Namun bagi masyarakat urban, disadari atau tidak, hal ini merupakan fenomena keseharian hidup di dua dunia, yang nyata dan yang maya. Dalam kehidupan nyata, orang Jawa mengenal wang sinawang atau memandang orang lain secara sekilas atau sebatas permukaan. Di media sosial yang maya, kita melakukan stalking atau memata-matai orang lain, dan sebaliknya kita pun sesungguhnya sedang diamati oleh orang lain. Sistem pengamatan atau pengawasan tak setara atau sepihak yang dikenalkan oleh Foucault sebagai panopticon kini berwujud CCTV yang tersebar di mana-mana tanpa kelihatan keberadaannya merekam semua aktivitas manusia dalam jangkauan radius tertentu. Sejak hidup di dua dunia, nyata dan maya di era industri 4.0, manusia memiliki tabiat baru dalam kehidupan sosialnya. Satu di antaranya adalah aktivitas meratap di media sosial. Meuz menganalogikannya dengan ritual yang dilakukan oleh masyarakat Yahudi, yaitu berdoa dan menyampaikan penyesalan atas dosa-dosa di Tembok Ratapan. Dulu, sisa dinding Bait Suci yang dibangun oleh Raja Herodes dan hancur ketika orang-orang Yahudi memberontak pada kerajaan Romawi pada abad 70 Masehi ini dikenal sebagai Tembok Barat. Mereka percaya bahwa tembok ini tidak musnah karena di situlah hadir Sang Ilahi. Sehingga berdoa di situ sama artinya berdoa pada Tuhan. Demikian pula dengan manusia modern sekarang. Bedanya, mereka meratap di dinding Facebook, Twitter, Instagram dan platform media sosial lainnya. Dalam lukisan “Tembok Ratapan”, Meuz menuliskan dengan pulpen dan spidol penggalan-penggalan di Kidung Pengadhuh yang merupakan terjemahan Alkitab berbahasa Jawa. Tulisan tangan ini menindih kolase kertas-kertas tagihan dan nota-nota pembayaran di beberapa sisinya. Selain itu, di sisi bidang kanvas atau kertas yang lain, terdapat ikon-ikon dalam Alkitab, seperti hati, apel dan otak yang merupakan simbol pikiran. Dalam versi populer ketika Kristen berkembang di Eropa, apel adalah buah mitologis yang mempunyai elemen kenyataan sekaligus gambaran simbolik dengan berlapis-lapis makna. Ia menerangkan suatu kenyataan tatapi ditafsirkan dengan cara tertentu atau membawa pesan tertentu. Tempatnya di ruang keyakinan, tentang buah pengetahuan baik dan jahat, atau buah pengetahuan atas segala sesuatu. Dalam kisah kejadian buah ini dilarang untuk dimakan. Secara tradisional, hal ini merupakan tafsir agar supaya manusia mengetahui batas. Sedangkan tafsir progresifnya mengatakan bahwa manusia hendaknya tidak seperti Tuhan. Membicarakan teknik, Meuz membelah dirinya menjadi pelukis abstrak sekaligus realis di waktu yang bersamaan. Ia mengartikulasikan mata dan mata-mata dengan gaya realis yang mendekati atau mirip dengan aslinya. Tetapi Ia juga memberikan latar tanwujud yang tidak menggambarkan subjek seperti aslinya. Warna dan bentuk dibuatnya non-representasional namun ekspresif bagi jiwa dan energinya. Seperti dikatakan oleh banyak orang, bahwa lukisan abstrak adalah lukisan yang tidak hendak merepresentasikan sesuatu. Namun, sesungguhnya tidak sepenuh-penuhnya demikian. Ketika melukis abstrak, Meuz merepresentasikan dirinya, memanifestasikan kontur emosinya sebagai manusia yang dinamis. Maka seabstrak apa pun sebuah lukisan, masih dapat diketahui siapa pelukisnya. Jejak-jejak yang masih bisa dikenali ini merupakan ciri yang merepresentasikan perupanya, yaitu yang membedakan Meuz dengan seniman-seniman lain. Ida Fitri Penulis, penyunting, penerjemah bebas. Bekerja di ICRS (Indonesian Consortium for Religious Studies). Tulisan ini berhutang pengetahuan kepada Dr. Leonard C. Epafras (UKDW/ICRS) 
 “STILL LIFE WITH APPLES” Solo Exhibition Syahrizal Pahlevi 23 Juli – 30 Agustus 2019 Tempat : NALARROEPA RUANG SENI, Karangjati Rt. 05, Rw. XI, Tamantirto Kasihan-Bantul, Yogyakarta 55183 Seniman : Syahrizal Pahlevi Materi pameran: Sekitar 30 karya cetak cukil kayu, cat air dan cat minyak di atas kertas, kain dan kanvas buatan tahun 2019 Pembukaan : Selasa, 23 Juli 2019, pukul 16.00 – selesai Dibuka oleh :Maya Sujatmiko Penulis : A. Sudjud Dartanto Penyelenggara : Miracle Prints dan Nalarroepa CP : Ria Novitri/081529816190, Dedy Sufriadi/08112546376 Mengejar Cahaya : Cezanne, Pahlevi, dan Impresi Sains Di tengah fenomena pameran seni rupa belakangan yang ‘banyak mengusahakan kebaruan ide, bentuk dan teknik’, pameran tunggal Pahlevi kali berbeda. Pahlevi melakukan apa yang sering dikatakan pengamat seni sebagai sebuah praktik ‘apropriasi’, yakni sebuah metode meminjam ide, bentuk, dan teknik dari karya yang tergolong ‘masterpiece’, atau yang menjadi ikon dalam sejarah, dalam hal ini sejarah seni. Pahlevi mengamati Paul Cezanne (1839-1906), satu ikon aliran posimpresionisme dari Barat. Konteks mengamati ini penting. Pahlevi tidak sedang/sekadar melakukan praktik membuat karya ala seniman Eropa, namun bisa diletakkan posisinya dari ‘perspektif oksidentalis’, yaitu bagaimana Pahlevi sebagai ‘orang dari Timur’ yang melihat hasil dari ‘kebudayaan Barat’ (pengetahuan posimpresionsime Paul Cezanne). Dalam kajian poskolonial, persoalan perspektif tandingan ini banyak dibahas. Jika dulu, orientalisme dipakai oleh Barat dalam memproduksi pengetahuan atas timur, maka sebagai perspektif berbalik, oksidentalisme menjadi strategi untuk membaca Barat, yang pada awalnya untuk meneliti, membongkar dan memperlihat asumsi dasar ‘pengetahuan Barat’ yang keliru dalam memandang ‘kebudayaan Timur’. Percakapan mengenai itu kami lakukan di studio Pahlevi pada suatu hari dengan cahaya pagi yang hangat. Dengan semangat Pahlevi memperlihatkan karya dari beragam teknik, dari teknik cukil kayu, mokuhanga, cat air dan cat minyak dalam mengapropriasi karya-karya Paul Cezanne, terutama Ia memberi perhatian pada seri karya ‘Still Life with Apples’ Cezanne yang termahsyur itu, kemudian Ia petik sebagai tema pameran tunggalnya ini. Kalangan seni rupa tentu sangat mengenali sosok Cezanne, ia bahkan menjadi satu menu wajib dalam pelajaran sejarah seni rupa Barat, baik di sekolah, maupun di perguruan tinggi seni. Sebagaimana Levi, demikian ia dipanggil, siapapun akan tergoda untuk ingin tahu, mengapa karya itu dianggap hebat, penting oleh sejarawan dan museum seni, khususnya di Barat? Kita tahu, kebudayaan pengetahuan di Barat sangat menaruh perhatian pada berbagai temuan, termasuk dalam hal ini adalah temuan aliran seni, bahwa impresionisme ditangan Cezanne terus dipakai, terutama dalam pokok pengamatan pantulan cahaya atas benda dan ruang, walaupun Cezanne dianggap sebagai posimpresionis, Ia tetap tergila-gila pada praksis pengamatan atas pantulan cahaya terhadap objek dengan berbagai eksperimen mengubah tata aturan komposisi(set of rules). Temuan Cezanne berharga dan penting, karyanya bukan sekadar persoalan artistik (yang banyak dituduh demikian oleh orang), namun dibalik itu mengandung pengetahuan ‘binocular vision’, yaitu pengetahuan yang datang dari penglihatan tiga dimensi, meskipun bayangan yang jatuh pada kedua retina adalah bayangan dua dimensi. Inilah pokoknya. Dari eksplorasi itu Cezanne menjadi bagian dari deretan modernis Barat yang dianggap berhasil menunjukkan kerja ‘sains’ atas seni. Mengapa sains penting? Kita perlu membaca dari arah perspektif lebar, bahwa pada semangat jaman(zeigeist), kurang lebih pada abad 17, semangat renaisans (pencerahan) masih tergetar kuat, dan renaisans dalam seni adalah reaksi dari para seniman untuk mencari pengetahuan baru, ditengah dirinya dalam berelasi dengan alam dan semesta. Dasar dari pencarian itu adalah empirisisime, termasuk dalam hal ini, baik impresionisme dan posimpresionisme juga berangkat dari semacam kerja empiris, yakni membuktikan nilai cahaya atas konstruksi ruang/benda. Dari uraian itu dapat kita pahami, pada gilirannya, museum-museum seni di Barat, pada awalnya, terkait dengan fungsi pemanggungan pengetahuan-pengetahuan seni yang lahir dari para ‘avant-gardis’/‘seniman jenius’, yang dianggap memiliki ciri tiga ‘O’ besar: Otentik, Otonom, Orisinal, dan Cezanne, salah satu diantaranya, yang pada awalnya sulit menembusnya. Seni rupa modern adalah seni rupa dengan watak ‘sains’ yang kuat. Di Indonesia, adalah mazhab Bandung dengan ITB sebagai pusat akademianya, yang pada awal kelahirannya menggusung formalisme, disana sama, seni adalah sebuah sebuah praktik saintifik, dan ini berbeda dengan mazhab Yogyakarta, dengan ASRI sebagai pusat akademianya, disini adalah realisme, dimana seni adalah alat perjuangan revolusi. Dari konteks ini, kita bisa dengan gamblang membicarakan pameran Pahlevi dengan Cezanne, sebagai ilmuwan seni, tentu konteks ilmuwan ini berbeda dengan Leonardo Da Vinci yang paripurna dalam segala keilmuannya, Cezanne bukan Da Vinci, namun ia tetap menyisakan jejak saintifik dalam karya-karyanya. Bagi saya, tema “Still Life with Apples” ini bermakna simbolis, ia menyatakan sebuah wacana saintifik atas pengamatan hal yang sehari-hari yaitu objek yang bisa berupa buah, atau benda-benda di atas meja. Potret objek diam ini terkenal dalam ajaran seni rupa, setiap pelajar seni diharap bisa menguasai bentuk, arah cahaya, dan sebagai sebuah laku impresionistik perlu melihat dampak cahaya atas benda, dan lebih dari itu, bagaimana volume objek itu akan tampil ketika tata aturan komposisinya diubah-ubah. Perkara “still life” ini menarik, dalam tradisi seni rupa modern di Barat, gambar “still life” dianggap sebagai bagian dari representasi seni lukis modern, diatasnya ada seni lukis lanskap, diatasnya lagi ada seni lukis tokoh/figur yang memiliki kekuasaan, entah raja, pangeran, hartawan, dan semacamnya, diatas atau sejajar dengannya adalah pengambaran injil, atau hal yang berkenaan dengan religi. Hirarki itu tanpa sadar terbangun dan menjadi refleksi atas struktur kesadaran modernisme seni di Barat. Saya kira, dititik ini Pahlevi beririsan, dan sekaligus berbeda. Sepengenalan saya dengan Pahlevi, ia seperti seorang ilmuwan yang tertarik pada perkara keteknikan. Latar edukasi Levi dari studio seni lukis, namun Ia justru meminati seni grafis, dan kita tahu didalam seni grafis ada beragam teknik yang rumit untuk dipelajari. Justru kerumitan itu menjadi sebuah seni tersendiri, dengan segala efek cetaknya, dari manual hingga digital. Didalam studio ini, Levi seperti sebuah ilmuwan, Ia dikenal tekun dalam memperhatikan detil produksi, dan pada pamerannya ini, Levi mencari titik nikmat pada setiap percobaan teknik yang Ia lakukan. Kita perlu melihat semua teknik yang Ia tempuh dan mari nikmati bagaimana Cezanne disitu, sebagai tokoh, sebagai metode posimpresionis, dan dalam ruang hilir mudik pandangan dari peradaban ‘Timur’ ke ‘Barat’ dan sebaliknya. Apakah ini akan sama dengan para orientalis yang mengejar cahaya sempurna hingga ke Hindia-Belanda? Yogyakarta, 22 Juli 2019 Sudjud Dartanto .................................... Statemen seniman: STILL LIFE WITH APPLES (dan aspek-aspeknya) Ini adalah seri kedua dari proyek ‘rekonstruksi old master’ setelah seri pertama rekonstruksi berupa pengerjaan 20 karya grafis teknik woodcut reduksi dalam berbagai ukuran yang dibuat tahun 2017 – 2019. Seri pertama rekonstruksi ini sebagian telah dipamerkan di MDTL Yogyakarta Januari 2018 yang lalu dengan judul “Dari Guanlan ke Arles” (Trilogi Reduksi I) dan sebagian sisanya dipamerkan di Kebun Buku Yogyakarta setahun kemudian pada Januari 2019 dengan judul “Bedroom in Arles” (Trilogi Reduksi II). Karya-karya seri pertama rekonstruksi berangkat dari impresi visual atas sebuah karya old master seniman Vincent Van Gogh berjudul “Bedroom in Arles” yang menggambarkan interior kamar tidurnya semasa tinggal di kota Arles, Perancis tahun 1888-1889. Dalam seri kedua rekonstruksi ini saya menggeser perhatian pada karya-karya seniman old master lainnya yaitu Paul Cezanne yang mendapat gelar sebagai Bapak Seni Rupa Modern. Dari sekian banyak objek dan periode kekaryaan Paul Cezanne, saya tertarik kepada periode still lifenya yang berobjekkan buah apel dalam berbagai komposisi dan keadaan. Judul “Still Life With Apples” adalah salah satu judul karya-karya periode still life Paul Cezanne yang saya gunakan sebagai judul pameran ini dan juga menjadi judul beberapa karya yang saya buat. Jika pada seri rekonstruksi pertama saya fokus hanya membuat karya grafis dengan teknik woodcut reduksi, dalam seri rekonstruksi kedua ini saya mencoba meluaskannya dengan merambah teknik dan media lain. Selain dengan teknik woodcut reduksi cetak di atas kertas, saya juga membuat karya woodcut satu pelat yang dicetak di atas kertas dan di atas kain polos ditambah teknik mokuhanga yang merupakan seni cukil kayu tradisional Jepang berbasis air cetak di atas kertas. Lalu ada lukisan cat air di atas kertas dan lukisan berbahan cat minyak di atas cardboard, kertas dan kanvas. Perluasan media ini selain untuk memaksimalkan berbagai potensi yang cukup lama saya tinggalkan karena tengah memfokuskan pada karya seni grafis, terutama didorong kesadaran karena ada ekspresi yang tidak dapat dicapai hanya dengan satu teknik atau satu media saja. Proyek ‘rekonstruksi old master’ ini sebenarnya berangkat dari ide sederhana menggali memori masa lalu, yaitu memori atas pekerjaan sambilan saya semasa menjadi mahasiswa seni rupa di FSRD ISI Yogyakarta hampir 30 tahun lalu. Pada tahun 1990-1992 bersama beberapa teman mahasiswa seni rupa lainnya saya terlibat dalam industri reproduksi lukisan old master Eropa di sebuah galeri kecil di pusat kota Yogyakarta. Kami membuat lukisan-lukisan repro berdasar gambar di poscard dari karya-karya seniman seperti Van Gogh, Cezanne, Renoir, Gauguin, Degas dan lain-lain dalam berbagai ukuran kanvas dengan tingkat kepersisan 70-80 %. Dorongan tersebut mendapatkan momentumnya sekembali saya dari menjalani residensi di China pertengahan tahun 2017 lalu dimana saya sempat mengunjungi sebuah pusat pembuatan reproduksi lukisan karya old master terbesar di dunia bernama Dafen Artist Village yang terletak di Shenzhen, China. Ide kemudian berkembang dengan menjadikan karya-karya old master Eropa yang pernah direpro dahulu menjadi titik berangkat untuk membuat karya-karya personal yang bebas. Saya menyebutnya sebagai ‘rekonsruksi’ karena ide yang berangkat dari visual karya maupun aspek-aspek pendukungnya berupa pengetahuan mengenai objek kemudian ditelusuri, dianalisa, digubah, dirusak dan disusun kembali menjadi bentuk-bentuk baru yang dinamis. Hasilnya sering kali menjadi tidak terduga karena proses berkarya yang dimulai dengan perencanaan seperti halnya mendisain bertemu dengan keliaran intuisi atau gerak hati dan perasaan pada saat bekerja. Pikiran bisa berkait kemana-mana; ke persoalan dalam diri dan persoalan-persoalan diluarnya. Komposisi, bentuk dan warna yang muncul kemudian adalah refleksi atas semua hal yang terasakan saat itu. Syahrizal Pahlevi Baca juga liputan Gatra.com https://www.gatra.com/detail/news/432710 |
AuthorWrite something about yourself. No need to be fancy, just an overview. Archives
July 2020
Categories |
||||||
RSS Feed
