PRESS RELEASE
KADO (Partron)
Pameran Seni Rupa
Tempat                : Miracle Prints, Suryodiningratan MJ II/853, Mntrijeron, Yogyakarta 55141
Waktu                  : 23 Maret – 23April 2019
Pembukaan       : Sabtu, 23 Maret 2019, pukul 19.00
CP (WA)              : Ria Novitri/087739315969
Deskripsi            : Pameran ini berusaha mempertemukan potongan-potongan ingatan antara seniman dan patronnya. Kontribusi apa saja yang telah diterima dan diberikan, dialog apa saja yang telah terjadi. Pameran  diinisiasi oleh beberapa seniman dan sahabat yang merasa memiliki kedekatan personal dengan seorang patron seni rupa Lie Chi Sing atau akrab dipanggil Sing-Sing, lebih dari sekedar hubungan seniman dan patronnya. Beberapa seniman dan sahabat tersebut ingin memberi ucapan terima kasih atas peran dan kontribusi Sing-Sing dalam karir kesenian dan pekerjaan mereka. Rasa terima kasih akan diwujudkan dalam sebuah pameran sekaligus sebagai “kado” untuk peringatan Ulang Tahunnya ke 58 pada tanggal 27 Maret 2019 yang akan datang.
…………………
Kuratorial
‘KADO (Partron)’
Posisi patron dalam dunia seni rupa merupakan posisi penting. Tanpa peran patron dunia seni rupa tidak akan berjalan sebagaimana saat ini. Produksi dan distribusi karya akan terganggu dan karir seorang seniman bisa tersendat.

Menurut Dr. Agus Priyatno, M.Sn, patron adalah orang yang mem­beri dukungan dana kepada se­seorang. Di bidang se­ni, dana di­berikan kepada se­niman untuk mem­beri duku­ngan finansial. Tu­juannya  agar kehidupan para se­ni­man se­jahtera, sehingga mereka da­pat berkreasi seni secara ber­ke­lan­jutan (“Patron Lukisan”, Dr. Agus Priyatno, M.Sn, Harian Analisa Medan 2016).

Sosok patron bisa berupa perorangan atau lembaga, baik lembaga pemerintah maupun swasta. Mereka bisa datang dari kalangan pengusaha,  karyawan, atau lembaga bank, kantor, departemen tertentu di pemerintahan Biasanya perorangan atau lembaga tersebut membeli karya seniman baik secara langsung, melalui art dealer, galeri atau balai lelang. Namun dukungan patron sebenarnya tidak hanya berupa finansial dengan membeli karya saja. Kesempatan berpameran, sponsor kegiatan, beasiswa, dana hibah, hadiah kompetisi dapat dimasukkan kedalam wilayah yang menjadi domain patron.

Sebagaimana halnya yang dilakukan kolektor, galeri termasuk art dealer, melalui  tangan dingin para para patron inilah bibt-bibit baru seniman banyak bertumbuh, dan nama-nama besar seniman semakin berkibar. Mereka membeli, memamerkan dan memperjual belikan karya-karya seniman. Dengan adanya peran tersebut seniman dapat hidup sebagai profesional dari hasil karya dan kerja mereka sendiri. Publik dan perspun terbantukan oleh peran para patron seni. Pameran-pameran karya seniman dapat ditonton rutin. Koleksi-koleksi para kolektorpun dapat diakses melalui museum pribadi mereka yang belakangan ini mulai dibuka untuk disaksikan umum.

Tentu ada patron yang baik dan ada patron yang kurang baik, sebagaimana dalam setiap sisi kehidupan masyarakat. Patron yang baik tidak hanya memikirkan keuntungannya pribadi, mereka paham apa yang dibutuhkan seniman dan memberi rasa nyaman  melalui  hubungan saling menguntungkan. Sementara patron yang kurang baik tidak paham dengan kebutuhan seniman dan hanya mementingkan keuntungannya sendiri. Seniman yang bekerjasama dengan patron begini kehilangan rasa nyaman dan akan merasa tengah dieksploitasi. Patron yang baik akan dikenang dan dicintai para seniman yang terkait dengannya, baik mereka yang terkait di masa lalu ketika mereka baru memulai karir kesenimannya ataupun terkait dalam jangka waktu yang panjang sejak seniman tersebut baru tumbuh hingga menjadi besar. Patron yang kurang baik akan berusaha dilupakan sekalipun pernah berjasa menumbuh-besarkan seorang seniman.

Sebegitu berpengaruhnya peran patron ini dapat dilihat pada masa bertumbuhnya abstrak ekspresionisme dan pop art di Amerika, Leo Castely (1904 – 1999) dengan Leo Castely Gallerynya adalah patron penting bagi perkembangan aliran tersebut.  Hampir semua  nama-nama terkenal dan penting kedua aliran tersebut berada dalam jangkauan Leo Castely seperti: Willem de Kooning, Robert Rauschenberg, Franz Kline, Frank Stella, Larry Poons, Lee Bontecou, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Morris, Donald Judd, Dan Flavin, Cy Twombly, Ronald Davis, Ed Ruscha, Salvatore Scarpitta, Richard Serra, Bruce Nauman, Lawrence Weiner and Joseph Kosuth. Melalui perannya dunia dapat menyaksikan proses berkembangnya dua aliran seni rupa yang fenomenal ini. Untuk menyebut sebagai contoh, di dalam negeri, tokoh-tokoh semacam Raka Sumichan, dan Ciputra adalah patron-patron yang turut membesarkan karir seorang Affandi dan Hendra Gunawan. Sementara Ir. Soekarno adalah patron penting buat beberapa seniman pada waktu itu dikarenakan kegemaran presiden pertama RI tersebut membeli lukisan dari para pelukis kesayangannya.

Adalah Lie Chie Sing atau biasa dipanggil Sing-Sing, pria paruh baya yang hangat dan humoris yang tidak suka mempublikasikan dirinya. Ia lebih senang berada di belakang layar di balik berbagai peristiwa pameran dan distribusi karya para seniman  yang didukung dan diorganisirnya. lewat bendera KOONG Gallery sejak tahun 90an hingga saat ini. Pola kemitraan yang dibangunnya dengan seniman begitu cair yang terkadang mengaburkan batas antara seniman dengan seorang pemilik galeri, merangkap art dealer dan kolektor sekaligus. Beberapa tahun terakhir, dikarenakan sesuatu hal aktivitasnya dalam mensupport seniman melalui kegiatan pameran dan distribusi karya cukup berkurang. Namun bukan berarti ia berhenti sama sekali dan terputus hubungan dengan seniman dan dunia seni rupa.

Pameran berjudul “KADO (Partron)” ini berusaha mempertemukan potongan-potongan ingatan antara seniman dan patronnya. Kontribusi apa saja yang telah diterima dan diberikan, dialog apa saja yang telah terjadi. Pameran ini diinisiasi oleh beberapa seniman dan sahabat yang merasa memiliki kedekatan personal dengan Sing-Sing, lebih dari sekedar hubungan seniman dan patronnya. Beberapa seniman dan sahabat tersebut ingin memberi ucapan terima kasih atas peran dan kontribusi Sing-Sing dalam karir kesenian dan pekerjaan mereka. Rasa terima kasih akan diwujudkan dalam sebuah pameran sekaligus sebagai “kado” untuk peringatan Ulang Tahunnya ke 58 pada tanggal 27 Maret 2019 yang akan datang.


Syahrizal Pahlevi
 
Peserta pameran:

• Wahyu Gunawan
• Joko ‘Gundul’ Sulistiono
• Edo Pillu
• Yani Halim
• Rudi ST. Darma
• Dwi Satya ‘Acong’
• Syahrizal Pahlevi
• Lugas Syllabus
• Ronald Apriyan
• Erzane NE
• Edi Maesar
• Indra Dodi
• Handra ‘Ahong’
• Setyo
• Erizal
• Tina Wahyuningsih
• Kasih Hartono
• Farhan Siki
• Sugiri Willim
• Franziska Fennert

 
Testimoni:
Sing-sing panggilan akrab dari Lie Chi Sing, merupakan bagian yang tak terpisahkan dari senirupa Indonesia. Kiprahnya dengan dilandasi kecintaan terhadap seni dan keberpihakan pada perupa muda menjadi rujukan penting dalam medan seni, terutama dengan galeri Koong-nya, yang walau saat ini mati suri, banyak memunculkan karya, seniman, event yang memperkaya kancah senirupa kontemporer Indonesia ditingkat nasional.
Sing-sing menjadi sebangsa system yang mengakomodir banyak seniman muda untuk manggung dan tumbuh sekaligus menawarkan nilai yang mempunyai relevansi antara wacana dan realitas pasar.
Rudi ST. Darma
………………………

Teman dan mentor yang 'gila' banyak membantu dan mengajari tentang art...dan sering ditransfer duit :
 
Terima kasih atas supportnya selama ini.. Selamat ulang tahun untuk Sing2..semoga senantiasa sehat dan bahagia selalu.
Handra ‘Ahong’
…………………………….

Pak Sing-Sing itu orangnya care dan luwes bicaranya, dia support sama seniman karna kecintaannya pada kemajuan seni Indonesia. Pak Sing-sing itu “biru”.
Ronald Apriyan
…………………….

Sekelumit tentang LCS Sing Sing yang ku kangeni selalu.
_____________

Dekade 2000an awal , menjumpai Lie Chi Sing (LCS), seorang pecinta elemen interior, khususnya lukisan.

LCS dengan segenap pengetahuannya tentang lukisan yang harmony dengan ruang. Kadang menekankan soal warna sebagai hal utama dan komposisi.

LCS sangat faham persoalan jiwa hasrat mengkoleksi karya seni rupa, apa yg diinginkan atau apa yang tidak diinginkan, karena pengalaman panjang menjadi kolektor benda seni dan dinamika arus perpindahan benda seni, transaksi dari tangan ke tangan.

Ada hal luar biasa yang LCS lakukan, LCS seperti petani yang tekun, membesarkan tanaman, memupuki, menyirami, menjadikan tanaman yang awalnya tak berdaya, menjadi berdaya dan berbuah. LCS merawat membesarkan pekerja seni hingga berbuah lebat  dan kadang tanpa turut mengunyah rasa manis buah itu sendiri. Ada pemandangan yang sangat manusiawi, penuh kebapakan, seorang yang diam-diam sangat religius, bahkan membunuh nyamukpun LCS enggan.  Kedekatan dengan seniman bukan relasi yg biasa, ini seringkali nampak sebagai praktik spiritual menyantuni yang total, hal yang sangat saya hormati dengan mendalam, ada sisi TAOisme yang kuat.

Style LCS yang santai dan penuh gelak tawa, namun tajam memberikan masukan berbagai hal tentang seni lukis dari point of view seorang pengkoleksi karya, seringkali membukakan cakrawala pemikiran yang lain.
Seringkali jiwa urakan seniman diberikan cara pandang menata presentasi sebuah pameran yang layak saji, atau coaching yang terkesan santai namun penting.

KOONG gallery dan Lie Chi Sing, plus dan minusnya adalah sebuah kebanggaan senirupa Indonesia.
 
Edo Pillu
 
.......................
Sing Sing orang baik.
Joko 'Gundul' Sulistiono
......................

Teruntuk Pak Sing-Sing yang menyukai warna biru..
Karyaku yang pertama kali terkoleksi olehmu menjadi modalku untuk terus maju..
Omelanmu di masa dulu turut membangun mentalku...
Masa itu kadang akupun merindu...
Salam hormat dan terima kasihku untukmu...
Semoga sehat dan sukses selalu

Lugas Syllabus 2019

 

Press release
UNFINISHED COMEDY                       
Pameran Tunggal lukisan
WAHYU GUNAWAN
22 Februari – 15 Maret 2019
Tempat                                : Miracle Prints, Suryodiningratan MJ II/853, Mantrijeron,
                  Yogyakarta 55141
Materi                                  : 14 lukisan cat minyak di atas kanvas tahun 2017 - 2019
Pembukaan                       : Jumat, 22 Februari 2019, pukul 16.00 (4 sore)
Dibuka oleh                       : dr. Oei Hong Djien
Jam buka pameran         : Setiap hari pukul 11:00 – 17:00. Minggu tutup.
Penyelenggara : Kerjasama antara Miracle Prints dengan seniman
Kontak                 : Ria Novitri/ 087739315969
 
UNFINISHED COMEDY, lelucon tak habis-habisnya
Unsur komedi atau cerita lucu tak habis-habisnya digarap Wahyu Gunawan dalam lukisan-lukisannya. Dalam banyak hal komedi menjadi kekuatan utama dari karyanya disamping kekuatan warna dan spontanitas bentuk. Komedi adalah ungkapan perasaan intimnya terhadap situasi kehidupan sehari-harinya yang coba disikapinya dengan ringan. Dari pengamatannya terhadap kehidupan sehari-harinya sendiri ia mendulang ide-ide kreatif yang tak habis-habisnya buat lukisannya.
Di awal karir profesionalnya sebagai pelukis unsur komedi telah terlihat kuat. Hanya saja pernah ia mencoba beberapa ungkapan lain dengan bermain simbol dan bentuk lebih realis sebagai proses pencarian dirinya namun itu tidak bertahan lama. Dorongan untuk menyampaikan komedi baik secara alur cerita maupun deformasi bentuknya tidak dapat ia sembunyikan. Unsur komedi lewat judul dan goresan-goresan spontannya mengalir ringan seringan ia melemparkan gurauan, lelucon,  humor, banyolan dalam pembicaraan sehari-hari baik kepada sesama teman pelukis dan mungkin juga orang lain termasuk anggota keluarga.
Kanvas-kanvas Wahyu Gunawan adalah komedi yang belum selesai, belum akan selesai atau mungkin tidak akan pernah selesai. Melalui sudut pandang personal yang membuat karyanya berkarakter kuat dengan leluasa ia menggambarkan momen-momen menggelitik, lucu (atau dianggapnya lucu) dari pengalaman pribadinya. Melaluinya Wahyu baik dengan sengaja maupun tidak sengaja menyelipkan pesan-pesan yang ingin dibaginya kepada para penonton.
Komedi sebenarnya dibuat untuk lebih mengenal diri manusia sendiri dibalik unsur menghibur yang ditimbulkannya. Dalam lukisan Wahyu pesan cukup tersamar karena komposisi bentuk, spontanitas garis dan warna lebih diutamakan. Namun tetap saja pesan tersebut dapat kita ikuti lewat bentuk dan judulnya seperti sebuah lukisan ala adegan drama Korea ini. Seorang lelaki yang bermaksud memberi hadiah bunga namun dicuekin oleh sang wanita karena ia sebenarnya berharap diberi hadiah yang lebih besar dari pada sekedar bunga (I Want Diamond not Flowers, 2019). Sementara beberapa adegan lucu (atau dianggapnya lucu) yang ditampilkannya dengan ringan justru  terasa mengenaskan. Seperti lukisan  kisah lelaki peminum dan anjingnya. Dalam kanvas Wahyu justru sang anjing yang seharusnya bertugas menjaga tuannya terlihat mabuk berat karena ikut-ikutan minum sampai terlentang dengan kepala menghadap ke atas. Sementara tuannya terlihat masih sehat dan tenang-tenang saja ditemani seorang wanita tanpa identitas. Mungkin sebagian menganggap adegan tersebut  sebagai kelucuan, tapi sebagian lagi mungkin akan berimajinasi memikirkan nasib sang anjing yang harus mengalami hal yang tidak seharusnya buat seekor binatang. Binatang yang seharusnya dikasihi justru dibiarkan menderita karena ikut-ikutan minum dan  mabuk (Drunk, 2019).  Atau lukisan yang menggambarkan ekspresi dokter gigi yang terlihat dingin tanpa ekspresi sementara sang pasien tampak begitu ketakutan dengan wajah menghijau. Barangkali ia tengah membayangkan hal buruk apa yang hendak dikerjakan oleh sang dokter  dengan giginya yang bermasalah: dicabut ataukah cukup ditambal saja?.....Buat sebagian orang berurusan dengan dokter gigi memang bukan perkara ringan karena  itu adalah persoalan hidup mati buat mereka karena sering membayangkan yang tidak-tidak (Fear, 2019). Komedi  yang disampaikannya buat saya cukup membuat sakit kepala karena ternyata ada secuil tragedi disana walau tidak sampai sesadis lakon drama ‘tragik-komedi’ yang biasanya tokoh utamanya berakhir  meninggal karena dibunuh atau bunuh diri misalnya.
Komedi selalu dekat dengan tragedi dan selalu ada pesan dari kedua hal tersebut. Seringkali tidak disadari dibalik unsur menghiburnya sebenarnya komedi bertujuan mengajak manusia untuk lebih waspada terhadap dunia dengan segala persoalan dan keanehannya termasuk mempelajari manusia dari hal terburuknya. Sementara tragedi bertujuan mengajarkan manusia untuk peka dalam merasa, berpikir dan merespons penderitaan.
Begitulah komedi tak habis-habisnya dibuat dan ditampilkan sejak zaman Yunani kuno dalam berbagai bentuknya  untuk kebutuhan manusia itu sendiri. Pelajarannya agar mereka menjadi lebih baik lagi.
Syahrizal Pahlevi
*********************
Wahyu Gunawan 
Year to Enter ISI Yogyakarta 1994-2004 Born in Yogyakarta,
May 02, 1975
Nitiprayan Rt 03 Rw 20 no 89  Ngestiharjo ,kasihan ,Bantul
email: eskuteh@yahoo.co.id
 
EXHIBITION ACTIVITIES
 
2017        Exhibition of love enigma in duta fine art jakarta                  Exhibition in Nadin gallery malaysia 
              
2013            Exhibition of “homoluden” with Emmitan gallery at Bali ,Indonesia                 -   Exhibition of “ArtJog” in Taman Budaya.Yogyakarta 
2012         -   Exhibition of “Uijeongbu Art Center” in LVS Gallery,Seoul,Korea-  Exhibition of “Busan International art Fair” in Seoul,Korea-  Exhibition of “Rame-rame” in Koong gallery,Jakarta Art Distric-  Exhibition of “From Jogja With Love” in Taksu Gallery,Bali                      
2011         -  Exhibition of" Biennale Jatim"in Gallery Go Art Space,Surabaya              -  Exhibition of "ASYAAF"in LVS Gallery,Seoul.Korea              -  Exhibition of "Art JOG"in Jogjakarta              -  Exhibition of "UOB" in Jakarta             -   Exhibition of "intip"  in JAD  Jakarta
2010                   -     Exhibition of “Art Triangle” Matahati in Kuala Lumpur 
              -  Exhibition of "Art Expo Malaysia" in Matrade Kuala Lumpur
             -   Exhibiton  of Bersama-sama in JAD ,Jakarta
                            -     Exhibition of"BERSAMA-SAMA DI KOONG Gallery.Jakarta
                     -    Exhibition of"PERCAKAPAN MASA"in Gallery Nasional.Jakarta
                     -    Exhibition of"Jaf10 Jog"in Taman Budaya .Yogyakarta
              -  Exhibition of "JAA"  in Jakarta
 
2009              -    Exhibition "hyperlink" tujuh bintang.Yogyakarta     
                     -    Exhibition  "CIGE"  in Beijing ,China    
                     -    Exhibition" fabulous "in koong Gallery ,Jakarta
                     -    Exhibition  “Taiwan Art Fair” in Taiwan
                     -    Exhibition of “SURVEY” in Edwin Gallery, Jakarta
                     -    Joint Exhibition of Koong Gallery in Jakarta
 
AWARDS
Highly -Commended Award The UOB 2011
Finalist JAKARTA ART AWARD 2010
5 BESAR NOKIA INDONESIA ART AWARDS 2000
 
 

Pameran Keliling 3rd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2018
Tempat                        : Balai Soedjatmoko Solo
Waktu                         : 7 – 14 Februari 2019
Materi pameran           : 117 karya finalis dan pemenang 3rd JIMB 2018
Pembukaan                  : Kamis, 7 Februari 2019, pukul 19.00
Dibuka oleh                 : Theresia Agustina Sitompul
Kerjasama Teras Management dan Balai Soedjatmoko Solo
Pengantar
Pameran di Balai Soedjatmoko Solo ini merupakan pameran pertama dari rangkaian pameran keliling 3rd JIMB ke beberapa kota di Indonesia. Pameran ini terselenggara berkat kerjasama pihak Balai Soedjatmoko Solo dengan Teras Print Studio  selaku organizer 3rd JIMB 2018. Ada 117 karya seni grafis berukuran maksimal gambar 20 x 20 cm yang merupakan karya finalis dan pemenang even 3rd JIMB yang dipamerkan.
Setelah pameran di Museum Dan Tanah Liat (MDTL) Yogyakarta pada 20 – 30 November 2018 yang baru lalu, pihak penyelenggara memang merencanakan dapat memamerkan ulang materi pameran 3rd JIMB 2018 ke beberapa tempat di beberapa kota di Indonesia sepanjang tahun 2019.  Jika dalam pameran di MDTL Yogyakarta sebelumnya peserta masih ditambah 41 karya dari 2 negara tamu, dalam pameran keliling karya-karya seniman negara tamu tidak lagi disertakan. Pameran keliling ini bertujuan mempromosikan even JIMB itu sendiri sekaligus mempopulerkan seni grafis secara umum. Lewat materi karya-karya finalis dan pemenang dari 15 pegrafis Indonesia dan 50 pegrafis internasional dari 26 negara, pameran keliling ini penting untuk memberi kesempatan agar lebih banyak lagi masyarakat dan penikmat seni di Indonesia menikmati karya-karya yang terseleksi yang dapat dianggap mewakili kecenderungan seni grafis yang berkembang saat ini di dunia. Banyak pegrafis penting yang mondar-mandir di berbagai bienal/trienal seni grafis internasional berpartisipasi dan hampir semua teknik seni grafis muncul dalam pameran ini seperti woodcut, linocut, embose, engraving, drypoint, aquatint, mezzotint, etching, silk screen, lithography, china colle, mixed techniques.
Sebagai informasi panitia 3rd JIMB kali ini menerima partisipasi 178 seniman terdiri dari 149 seniman yang mendaftar sebagai peserta seleksi dan 29 seniman asal China dan Filipina yang diundang sebagai negara tamu dimana karya mereka tidak mengikuti seleksi dan kompetisi. Antusiasme peserta luar negeri begitu luar biasa. Jika ditambah dengan seniman  tamu, tercatat 136 seniman internasional dari 32  negara  berpartisipasi yang berarti meningkat  hampir 200 % dari bienal 2016 yang diikuti 77 seniman internasional (atau 80 jika ditambah dengan 3 seniman internasional yang diundang sebagai tamu kala itu). Sementara seniman Indonesia diwakili hanya oleh 42 seniman atau menurun 60% dari angka 99 peserta di bienal 2016 lalu. Angka partisipasi yang cukup memprihatinkan juga buat seni grafis Indonesia ditengah upaya berbagai pihak baik perorangan maupun lembaga yang tengah gencar mempopulerkan seni grafis selama ini. Namun panitia tetap bersemangat mengingat seni grafis di Indonesia memang selalu menunjukkan trend pasang-surut.
Juri 3rd JIMB diketuai oleh A. Sudjud Dartanto, kurator dan dosen FSR ISI Yogyakarta yang pada JIMB kedua 2016 lalu menjadi juri anggota. Sementara juri anggota  yaitu: Deni Rahman, perupa dan dosen di ISI Solo yang pada even JIMB pertama 2014 menjadi salah satu dari tiga pemenang Best Work dan Malcolm Smith, perupa asal Australia yang juga pengelola Crack Printmaking Studio Yogyakarta. Mereka memilih tema “Pesan Dari Matrix / Messages From The Matrix”. Tema ini dibuat sebagai kelanjutan tema pada 2nd JIMB 2016 “Homo Habilis” yang menekankan pada aspek craftmanship dari karya. Kali ini gagasan para peserta ditantang dengan tetap tidak melupakan aspek teknis yang kuat. Juri ingin karya peserta membuka ruang-ruang baru yang inspiratif bagi penonton lewat permainan idiom/simbol masing-masing yang telah mereka kuasai sebelumnya.
Menurut Sudjud sebagaimana dicatat oleh satuharapan.com, “Aspek penjurian pada dua hal, pertama menyangkut teknis dimana seni grafis adalah hal yang tidak bisa terlepas dari urusan teknik (yang benar) untuk menghasilkan karya secara visual. Yang kedua berkaitan dengan tema yang ditawarkan. Bagaimana seniman merespon tema dengan tawaran-tawaran karya (baru) dalam kedalaman karyanya dimana kehidupan atau kebudayaan saat ini adalah abad citra/penanda. Karya dengan visual dan konsep (kesesuaian tema) yang kuat itu yang kita cari”. Lebih lanjut Sudjud menjelaskan tema tersebut menjadi penanda/citra yang lain untuk menghasilkan konstruksi/referensi baru yang bisa bersumber dari realitas itu sendiri (satuharapan.com, 28 Oktober 2018).
Selain menetapkan tema, batasan kompetisi dalam JIMB adalah ukuran medium/kertas maksimal 28 cm x 28 cm dengan ukuran karya tercetak maksimal 20 cm x 20 cm menggunakan 4 teknik cetak konvensional meliputi relief print (wood cut, linocut, mokuhanga, rubbercut, relief etching, engraving), intaglio (etsa, drypoint, mezzotint, aquatint, photo intaglio, sugar print), lithography dan silk screen maupun gabungan teknik cetak konvensional yang ada. Karya dibuat dalam rentang waktu 2017-2018 dan setiap seniman diperbolehkan mengirim 1-4 karya.
 
Penjurian dilakukan pada tanggal 28 Oktober 2018 di sekretariat 3rd JIMB di Miracle Prints, Yogyakarta. Dari 149 seniman yang mengikuti kompetisi dengan 351 karya yang masuk juri memilih 65 seniman dengan 117 karya sebagai finalis dan berhak menjadi peserta pameran 3rd JIMB 2018. Mereka terdiri dari 50 seniman internasional asal 26 negara (Argentina, Australia, Bangladesh, Brazil, Bulgaria, Kanada, Kroasia, Estonia, Finlandia, Perancis, Jerman, Hungaria, India, Italia, Jepang, Malaysia, Belanda, Polandia, Rusia, Serbia, Singapura, Spanyol, Thailand, Inggris, Ukraina dan Amerika Serikat) dan 15 seniman dalam negeri asal kota Yogyakarta, Jakarta, Bandung, Bekasi dan Bali..
Para pemenang 3rd JIMB 2018 terdiri dari 5 seniman internasional dan 1 seniman dalam negeri asal Bekasi yang merupakan jebolan seni grafis Institut Kesenian Jakarta,
Kategori Best Work diraih oleh:

1. Antoni Kowalski / Polandia dengan karya: Freedom, mezzotint, 10 x10 cm, 6/50, 2017
2. Evee Eesmaa / Estonia dengan karya: Hidden Info, mixed intaglio, relief 18,8 x 12,8 cm, 2/12, 2018
3. Maja Zemunik / Kroasia  dengan karya: No Nam, aquatint, drypoint, linocut, 19,3 x 17,5 cm, 1/8, 2018

Kkategori Excellent Work diraih oleh:

1. Thamrongsak Nimanussornkul / Thailand dengan karya: Noble, Thruth, Wisdom, silk screen , 9,7 x 9,7 cm, 10/11, 2018
2. Silvana Martignoni / Italia dengan karya: Matrix-The Two Realitas And The Power To Decide, mezzotint, 18,7 x 18,7 cm, 3/50, 2018
3. Giri Dwinanto / Indonesia dengan karya: Loving, intaglio, 18 x 18 cm, 2/3, 2018

 
Syahrizal Pahlevi/Direktur 3rd JIMB 2018  
link lengkap www.jogjaminiprint.com
 

**********....... 
“Bedroom in Arles”
Trilogi Reduksi II
Seniman                      : Syahrizal Pahlevi
Tempat                                                : KEBUN BUKU, jl. Minggiran 61 A, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
Materi                         : 15 karya seni grafis teknik woodcut reduksi di atas kertas
  tahun 2017-2019 ukuran antara 60 x 60 cm  sampai 70 x 100 cm
 (frame) dan kumpulan tulisan
Waktu pameran          : 12 – 26 Februari 2019
Pembukaan                        : Selasa, 12 Februari 2019, pukul 16.00 (4 sore)
Dibuka oleh                        : Kris Budiman
Penulis                                 : AA. Nurjaman
Jam buka pameran          : Selasa – Minggu. Pukul 10.00 – 17.00. Senin dan hari besar tutup.
Penyelenggara                  : Kerjasama Kebun Buku dan Miracle Prints
CP                                           : Ria Novitri/087739315969
 
“Bedroom in Arles”: Seri II Pameran Trilogi Syahrizal Pahlevi
 AA Nurjaman
Syahrizal Pahlevi menggelar pameran tunggal yang diberinya judul “Trilogi”. Kali ini pameran yang kedua dari Trilogi Pameran Tunggal karya-karya grafis yang dibuatnya dengan teknik cetak reduksi. Setiap penyelenggaraan pameran menyuguhkan tema yang berdiri sendiri, namun juga saling berkaitan. Pada pameran Trilogi pertama mengangkat tema “Dari Guanlan ke Arles”, diselenggarakan di Museum Dan Tanah Liat Yogyakarta, yang menyuguhkan karya-karya seni grafis buah karyanya ketika ia diundang residence di Guanlan, Shenzen, China. Pada pameran keduanya yang diselenggarakan di Kebun Buku, Pahlevi menampilkan sekitar 15 karya grafis yang terinspirasi dari lukisan Vincent Van Gogh “Bedroom in Arles” (1888 – 1889), tiga seri lukisan yang menggambarkan situasi kamar tidur Van Gogh yang berada di Arles. Dan pada pameran Trilogi ketiga, Pahlevi berencana menampilkan semua karya yang dibuatnya dengan teknik cetak grafis reduksi.
Ada apa dengan “Bedroom in Arles”? Kenapa perasaan Pahlevi begitu mendalam terhadap lukisan itu? Alasannya tak lain dari kemunculan suatu memori.
Pada tahun 1991 – 1993, semasa kuliah di jurusan seni lukis ISI Yogyakarta, Pahlevi pernah bekerja di galeri Gajah, sebuah galeri di kawasan Kranggan yang memproduksi karya-karya reproduksi buah karya seniman terkenal Eropa, seperti Picasso, Gauguin, dan yang paling sering dikerjakannya adalah mereproduksi karya-karya Vincent Van Gogh. Dalam kelanjutan kariernya sebagai seniman, Pahlevi lebih menekuni seni grafis. Hingga 27 tahun kemudian pada tahun 2017, ia diundang residence ke Guanlan Original Printmaking Base, Shenzen,  China untuk mengembangkan seni cetak grafisnya. Ketika berada di Shenzen itulah, ia sempat mengunjungi Dafen Artis Village, yang merupakan sebuah pabrik reproduksi karya-karya seniman terkenal di dunia. Maka bangkitlah memori Pahlevi ke pengalaman hampir tiga puluh tahun lalu. “Memori itu seperti proses inkubasi, semakin ditahan semakin kuat menekan,” ungkapnya. Maka ketika kembali ke Yogyakarta, ia segera menyusun Trilogi Pameran Tunggalnya yang mengangkat memori ketika ia mengerjakan karya-karya lukisan reproduksi.
Dalam mewujudkan memorinya, Pahlevi tidak melukis sebagaimana pernah dilakukannya, melainkan menggunakan teknik cetak grafis melalui proses reduksi. “Pengertian istilah reduksi, erat kaitannya dengan pengungkapan kembali pengalaman di masa lalu. Suatu tatanan perjalanan yang tidak mungkin ditata ulang secara sempurna sesuai kenyataan seperti yang saya alami tempo dulu.” 
Ungkapan Pahlevi menyatakan bahwa suatu pengalaman yang diwujudkan menjadi karya sastra maupun seni rupa, tentu saja melalui suatu proses penyederhanaan, sehingga yang tampil hanya bagian intinya saja sebagai pokok masalah yang membangkitkan memori-memori. Istilah reduksi dalam pameran tunggalnya kali ini yang diberi judul “Bedroom in Arles” erat dengan pengungkapan inspirasi, bahwa sesuatu yang diungkapkan adalah kesan mengenai lukisan “Bedroom in Arles”, bukan menggambarkan kembali karya Van Gogh secara utuh seperti pernah dikerjakannya tempo dulu. Maka melalui pameran ini Pahlevi menegaskan istilah reduksi sebagai makna dari memori-memori, yang kaitannya dengan salah satu teknik cetak grafis.
Reduksi “Bedroom in Arles”
Reduksi merupakan suatu teknik cetak menggunakan satu plat kayu melalui proses penghilangan bagian-bagian yang tidak diperlukan dalam menyusun tingkatan warna yang dicetak. Syahrizal Pahlevi dalam menciptakan karya-karyanya kali ini hanya menggunakan satu papan cetakan atau sebuah plat kayu lapis. Plat kayu itu diberi warna cat dengan cara di rol kemudian diterapkan pada kertas dengan cara dipres. Setelah disalin menjadi beberapa edisi sesuai kebutuhan, plat kayu cetakan itu kemudian digores dengan pahat grafis untuk membuat obyek gambaran berikutnya yang akan dipres dengan warna berikutnya. Setelah didapatkan warna kedua, diteruskan dengan obyek gambaran yang diberi warna ketiga dan seterusnya, sampai plat cetakan itu habis fungsinya. Cetakan reduksi satu plat tidak bisa diulang.
Pengertian reduksi dalam karya Pahlevi “Bedroom in Arles” menampilkan beragam rekonstruksi dari tiga seri karya Vincent Van Gogh “Bedroom in Arles” (1888 – 1889) melalui teknik cetak grafis. Lain halnya dengan lukisan “Badroom in Arles” yang dibuat Vincent Van Goh yang dibuat langsung di kanvas, di mana ekspresi goresan dan sapuan warna bisa terlihat dengan jelas. Ekspresi dalam karya “Bedroom in Arles” buah karya Pahlevi hanya bisa terlihat dari bidang-bidang warna yang tercetak, baik bidang warna yang menyerupai garis-garis, maupun bidang warna yang membentuk obyek gambaran.
Pahlevi mengungkapkan, “pada proses pembuatan seni grafis, seniman tidak bisa langsung melihat hasil ekspresinya seperti dalam proses melukis. Seniman dituntut untuk lebih sabar dan lebih imajinatif supaya bisa memperkirakan hasil ekspresinya setelah proses pencetakan.”
Maka dari itu, pada proses pembuatan cetakan, suatu imajinasi hasil akhir dari proses cetak pertama harus sudah bisa ditafsirkan bentuknya.  Kemudian ketika proses cetak kedua, ketiga dan seterusnya, seniman dituntut untuk mampu menafsirkan tumpang-tindih dari imaji-imaji yang akan diwujudkan. Dan ketika bisa dicapai hasil akhir dari semua proses, maka seniman mendapatkan suatu impressi kedalaman makna dari suatu reduksi pengalaman masa lalunya.
Proses reduksi yang bisa diartikan sebagai penyederhanaan bentuk yang lebih dikenal sebagai proses abstraksi. Istilah abstraksi dalam karya seni lebih menekankan kepada tampilan suatu inti masalah. Dalam karya-karya Pahlevi kali ini hampir tidak ditemui gambaran obyek-obyek seperti pada lukisan aslinya, tetapi lebih kepada pengalaman kesan impressi dari memori masa lalunya.
Kita bisa melihat karya pertama yang berjudul ‘Rekonstruksi Van Gogh’ (2017) wood cut reduksi 30 x 30 cm, edisi 3 + 1, di mana Pahlevi menggambarkan dimensi tempat tidur hampir serupa dengan yang digambarkan Vincent Van Gogh “Bedroom in Arles”. Pada karya ‘Rekonstruksi Van Gogh III’ (2017) wood cut reduksi 57 x 86 cm, edisi 4 + 1, warna campuran hijau, biru dan putih mendominasi warna bidang gambaran, sementara warna merah jingga, coklat kehitaman dan coklat kekuningan mendominasi ekspresi garis pada obyek gambaran. Pada ‘Rekonstruksi Van Gogh IV’ (2017) wood cut reduksi 86 x 54 cm, edisi 4 + 1, obyek gambaran tempat tidur dan ruang kamar mulai dipenuhi bidang-bidang warna impressif merah, merah muda, coklat, coklat kekuningan, coklat muda dan putih ditambah ekspresi garis-garis hitam yang membentuk obyek gambaran.  Dan pada ‘Rekonstruksi Van Gogh X’ (2018) wood cut reduksi 57 x 86 cm, edisi 5 + 1, mulai muncul proses abstraksi lukisan “Bedroom in Arles” melalui warna hijau muda, hijau dan hijau kekuningan. Sementara warna merah, coklat kekuningan dan putih menjadi semacam warna abstraksi dari obyek gambaran. Dan pada karya ‘Rekonstruksi Van Gogh XII’ (2018) wood cut reduksi 57 x 86 cm, edisi 4, Pahlevi benar-benar mewujudkan abstraksi lukisan Vincent Van Gogh “Bedroom in Arles” dalam bentuk abstraksi.
Makna Abstraksi Pahlevi
Apa yang digambarkan Pahlevi melalui karya-karya grafisnya, tidak lain suatu komunikasi antar manusia melalui penafsiran makna. Bahasa yang digunakan dalam komunikasi itu adalah bahasa imaji rupa, gerak, ritme, yang diolah melalui ekspresi demi merogoh pendalaman rasa. Dalam penafsiran bahasa imaji belum pernah ditemui adanya gramatika baku seperti dalam bahasa verbal, karena Pahlevi sebagai seniman berusaha sendiri dalam menciptakan bahasa pengungkapannya yang khas. Dalam komunikasi seni murni, penafsiran logika yang bekerja memang berbeda dari penafsiran logika benda-benda yang bernilai guna. Dalam seni murni, suatu barang seni yang tercipta tidak diperuntukkan supaya bernilai tepat guna, melainkan untuk memenuhi hasrat logika rasa imajinatif. Tentu saja saat menafsirkan karya, logika nalar konseptual bisa saja ikut berperan, namun kekhasan komunikasi lewat karya seni terletak bukan pertama-tama pada makna logika konseptualnya, melainkan pada efek rasawi imajinatifnya. Melalui efek itulah orang lantas menalarkan maknanya. Pada titik ini, seni memang merupakan kegiatan mereproduksi efek imajinatif dan rasawi.
Lantas apa yang ingin diungkapkan Syahrizal Pahlevi mengenai ruang tidur Van Gogh yang sudah direproduksi ribuan kali?
Pahlevi mengutarakan lukisan ruang tidur Van Gogh “Bedroom in Arles” dalam beberapa sudut pandang, seperti terlihat dari beberapa seri karya grafisnya. Ia terus mengutak-atik inspirasinya dari gambaran realistik menuju ketingkat absurd bahkan abstrak. Maksud Pahlevi dengan membuat beberapa tingkatan karya yang semakin absurd dengan tumpang-tindih antara garis dan warna, tidak lain untuk membangun makna yang kompleks sekaligus mendalam. Karena perumusan seni pada awalnya seperti yang dirumuskan Plato melalui teori mimesis, tidak lebih sebagai hasil peniruan.
Plato pada 2500 tahun yang lalu sudah memandang seni melalui sudut pandang filosofi, atau lebih populer dengan istilah mimesis, terjemahan yang paling dekat adalah representasi. Dalam teori mimesis terdapat dua wilayah penciptaan seni, yaitu wilayah nyata yang berasal dari ide-ide sempurna dan wilayah ilusi yang merupakan salinan dari ide-ide sempurna. Diringkaskan oleh Plato, bahwa dunia sempurna bersifat non spasial dan non temporal, sedangkan dunia ilusi bersifat spasial dan temporal.[i]
Teori mimesis dijelaskan Plato melalui pertanyaan, “apa bedanya tukang kayu yang membuat tempat tidur dan pelukis yang melukis tempat tidur?” Makna dari pertanyaan itu, keduanya menghasilkan tempat tidur, tapi siapakah yang menghasilkan esensi tempat tidur?
Pencipta tempat tidur yang sebenarnya, menurut Plato, adalah Dewa (maksudnya konsep tempat tidur yang bersifat non spasial). Pembuat tempat tidur kedua: tukang kayu, dan pembuat tempat tidur ketiga: pelukis yang hanya merepresentasikan tempat tidur, yang berarti kedua-duanya mewujudkan karya spasial atau temporal yang tidak menampilkan esensi apalagi kebenaran. Kesimpulan Plato, bahwa semua hasil kesenian pada dasarnya mimesis atau “representasi”. Dan representasi bagi Plato hanya sejenis pertunjukkan yang tidak perlu ditanggapi secara sungguh-sungguh. Seniman, menurut Plato, tidak memiliki pemahaman tentang subjek yang tampil dalam karya-karya mereka. Representasi subjek dalam karya seni, menurut Plato, tidak akan memberikan apa-apa untuk kehidupan manusia. Plato mengutarakan komunitas ideal ini secara rinci dalam karyanya Republic[ii].       
Di titik inilah letaknya pengertian inspirasi. Karya Pahlevi ingin mengungkapkan pengalaman yang berulang, yang dimulai pada tahun 1991 ketika ia bekerja sebagai tukang gambar reproduksi karya-karya seniman Barat terkenal. Pengalaman itu berulang hampir tiga puluh tahun kemudian, ketika ia melihat proses reproduksi karya yang sama oleh para artisan China di Dafen Artis Village di kota Shenzen. Menurut Pahlevi, pengalaman selalu real namun sekaligus kompleks, mengandung demikian banyak unsur tumpang-tindih sehingga bentuknya tak jelas dan sulit dirumuskan secara memadai. Pemilihan teknik grafis diperuntukan guna menelusuri kerumitan itu dengan menyederhanakannya melalui teknik cetak yang disebut reduksi, karena ia sebenarnya sedang mereduksi pengalaman-pengalamannya yang tumpang-tindih dengan berbagai persoalan lain dalam kehidupannya.
Maka karya Pahlevi yang semakin jauh kemiripannya dengan karya Van Gogh, baik komposisi warna, garis maupun ruangnya, tidak lain adalah semacam upaya untuk merumuskan pengalaman-pengalamannya yang semakin dirasakan, justru semakin tak berbentuk. Di titik inilah makna seni hendak merogoh kedalaman pengalaman kemudian mengkomunikasikannya melalui medan bentuk dan medan imaji supaya mengena pada indra batin kita. Itulah yang disebut ‘gaya’, ‘style’ atau ‘karakter’. Itu sebabnya di dunia seni rupa,  bentuk wajah dipersingkat konturnya oleh para seniman pra modern seperti pada karya-karya patung nias. Kemudian diburamkan rinciannya oleh para seniman impressionisme, dirusak bentuknya oleh para seniman ekspresionisme, dibelah menjadi kotak-kotak oleh kaum kubisme, dibuat ganjil opeh para surealisme dan dihilangkan bentuk wadagnya oleh kaum abstrakisme.  Oleh karenanya Picasso pernah mengatakan, ‘Art is a lie that enables us to realize the truth’, seni adalah kebohongan untuk melihat kebenaran.
Kebenaran apa yang terletak pada seni
Bagi seniman seperti Syahrizal Pahlevi, pengalaman yang langsung dialami akan berbaur campur aduk dengan aneka perasaan, kepekaan moral, imajinasi nilai, kesadaran, impian bawah sadar dan sebagainya. Dunia dan kehidupan bukanlah ‘obyek’ di luar sana. Dunia dan kehidupan adalah latar belakang dari medan pemikirannya, sekaligus sesuatu yang senantiasa merupakan bagian intim di dalam dirinya. Ia sudah demikian menyatu dengan dunia, dan dunia sudah selalu ada dalam dirinya menjadi kesatuan asasi dalam ‘perasaan’ yang memunculkan imajinasi’ dan ‘perilaku’. Ia menyadari dirinya hanya lewat interaksi dengan dunia sekelilingnya, dan juga sebaliknya.
Hal inilah yang membedakan pendalaman seniman dengan para ilmuwan ketika menghadapi suatu masalah. Cara penyampaian dari kedua profesi itu juga berbeda. Jika seniman mengorek permasalahan hingga ke akar-akarnya, para ilmuwan mengutamakan jarak dan analisis. Para seniman mengungkapkan suatu permasalahan melalui subyektifitas perasaannya, para ilmuwan menyampaikan persoalannya melalui obyektifitas analisis dengan mengungkapkan  salah satu tafsiran abstrak – pragmatis suatu permasalahan. Dalam sudut pandang para ilmuwan, tidak penting bahwa seseorang yang menjadi obyek permasalahannya memiliki nama. Bagi ilmuwan yang berprofesi dokter, tidak penting nama dan kedudukan dari pasiennya, yang membedakan adalah macam penyakitnya. Dalam ilmu sosial, data nama hanya diperlukan untuk analisis statistik. Dalam ilmu ekonomi, data nama hanya untuk membedakan si kaya dan si miskin guna kepentingan pasar suatu produk. Dalam agama, nama adalah simbol yang akan dibawa sampai ke alam baqa. Dalam filsafat moralitas, baik-buruknya nama seseorang bergantung kepada sebab dan akibat yang akan menentukan berharga atau tidaknya orang itu dalam kehidupan berdasarkan kebaikan dan keburukan perilakunya. Pada titik ini, baik sains, agama maupun moralitas sebenarnya mereduksi atau menyederhanakan kompleksitas dan ambiguitas pengalaman seseorang.
Lain halnya dalam seni, nama memiliki arti yang sungguh-sungguh pelik. Bagi Pahlevi, nama Vincent Van Gogh sangatlah penting. Keunikan hidupnya menjadi medan untuk diungkapkan melalui bahasa hati yang paling dalam, ‘perasaan’. Pengalaman mereproduksi lukisan, yang merupakan akar hidup Van Gogh, kemudian dibedah, dianalisis, direka ulang atau direkonstruksi sehingga menyentuh bagian terdalam dari batinnya tidak saja sebagai seorang seniman, tetapi juga sebagai manusia. Demikianlah kepekaan seniman dalam mengungkap berbagai persoalan besar maupun kecil mampu memberi bentuk pada pengalaman yang tak jelas, menampilkan yang tadinya tersembunyi, memperkatakan hal yang tak terumuskan, membunyikan hal yang tak tersuarakan, intinya menampakkan pengalaman batin yang tak terungkapkan.
Maka melalui batin terdalamnya, yang hendak dirogoh dan diungkapkan Pahlevi bukanlah sekedar ‘keindahan’ fisik, melainkan ‘kebenaran’. Termasuk di dalamnya adalah kebenaran dari hakekat seni sendiri. Dalam tradisi estetika, seni dimengerti sebagai ars (ketrampilan), tekhne (keahlian), dan berkaitan dengan keindahan (kalon). Yang sering terabaikan adalah bahwa seni terutama berkaitan dengan ‘penciptaan’ (poein). Maka karya-karya seni yang dibuat oleh para artisan yang mereproduksi lukisan seperti yang dialaminya hampir 30 tahun lalu bukanlah suatu hasil penciptaan, seperti yang diungkapkan Plato dalam teori mimesisnya, karena penciptaan ‘poein’ berkaitan dengan akar kata estetika yaitu aisthenasthai yang berarti persepsi. Maka seni terutama adalah menyoal penciptaan ‘persepsi baru’, persepsi tentang kebenaran yang lebih dalam dari realitas yang kita hadapi sehari-hari. Seni memang lebih terkait dengan ‘kebenaran’ kehidupan, yang pada hakekatnya seni adalah tampilnya kebenaran secara menyentuh. 
Kebenaran dalam seni bukanlah kebenaran ilmiah, bukan kebenaran religius, bukan pula kebenaran moral, doktrin, dogma, agama atau keyakinan apapun yang sifatnya konvensional, melainkan kebalikannya, justru munculnya realitas-realitas yang awalnya tersembunyi, yang tak disadari namun nyata dan seringkali bertabrakan dengan dogma, religius, ilmiah, rumus dan kebenaran moral atau budaya. Seni adalah kebenaran kenyataan hidup yang kita alami seperti adanya, kebenaran akan kenyataan yang tak mengenal hitam-putih, kebenaran dari kenyataan yang pelik dan tumpang-tindih. Maka dalam karya-karya grafisnya, Pahlevi seringkali mengungkapkan kompleksitas kehidupan yang menginspirasinya dengan warna-warna dan garis-garis tumpang-tindih.
Demikianlah fungsi seni, termasuk seni rupanya, digunakan para seniman untuk menyingkap aneka lapisan, kompleksitas, dan misteri realitas yang menggugah kesadaran masyarakat intelektual. Oleh karenanya, konsep seni bahkan pengertiannya seringkali berubah sesuai dengan konteks permasalahannya.
Yogyakarta, 25 Januari 2019
AA Nurjaman
 


[i] Loren Bagus, Kamus Filsafat, Jakarta: PT Gramedia Pustaka Utama, 2005, hal. 851-852.

[ii]Buku Plato, Republic jilid X, diterjemahkan oleh Francis M. Cornford, The Republic of Plato, (London: Ozford University Press), hal. 321-340, kemudian diterbitkan ulang dalam The philosophy of Visual Arts, hal. 63.
 
 **************

Pernyataan seniman
Tentang Trilogi Reduksi.
Istilah Trilogi umumnya dipakai para penulis untuk proyek tulisan atau novelnya yang terdiri atas tiga bagian yang saling bertautan. Sementara Trilogi Reduksi disini saya maksudkan sebagai rangkaian tiga pameran tunggal saya sendiri yang tautan ketiganya ada pada provokasi teknik woodcut/linocut reduksi sebagai satu-satunya teknik yang dipakai dalam membuat karya untuk ketiga pameran tersebut. Teknik woodcut reduksi adalah salah satu dari teknik relief print atau cetak tinggi dalam seni grafis. Dalam teknik ini, hanya digunakan satu pelat kayu sebagai acuan cetak yang akan dicukil sampai habis/rusak untuk menghasilkan lapisan warna yang diinginkan seniman.
Lebih jauh tentang teknik reduksi dapat dilihat di tulisan saya di https://kompas.id/baca/x/akhir-pekan/2018/01/06/reduksi-suicide-printmaking/
Setiap bagian Trilogi memiliki judul  berbeda-beda sesuai tema yang dibawakan di setiap pameran.
 
Tentang judul “Bedroom in Arles”.
Ini adalah judul dari tiga versi lukisan yang serupa satu sama lain dari pelukis terkenal Vincent Van Gogh berobjekkan kamar tidurnya sendiri dibuat tahun 1888 sampai 1889. Seri ini masih dilengkapi dengan dua buah sketsa berobjek sama pada surat pribadinya untuk adiknya Theo dan temannya pelukis Gauguin. Arles adalah kota keciL terletak di pinggiran utara Perancis dimana Van Gogh tinggal lebih dari setahun disana namun konon menjadi masa produktifnya dengan menghasilkan banyak lukisan dan gambar. Salah satunya adalah 3 versi lukisan “Bedroom in Arles.
Saya mengambil visual yang ada di tiga lukisan Van Gogh tersebut sebagai bahan acuan untuk karya yang saya kerjakan. Sudah menjadi topik umum bahwa karya-karya Van Gogh banyak menjadi objek dalam industri reproduksi karya master yang dikerjakan di seluruh dunia dan “Bedroom in Arles’ menjadi salah satunya yang pavorit dikerjakan/dipesan. Dalam karya-karya saya, “Bedroom in Arles” Van Gogh menjadi bahan menautkan memori, membaca referensi dan melepaskan imajinasi dalam bentuk karya teknik woodcut reduksi dicetak di atas kertas.
Memori: Tahun 1991 – 1993 semasa masih menjadi mahasiswa di jurusan seni lukis ISI Yogyakarta saya pernah bekerja di sebuah galeri di Yogyakarta (Galeri Gajah di kampung Kranggan Yogyakarta) membuat lukisan pesanan berupa reproduksi karya master Eropa termasuk reproduksi karya-karya Van Gogh.
Referensi: Ketika menjalani 2 bulan masa residensi di Guanlan Original Printmaking Base, Shenzhen, China tahun 2017 saya sempat mengunjungi Dafen Artist Village, Shenzen, sebuah tempat terbesar reproduksi karya-karya Van Gogh yang terkenal di seluruh dunia. Saya membuat beberapa dokumentasi dan catatan disana. Mengenai Dafen Artsist Village dapat dilihat di https://theculturetrip.com/asia/china/articles/a-brief-history-of-dafen-art-village/ atau https://www.aljazeera.com/indepth/features/dafen-oil-painting-village-world-art-factory-180213181434532.html
Melepaskan imajinasi: Topik saya adalah praktek membuat reproduksi lukisan yang pernah menjadi pekerjaan saya dahulu dan saya saksikan lagi ketika berkesempatan ke Dafen Artist Village, Shenzen, China. Cerita dan visual dalam lukisan Van Gogh berjudul “Bedroom in Arles” saya ambil sebagai bahan untuk bertualang dengan elemen-elemen seni rupa. “Bedoom in Arles” dan Van Gogh hanyalah sebuah kasus dimana telah menjadi simbol praktek reproduksi lukisan karya master yang dikerjakan di seluruh dunia.
Rangkaian trilogi
Trilogi Reduksi I: berjudul “Dari Guanlan ke Arles”, berupa pameran 10 buah karya seni grafis buatan tahun 2017-2018 yang telah dipamerkan di MDTL, ds. Kersan, Tirtonirmolo, Yogyakarta pada 20 – 30 Januari 2018. Pameran ini menampilkan karya-karya yang dibuat di China dan karya-karya yang dibuat di Indonesia sepulang dari China. Penulis Hans Knegtmans dan Harry Prayitno. Dibuka oleh Bambang ‘Toko’ Wicaksono.
Reportase pameran dapat dilihat di http://www.satuharapan.com/read-detail/read/dari-guanlan-menuju-jalan-lain-ke-arles  atau http://www.pictaram.life/post/1697132746553503118_1384004796
 
Trilogi Reduksi II berjudul: “Bedroom in Arles”. Berupa pameran karya-karya tahun 2017-2019 dimana ada beberapa karya dalam pameran Trilogi I ikut disertakan karena berkaitan tema. Tempat pameran direncanakan di KEBUN BUKU Yogyakarta, tanggal 12 – 26 Februari 2019 dan akan dibuka oleh Kris Budiman pada selasa, 12 februari 2019, pukul 16.00 (4 sore). Penulis AA. Nurjaman.
Trilogi Reduksi III: belum ada judul. Berupa pameran pilihan  karya-karya teknik woodcut reduksi yang saya buat sejak tahun 1988 sampai tahun terakhir menjelang pameran nantinya. Diharapkan Trilogi Reduksi III akan menjadi ‘jawaban’ dari rangkaian pameran ini. Tempat pameran dan waktu pameran belum ditentukan.
Syahrizal Pahlevi

******************

Opening speech ole Kris Budiman (Kebun Buku, 12 Februari)

Saat dihubungi oleh Pahlevi rasanya saya senang dan tanpa berpikir panjang menyambut positif. Pertimbangannya satu, yaitu judul pameran Bedroom in Arles. Saya sangat suka dengan karya Vincent van Gogh ini. Kemudian, setelah saya pikir-pikir lagi, ada beberapa hal yang menarik berkaitan dengan kerja Pahlevi. Pertama, obsesi Pahlevi yang panjang, bertahun-tahun dalam menekuni seni grafis.

Kedua, rancangan pameran ini memerlukan napas panjang karena merupakan pameran trilogi. Selain itu, ketiga, dari sini kita bisa belajar tentang salah satu karya masterpiece van Gogh serta bagaimana Pahlevi meresponsnya.

Van Gogh tidak merekam realitas, melainkan menangkap suasana (atmosfer) dari suatu ruang. Yang dia tangkap adalah citraan-citraan. Nah, apa yang dilakukan oleh Pahlevi bisa dibaca dengan menempatkan karya van Gogh sebagai teks induk atau teks latar bagi proses berkaryanya serta relasi-relasi yang terbangun di antaranya. Dilihat secara psikologis barangkali kita bisa menyebutnya sebagai stimulus-respons. Akan tetapi, jika pembacaannya pada tataran teks, bisa kita telusuri kaitan-kaitan interteks di antara dua gugusan karya, yakni di antara karya van Gogh dan karya Pahlevi. Pertautan-pertautan apa yang terjadi, secara empiris, tekstual, atau piktorial, entah pada tataran warna, suasana, atau elemen-elemen visual lainnya.

- Kris Budiman –

***********************
Liputan media
LEVI'S BEDROOM.....
http://www.satuharapan.com/read-detail/read/levis-bedroom-in-arles 
 
 

Press release
JANGAN BERHENTI (Don’t Stop)
Pameran tunggal Edi Maesar
Tanggal                 : 25 Januari – 15 Februari 2019
Tempat                                : Miracle Prints, Suryodiningratan MJ II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
Pembukaan        : Jumat, 25 Januari 2019, pukul 16.00 (4 sore)
Dibuka oleh        : Ronnie S. Haryanto
Penulis                 : I Gede Arya Sucitra S.Sn, M.A
CP (WA)               : Ria Novitri/087739315969
 
Pengantar Galeri:
“Dunia Kecil Maesar Jangan Pernah Berhenti”
Edi Maesar (kelahiran Baturaja, Sumatera Selatan 37 tahun lalu) merangkai dunia kecil dalam lukisan kecil-kecil berukuran mulai dari 13 cm x 17 cm sampai tidak lebih dari 22 cm x 27 cm. Karya-karya ini bermedia cat minyak di atas kanvas dibuat dalam periode hampir lima tahun terakhir. Dikerjakan disela-sela ‘aktifitas utamanya’ bekerja sebagai pelukis potret jalanan di Malioboro (dan jalan Mangkubumi) Yogyakarta saban malam.
Sejak kelesuan pasar seni rupa yang melanda banyak seniman termasuk dirinya beberapa tahun lalu, Edi Maesar cepat memutuskan harus mencari usaha lain untuk memenuhi kebutuhan keluarga dan kebutuhan berkaryanya. Sejak pertengahan 2014 ia menjalani pekerjaan menjadi pelukis potret jalanan mengikuti jejak beberapa teman pelukis yang dikenalnya yang telah menjalani profesi tersebut sejak lama. Namun Edi Maesar tetap memelihara semangat berkeseniannya, ia tidak ingin terlena hanya bekerja untuk mencari pendapatan semata. Melalui hasil dari menjual jasa lukisan potret tersebut Edi Maesar selain dapat tetap mempertahankan dapur keluarganya tetap bernyawa, ia juga tetap dapat berkarya walau harus merubah metode kerjanya dengan kondisi yang baru.
Bekerja sebagai pelukis potret jalanan tentulah bukan hal mudah dijalani. Ada persoalan mental dan tentu saja kecakapan teknis yang mesti dimiliki. Mental yang kuat dibutuhkan karena dalam ranah seni rupa mainstream profesi pelukis potret jalanan dianggap bukan termasuk kegiatan seni. Ini tidak lebih pekerjaan mencari uang semata dengan memanfaatkan keahlian menggambar potret secara langsung dan keberanian bekerja di tengah kerumunan orang banyak. Edi Maesar dapat melalui semua itu dan tidak ambil pusing terhadap silang opini terhadap pelukis potret jalanan. Diantara jeda sebelum atau setelah bekerja di jalanan  ia tetap mengasah kemampuan melukisnya dengan membuat karya-kecil-kecil yang menurutnya ekonomis dari segi material dan efektif mengisi waktu luangnya. Pelan tapi pasti berkarya kecil-kecil menjadi rutinitas kesehariannya sebelum berangkat atau setelah pulang bekerja melukis potret di jalanan dan tumpukan karyanya semakin banyak. Telah banyak pula yang diikut sertakan di berbagai pameran dan banyak pula telah menjadi koleksi teman-teman dan pencinta seni yang menyukainya.
Dalam hal tema, Edi Maesar menunjukkan minat yang beragam berhubungan dengan pengamatan yang dilakukannya. Sepertinya tema apapun akan masuk di kepalanya dan ditumpahkannya dalam waktu singkat pada karya kecil-kecilnya. Kesuntukan menekuni pekerjaan sebagai pelukis jalanan dan bertemu banyak orang membuat Edi Maesar memiliki pengamatan yang kaya terhadap aktifitas dan perilaku manusia di sekitarnya. Ia dapat menyaksikan beragam aktifitas dan jenis manusia ketika berada di lokasi ia bekerja termasuk dalam perjalanan pergi dan pulang kerja. Ada berbagai objek dan berbagai kegiatan yang direkam Edi Maesar dalam karya kecil-kecilnya, diantaranya: Kegiatan Ibu muda sedang memasak, anak belajar, pria dengan laptop, remaja bermain handphone, kegiatan perbaikan jalan, turis berjemur di pantai, Ibu menyusui dan handphone, bapak-bapak di kedai kopi, anak berulang tahun, sepotong daun, pemusik jalanan, pria dengan blangkon, kegiatan potong daging kurban,  kemesraan dengan istri, demonstran kelelahan, karnaval tahun baru dan masih banyak lagi. Namun yang paling banyak dilukisnya adalah objek potret wajah yang  menurut pengakuannya rata-rata adalah potret wajahnya sendiri.
Karya-karya potret itu dilukis demikian bebas karena ia tidak mengejar kepersisan atau kebenaran bentuk. Beberapa karya berobjek potret tersebut dengan garis-garis lepas dan distorsi bentuk sederhana mengingatkan saya pada karya-karya potret Marlene Dumas, perempuan pelukis kelahiran Afrika Selatan tahun 1953 yang tinggal dan bekerja di Belanda. Bedanya Marlene banyak menggunakan media cat air dan warna-warna renyah. Marlene melukis potret dan figur-figur berdasarkan foto yang dibuat dari kamera polaroid atau foto-foto dari majalah yang ia temukan dan anggap menarik. Tema-tema Marlene biasanya berkutat pada pornografi, erotika dan persoalan gender.
Pameran ini cukup penting buat Edi Maesar karena merupakan pameran tunggal pertamanya setelah sekian lama berkesenian. Selama ini ia cukup aktif di berbagai pameran kelompok, kompetisi melukis dan berbagai even lokal dan nasional. Ibarat perjalanan yang sudah diniatkan jauh-jauh hari, dengan segala perlengkapan yang disiapkan lengkap apalagi telah mendapat restu dari orang terdekat, mengapa harus berhenti?
 
Yogyakarta, 10 Januari 2019,
Syahrizal Pahlevi

................

Catatan seorang sahabat
 
JALAN PENCERAHAN
 
Nothing to lose, menjadi seniman harus siap mengalami penderitaan hidup, menjadi daya pendobrak, menuju kesempurnaan di dalam karya dan kualitas hidupnya.
 
                                                                                                            Edi Maesar, 2019
 
 
Pada dasarnya, manusia mengharapkan perjalanan hidupnya dipenuhi dengan kemudahan, kemurahan hati, rejeki yang berlimpah, urusan duniawi lancar jaya, kesehatan yang baik tanpa derita siksaan dan jargon yang popular ‘muda foya-foya, tua kaya raya, mati masuk surga!’ Barangkali  Edi Maesar muda saat masih dibangku sekolahan tidak akan membayangkan betapa jalan berliku dan terjal kesenian siap menemani keputusannya secara ideal sebagai seniman lukis, yang hidup dan mendirikan nafasnya melalui nadi berkesenian. Rentang 20 tahun berjalan semenjak menjadi mahasiswa angkatan 1999 seni lukis di Fakultas Seni Rupa ISI Yogyakarta, Edi makin menemukan ‘cara dirinya bercerita’, menangkap realitas dan menjadikannya imaji reflektif dalam kanvas-kanvasnya, tentang banyak hal yang bertebaran disepanjang jalan berkeseniannya. Ada kesenangan, ada tegangan, ada tarikan, ada intrik, ada represi, ada birahi, ada kekuasaan, ada kesadaran, ada perenungan, ada tangisan, dan segudang perkara hidup lainnya. Seniman sebagai mahluk yang kompleks, dalam berkarya seni menampilkan dunia yang absurd dari alam bawah sadar dan disimbolisasikan dalam karya seninya. Penggambaran alam pikiran bawah sadar menjadi objek yang imajinatif dan fantastik merupakan salah satu metode sublimasi atas dorongan psikis yang telah mengalami tekanan. Karya seni merupakan gambaran dari harapan, mimpi, imajinasi, dan fantasi dan atau bahkan merupakan bentuk pengungkapan emosi, kecemasan, ketakutan, dan lain sebagainya. Itulah Edi Maesar, lelaki asal Palembang, Sumatera Selatan selalu gelisah dan mempertanyakan banyak hal secara kritis dalam glamor dan sunyinya jalan kesenian di Yogyakarta.
Sebetulnya, konsep awal dalam undangan menulis ini adalah wawancara selo Edi padaku di gubukku Teras Kali Bedog dan lalu dijadikan bagian teks dalam publikasi katalogusnya. Lalu aku bilang, “pameran ini bukan tentangku melihatmu, tapi sebaiknya tentangmu yang mampu terlihat. Ini kan pameran tunggal pertamamu, mari kita bicarakan hal yang ringan, yang nantinya berujung pada mengenal dan memahami cikal bakal jalan kesenianmu.” Alhasil, Edi lah yang aku wawancarai menjadi aktor artikel kecil ini. Memang benar jika dalam puitika sebuah lukisan bisa mengungkapkan seribu kata, namun penonton tentu bukan cenayang yang bisa membaca pikiran untuk mengetahui apa, siapa, bagaimana dan mengapa hal yang berlaku dan terjadi pada seorang seniman dan lukisannya.  Sama halnya dengan takdir bumi yang bergerak dan tergerus, demikian juga arus berkesenian yang beriak kesana kemari, kadang kecil tiba-tiba besar, lalu surut lama dan harus mengairi dengan mata air di lain ladang.  Tapi itulah keunikan dari kekuatan jiwa-jiwa gelisah dan dinamis seniman, dia membangun dialektika medan jiwa dan medan seninya melalui perubahan. Seniman dalam menciptakan karya seni tidak hanya menggambarkan sebuah realitas kehidupan, tetapi lebih dari itu melukiskan harapan yang menjadi impian dari realitas kehidupan agar dapat mengalami perubahan. Dalam hal ini, seniman melukiskan mimpinya akan realitas kehidupan yang menjadi harapan bagi seniman dan masyarakat luas. Paul Klee mengatakan bahwa melukis tidak untuk menafsirkan yang kelihatan, melainkan menerjemahkan agar menjadi kelihatan.
Edi Maesar sejak dibangku kuliah memang memiliki bakat dan semangat yang menonjol hal melukis, sketsa, drawing, dan diskusi seni. Dia pula mahasiswa dalam satu angkatan 1999 yang paling duluan (pertama) lulus kuliah dan mendapat gelar Sarjana Seni ISI Yogyakarta tahun 2004. Hasil dari komposisi motivasi, kecekatan dalam menyelesaikan tugas-tugas kuliah dan juga kecerdasan melihat peluang. Bekal ini semua tentu tidak hadir begitu saja. Dia tercipta dari perjalanan sejarah masa kecil, coretan tembok rumah hingga kejuaraan-kejuaraan masa sekolahan. Semua kejadian ada latar belakangnya, latar bibit, bebet, bobot (keluarga) dan ini menjadi pertanyaan dasarku pada Edi, “Bagaimana keluarga memberikan dorongan untuk hidup serius di jalan kesenian?”
“Dimulai dari kegemaranku coret-mencoret tembok rumah (sebelum SD), hingga orang tua mengarahkan dan membelikan/menyediakan buku tulis, buku gambar, serta peralatan dan bahan yang sederhana. Mulai SD aku makin hobi corat-coret (menggambar), nilai mata pelajaran kesenian selalu memuaskan guru dan orangtua, hingga masuk SMP. Di SMP mulai aktif mengikuti lomba menggambar, pernah juara umum lomba lukis tingkat kabupaten di tempat asalku, hal ini memicu semangat keluargaku utk mendorong/mengarahkanku keluar (merantau), melanjutkan ke SMSR di kota Palembang. Selama di SMSR, makin sering mengikuti lomba/kompetisi lukis, sering mendominasi sebagai pemenang, sampai-sampai koleksi piala berderet terpajang di rumah. Bahkan di sekolah pernah juara umum sebagai siswa paling berprestasi lho. Dari hal-hal tersebut  di atas adalah gambaran bagaimana akhirnya orangtuaku dan anggota keluarga sangat support ketika aku berniat melangkah lebih jauh lagi hingga akhirnya melanjutkan sekolah di ISI Jogja. Hmmm… padahal waktu itu aku dapat jalur PMDK di UNY, bahkan namaku yang berasal dari Sumatera itu sudah tertera di papan pengumumannya untuk segera tindaklanjuti meregistrasi ulang... eeee malah aku membelot test masuk ISI Jogja.”
 
Perjalanan Edi di bangku kuliah tentu diselesaikan dengan disiplin dalam tempo yang sesingkat-singkatnya, karena dia tentu tidak ingin membebani terlalu lama orang tua dalam hal biaya pendidikan. Dia ingin memberikan perhatian terbesarnya dalam edukasi dan menjadi bagian penting pengabdiannya atas kebanggaan kepada orang tua, “Waktu kuliah, seni adalah pengabdianku kepada orangtua dan anggota keluarga besarku. Setelah kuliah hingga saat ini, seni adalah citarasa dan pengabdianku kepada semua golongan masyarakat”, ujar Edi sambil menikmati segelas wine buah racikan rumahanku.
Nah, kalo sekarang di ring bebas ini,  bagaimana menyakinkan dirimu untuk memilih jalan seni dan bagaimana jalan ini sekarang menghidupimu? ”Seni merupakan jalan hidup, saya bersyukur bisa memilih jalan ini, saya bisa melihat banyak hal dan pengetahuan beragam melalui seni. Seni adalah universal sains! Seni adalah wadah khusus untuk menampung segala sesuatu bentuk ide, cerita, gagasan, imajinasi, dan harapan hidup. Niat disertai keikhlasan adalah sugesti dan motivasi diri dalam berproses menciptakan karya berkualitas.” 
Jadi jika seni adalah sebuah jalan berproses, bagaimana dirimu menanggapinya?...”Ya setuju, aku sepakat berkesenian itu berproses, bagaimanapun hasilnya nanti maka akan terbuka lebarlah pengetahuan tentang arti dari sebenar-benarnya hidup”. Berkaitan dengan proses berkesenian, tidak selalu ada ruang steril dan mulus disana, banyak tekanan dan intrik.  Adakah kekecewaan personal dalam berkesenian yang berkaitan dengan struktur atau sistem di luar sana?
“…Ada, ketika kepekaan sosial tidak dapat digunakan dengan baik, kualitas hidup dan berkesenian menjadi buruk nilainya. Peran pemerintah dan para pecinta seni yang kurang jeli melihat potensi besar dalam negaranya untuk diangkat ke ranah internasional mancanegara. Terlalu sibuk memikirkan untung rugi dan kekuasaan, sering luput perhatiannya untuk menyejahterakan para pekerja/pelaku seni, dalam hal ini  khususnya seni lukis”.
 
Berkarir sebagai professional artist tentu punya pandangan sendiri tentang hubungan mesra seniman dan karyanya, seperti Leonardo da Vinci sang genius universal dengan maha karya Monalisa yang penuh misteri, atau Vincent van Gogh dengan segudang lukisannya sebagai bagian dari terapi jiwanya. Bagaimana denganmu, bung Edi,…”Seniman harus menggunakan imajinasi dan bakatnya untuk membuka lebar pandangan/pengetahuan estetikanya tanpa batas kepada semua orang dan juga merupakan upaya seseorang utk membuka kebenaran dan identitas dunia bathin. Melalui kreativitas, karya seni kelak menemukan nilai terbaiknya menjadi warisan budaya yang bermanfaat”.
Edi Maesar pelukis yang memiliki semangat juang yang tangguh, sebagai perantauan, kehendak untuk cengeng dan mudah putus  asa tentu dia tepis sedalam-dalamnya, namun bukan berarti hidupnya lancar damai tanpa halangan dan juga godaan. Dalam keadaan pasar seni rupa (sektor penjualan) lesu, paceklik dan susah akses, dia harus memikirkan teknis finansial keluarga yang tetap diranah kreativitas. Edi bukan tipikal seniman yang individu dan asosial dalam bergaul dan berkelompok. Tercatat dalam proses ini dia tergabung di komunitas perupa Palembang Sanggar Bidar Sriwijaya, kelompok angkatan lukis Gledek’99, kelompok lukis BLOK9 dan yang terakhir kini didaulat menjadi ketua PERJAM, Perupa Jalan Malioboro Yogyakarta. Salah satu keputusannya dalam proses pematangan diri, survival yakni menjadi pelukis jalanan yang siap tanding, untuk menerima orderan lukis wajah on the spot maupun lukisan model lainnya sesuai dengan selera peminatnya. Tantangan ini juga membuka cakrawala baru dalam mengenal relasi kuasa seni, seniman dan masyarakat yang dulu tidak terpikirkan olehnya bahwa seniman harus mampu lentur menghadapi liku derita berproses walau diluar keinginan idealnya. Edi memang sejak awal tidak ingin bekerja atau berpenghasilan dari kerja sektor formal lainnya selain melukis. Proses melukis dengan metode kerja yang on the spot, outdoor painting, menjadi energinya untuk tetap waras, dan melepaskan diri dari berbagai tekanan serta sebagai penghibur diri.
Menakar estetika lanskap lukisan profesional Edi Maesar cenderung bernafas impresionistik, walaupun sebagai pelukis akademik dia bisa melukis dengan berbagai macam gaya dan aliran. Hal ini dapat ditandai dengan penggunaan warna yang cerah cemerlang, tarikan kuas yang tegas, kadang pendek dan panjang, serta kemampuan menangkap cahaya yang jeli pada objek-objek lukisannya dan diselesaikan dengan goresan yang efektif dan cepat. Edi merasa dia klik, sejiwa dengan bahasa visual ini, energinya yang meledak-ledak dan spontan serta ketidakpatuhannya pada warna-warna alami yang tampak di mata, menyebabkan eksplorasi karyanya penuh kejutan, bertekstur dan dinamis, seperti yang tampak pada sejumlah 151 lukisan yang dipamerkan di Miracle Prints Art Shop & Studio, salah satunya karya Uncovered Motherland, 2018, menggunakan warna oranye cerah pada kulit wanita, impresi langit dan pemandangan alam yang simple namun dengan goresan yang kuat.
Dapat diamati bahwa pelukis impressionisme membawa kesegaran dalam seni lukis dengan warna-warnanya yang cerah, kebebasan garis, dan yang paling penting cahaya dalam lukisan karya mereka menjadi ciri khas tersendiri. Impressionisme adalah aktivitas melukis di luar ruangan, tidak melukis di dalam studio, mereka disebut sebagai outdoor painters, karena kaum impressionisme cenderung menangkap cahaya dengan cepat, selesai dalam waktu itu juga dan tidak menghendaki pendetailan. Dalam impressionisme murni, penggunaan cat hitam dan coklat  dihindari terutama untuk bayangan, cat basah ditimpa ke dalam cat basah tanpa menunggu kering, untuk menghasilkan batas lembut dan pembauran warna, hal yang demikian itu betul-betul telah menjadikan impressionisme mempunyai pewarnaan yang segar meriah karena setiap warna digunakan dengan kedalaman yang penuh.
Kedalaman lainnya dalam lukisan Edi adalah kepekaannya secara simbolik terhadap berbagai fenomena, persoalan kemanusiaan, alam, politik hingga cinta kasih. Secara sadar Edi membangun interaksi simbolis melalui karyanya dengan orang lain. Melalui objek-objek simbolisnya, ekspresi seni tidak saja berdimensi pada pemberian makna terhadap realitas sosial, tetapi lebih sebagai media pembangkit kesadaran kritis dan aksi perubahan. Dengan demikian seni merupakan proses simbolisasi oleh seniman dari dorongan psikisnya. Fantasi akan menjadi seni jika diungkapkan dan dikontrol oleh ego yang tidak bertanggungjawab, realistis, dan logis. Albert Camus mengatakan bahwa diluar bingkai, seniman adalah orang yang menolak dan sekaligus menerima dunia. Seniman juga ingin mengubah dunia menjadi lebih indah, lebih teratur, dan lebih bermakna.
Setiap orang memiliki persepsinya sendiri pada hal-hal yang ideal, kesadaran kritis terhadap perubahan serta cara personal untuk mengungkapkannya. Edi Maesar melalui penggayaan lanskap lukisannya selama rentang dua puluh tahun ini, setidaknya memiliki kesadaran  seni sebagai sublimasi dari bentuk tekanan energi psikis yang bersifat individual dan diekspresikan dalam karya seni; dan seni sebagai bentuk penyadaran bagi masyarakat terhadap fenomena sosial dari kepekaan sosial terhadap situasi kehidupan, dalam hal ini seni berfungsi sebagai media kritik terhadap kenyataan agar terjadi perubahan dalam sistem sosial dan budaya dalam masyarakat yang sesuai dengan harapan. Tema-tema subject matter lukisannya sangat beragam; terkandung nilai penyadaran, pembebasan, kontemplasi diri,  hingga spiritual. Inilah jalan pencerahan Edi Maesar dalam proses pematangan diri dalam atmosfer medan kesenian.
 
Melukis sak modare, hingga mata tak mampu lagi mendefinisikan warna.
 
Selamat berpameran kawanku, Edi Maesar dan temukan hasratmu dalam relasi hangat seni, seniman, dan masyarakat.
 
 
Teras Kali Bedog, Yogyakarta, Januari 2019
I Gede Arya Sucitra
Teman satu angkatan Edi Maesar
 

 
 

Press release
COSMIC TURN
Pameran Tunggal Dona Prawita Arissuta
Waktu                   : 21 Desember 2018 – 18 Januari 2019
Tempat                                : Miracle Prints, Suryodingratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
Penulis:                                : Faizal Kamandobat & Dessy Rachma Waryanti
Pembukaan        : Jumat, 21 Desember 2018, pukul 16.00 (4 sore)
Dibuka oleh        : DR. Edi Sunaryo
Contact person : Ria Novitri/WA: 0815 3981 6190
Galeri buka         : Senin – Sabtu, pukul 10.00 – 17.00 (Minggu & hari besar tutup)
Website               : www.terasprintstudiocom,           Email                 : miracle8artshop@gmail.com
Fb                           : Miracle Art’s                                     IG                          : Miracle_Art
 
Pengantar Galeri
Dona Prawita Arissuta pastilah seniman yang berkomitmen kuat. Betapa tidak, sebagai ibu dari dua anak kembarnya, dan disela kesibukannya mengajar di UNS Solo, ia tetap produktif membuat karya-karya baru. Setidaknya tercermin dalam pameran tunggalnya kali ini di ruang pamer Miracle Prints.
Ternyata ini merupakan pameran tunggalnya yang pertama. Sudah lama ia merencanakan membuat pameran tunggal karya-karyanya di beberapa ruang seni yang telah dipilihnya, namun ada saja penghalang sehingga rencananya tersebut kerap kandas. Namun kali ini, berhadapan dengan ruang pamer yang hanya seukuran total 3,5 x 7 m, Dona seakan tak kuasa menunda lagi keinginannya berpameran. Ia menata ulang standar sebuah pameran tunggalnya sebelum ini yang mensyaratkan harus begini harus begitu dan mengharuskan menghadirkan sekian banyak karya karena ruang pameran Miracle Prints tentu saja tidak mampu menampungnya. Tapi justru kondisi demikian memudahkan jalannya karena ia dapat leluasa memangkas semua hal yang jadi kendalanya selama ini dalam merencanakan pameran tunggal.
Ruang kecil pameran di Miracle Prints sejatinya memang disediakan bagi seniman untuk memudahkan segala hal. Seniman dapat mempresentasikan proyek-proyek kecilnya, proyek uji coba, hal remeh-temeh sampai yang dianggap bukan apa-apa.  Tetapi juga ruang ini tidak menampik menampilkan proyek serius sampai hal-hal yang dianggap berat. Ruang ini fleksibel saja sepanjang seniman tersebut memiliki komitmen kuat dan tidak cepat puas.
Dona termasuk seniman yang tidak cepat puas. Ia mengotak-atik media utamanya, seni keramik, sehingga memiliki tampilan seni rupa keramik yang personal, khas miliknya. Ia melukisi keramiknya, melukisi latar belakang dan pinggirannya, menempel dan meleburkan batas-batas rupa dua dimensional dan tiga dimensional.
Pameran ini bertajuk “Cosmic Turn”. Penyair dan peminat seni rupa Faizal Kamandobat menuliskan sebagai berikut:, “Dengan kemasan penuh warna-warna riang, bentuk-bentuk naif dan judul-judul yang hangat, pameran Donna tak ubahnya sebuah festival yang mendamaikan ketegangan dari persinggungan berbagai kosmologi yang berbeda—baik tatanan, cara kerja dan orientasinya”. Bolehlah kita berharap, aura yang mendamaikan dari karya-karya Dona  dapat sampai juga kepada kita para penonton.
Kami merasa bangga menjadi ruang pembuka bagi pameran tunggal pertama seniman ini. Semoga dalam waktu yang tidak lama lagi kita mendengar ada pameran tunggal-pameran tunggal berikutnya darinya.
 
Selamat menikmati pameran dan selamat menyambut Natal dan Tahun Baru 2019!
Miracle Prints
………………………..
 
Cosmic Turn:
Sahabat Imajiner Pereda Ketegangan


Oleh Faisal Kamandobat
 
I
Seniman Donna Arisutta menampilkan karya-karya dengan medium lukisan, terakota dan porselin yang dibingkai dengan tema Cosmic Turn. Judul tersebut di sisi lain merefleksikan hadirnya kosmologi yang telah hilang lewat karya-karyanya, dan di sisi lain kosmologi itu sebenarnya ada namun tidak lengkap atau telah jauh dari realitas sosial sehingga perlu diundang agar menjadi manifes kembali. Dalam pengertian pertama, Donna menampilkan karya-karyanya layaknya sesaji untuk mengundang sebuah wawasan yang telah lenyap, sedang dalam pengertian kedua ia sedang menyatakan kembali—secara lebih gamblang dan baru--sebuah wawasan yang telah semakin abstrak atau hampir punah.
 
Jika melihat kosa kata visual dan judul karya-karyanya, Donna tengah merasa berada dalam sejarah, peradaban atau kosmologi yang tidak ia inginkan namun harus dialami. Ia merasa terasing dan tidak nyaman di tengah realitas di mana ia berada, dengan segala sesuatu ditata dalam format yang kurang sesuai dengan struktur mental dan nalarnya. Karena itu ia merasa perlu menghadirkan tradisi dan kosmologi yang selaras dengan cara mengingat sebagaimana sosok Ganesha, dan bersama dengan itu muncul sosok Semar sebagai pusat mandala dari tata kosmologi Jawa—latar belakang kultural Donna.
   
Dengan mengingat itulah, bagi Donna, ia akan mampu bertahan menjalani hidup dalam realitas yang ditata tidak sebagaimana latar kulturalnya. Dalam ingatan Ganesha itulah, bagi Donna, warisan lama itu dipelihara—dengan sosok Semar sebagai bentuk “superkonduktor” yang merangkum bentang kosmologi tersebut. Setelah mengingat, Donna lantas mengejawentahkan ingatan tersebut dengan menampilkan Ganesha dan Semar di antara figur-figur dari peradaban yang berbeda. Dengan cara itu sebuah kosmologi yang perlahan hilang atau menguap, sebuah tradisi yang kian terasing, dapat hadir kembali dalam realitas kontemporer.
 
Hal yang menarik dari pameran Cosmic Turn Donna adalah adanya ambiguitas atau bahkan friksi antara Ganesha dan Semar di satu sisi dan di sisi lain figur-figur dari peradaban lain serta konteks kehadirannya dalam ruang seni rupa kontemprer. Hal tersebut di satu sisi menunjukkan adanya dialog antar entitas dari peradaban dengan kosmologi yang berbeda, namun di sisi lain bisa berarti alienasi dan bahkan “pertengkaran” antara—dalam kategori lebih umum dan sederhana—tradisi dan modernitas. Apapun yang sesungguhnya terjadi atau dialami oleh Donna, hal tersebut merefleksikan bahwa ia hidup dalam tarik-menarik antar kosmologi, peradaban dan tradisi yang berbeda, tidak hanya secara sosial namun juga secara mental dan intelektual.
 
Sebagai orang Jawa Donna hidup dalam tradisi dan kosmologi tradisionalnya, sebagai seniman modern ia hidup dengan materialitas, konseptualisasi dan mekanisme yang berbeda dari tradisinya. Bahkan lebih jauh lagi, modernitas dunia seni rupa Donna hanya bagian kecil dari tatanan modernitas yang lebih besar, dengan makna dan orientasi yang sama sekali berbeda dari tradisinya. Dalam konteks ini, sosok Donna adalah metafor dari banyak orang Indonesia lainnya yang hidup dalam dua atau tiga kosmologi yang berbeda. Di satu sisi ia adalah orang Jawa, dan di sisi lain ia hidup dalam tata nilai, benda-benda dan cita rasa modernitas yang bukan dari dan belum tentu selaras dengan latar kulturalnya. Namun begitu, dua budaya, kosmologi dan tradisi tersebut sama-sama tak bisa ditolak, sehingga alih-alih bertarung dalam benak lebih baik dilebur dalam karya-karyanya.
 
Dengan keterampilannya, Donna membuat figur-figur dua kosmologi tersebut dari keramik—buah inovasi klasik manusia yang bertahan hingga kini. Tokoh wayang dan gunungan bersanding dengan patung-patung fauna berlatar lukisan floral, juga manusia-manusia dalam gaya naif sebagai hasil deformasi realisme modern dengan pipa sebagai ungkapan empati pada nasib para petani tembakau. Dan bersamaan dengan karya-karya yang “bermakna”, juga muncul karya-karya yang “berfungsi” dalam rupa cangkir dan lodong alias toples. Dengan kemasan penuh warna-warna riang, bentuk-bentuk naif dan judul-judul yang hangat, pameran Donna tak ubahnya sebuah festival yang mendamaikan ketegangan dari persinggungan berbagai kosmologi yang berbeda—baik tatanan, cara kerja dan orientasinya.     
 
II
Barangkali tidak ada fase dan jenis peradaban dengan volume benda-benda sebanyak peradaban saat ini. Populasi manusia yang terus meningkat membentuk daftar permintaan konsumsi yang tinggi, sehingga memaksa inovasi demi percepatan produksi dan distribusi menuju kantong-kantong hunian manusia. Bersamaan dengan itu, ekonomi pertumbuhan telah membentuk stratifikasi sosial dengan kebutuhan spesifik masing-masing, sehingga inovasi tidak semata pada aspek produk dan produksi, tetapi juga terkait pembentukan tata nilai demi rasionalisasi harga komoditas yang digulirkan kepada konsumen.

Dengan cara itulah, aneka ragam benda yang memenuhi perdaban ini hadir dalam persepsi kita sebagai sebuah struktur yang tertata dalam berbagai jenis, level dan segmen, terorganisir dengan baik sebagai sebuah sistem pengetahuan, sehingga peradaban ini menjadi masuk akal bagi sekitar tujuh miliar penganutnya. Seandainya benda-benda tersebut hadir sebagai kumpulan barang yang tidak tertata dan teratur, niscaya kapitalisme sebagai mesin penggerak peradaban ini sudah ditinggalkan dan diganti model-model yang lain, dan barang-barang produksinya tak ubahnya rongsokan yang memehuni bumi layaknya penampungan sampah raksasa.
 
Kecanggihan kapitalisme, dengan demikian, bukan hanya sebagai konsep ekonomi namun juga konsep kultural. Itulah yang membuat ia bisa menjadi tahapan lebih lanjut dari migrasi manusia setelah menghuni peradaban-peradaban lain dan dari fase sebelumnya karena keduanya memiliki karakteristik sebagai sebuah tatanan yang teratur sebagaimana tampak pada peradaban berbasis etnis dan agama atau gabungan dari keduanya. Bedanya adalah, dalam peradaban kapitalisme volume produksi barang lebih cepat dan massif dibanding produksi maknanya, sehingga manusia sendiri kemudian menjadi objek dan bukan subjek di dalamnya.
 
Sedang peradaban non-kapitalis, jumlah produksi barangnya tidak terlalu massif mengingat basis produksinya yang masih sederhana, biasanya berupa pertanian dan manufaktur kecil dengan teknologi secukupnya. Namun begitu, produksi kulturalnya bisa tumbuh luar biasa, sehingga sejenis makanan atau kain tenun sederhana bisa mengandung pengetahuan satu buku tersendiri. Dengan kata lain, peradaban tradisional defisit secara material sehingga membentuk ikatan solid dalam keterbatasan barangnya, sedang peradaban kapitalsme mengalami defisit secara kultural sehingga tidak sedikit orang yang memiliki kelimpahan harta benda namun tidak mengetahui dengan baik manfaat dan fungsinya.
 
Namun, apa yang membuat manusia dapat hidup dalam dua model peradaban tersebut adalah persamaan bahwa keduanya merupakan sebuah tatanan pengetahuan yang teratur sehingga dapat dipahami, dihuni,dan kemudian dikembangkan. Horison realitas dalam berbagai peradaban sebagai sistem pengetahuan yang teratur itulah, dengan karakteristik dan persoalannya masing-masing, membuat setiap peradaban disebut sebagai sebuah kosmologi, kendati basis ontologis dan kosmogoniknya berbeda-beda atau bahkan bertentangan.
 
Peradaban kapitalisme yang berjubel benda-benda berakar jauh pada era Pencerahan yang sekuler, di mana keberadaan manusia dan realitas merupakan sebuah lanskap yang terbentang tanpa campur tangan Ilahi. Sebaliknya, peradaban-peradaban tradisonal membentang realitas sebagai pancaran dari wawasan Ilahi yang bersifat suci. Dalam peradaban kapitalisme, sejarah bergerak tanpa kekuatan metafisis—katakanlah sebuah “narasi besar”—yang mengendalikan gerak dan orientasinya, sedang dalam peradaban-peradaban tradisional sejarah bergerak sebagai manifestasi dari kehendak Yang Maha Suci, sesuai siklus ekonomi alami—pertanian dan lautan.
       
III
Di bagian belakang rumah Donna berbagai kreasi keramik berjajar dan bertumpuk memenuhi meja, rak dan dinding. Beberapa dari mereka berupa manusia, beberapa yang lain binatang, dan sebagian lagi berupa wadah-wadah. Seluruh entitas itu adalah sebuah dunia yang sengaja diciptakan, hampir sebagai keharusan, agar Donna memiliki tradisi dalam kosmologi peradaban modern. Hanya dengan mencipta para sahabat itulah, baik dari kosmologi Jawa atau modernitasnya, ia akan mampu menjalani sejarah dan takdirnya secara lebih bermakna, selaras dan nyata. Semacam kontemplasi praktikal yang dilakukan bukan untuk mendapatkan ndaru atau pulung, tapi sebagai peleburan berbagai tatanan dalam dirinya, agar batinnya tenang.
 
Praktik semacam itu, selain sebagai jalan keluar dari ketegangan kultural atau kosmologis, juga merupakan manifestasi lebih lanjut dari kodrat Donna sebagai seorang perempuan yang dikaruniai keceradasan lebih mengelola benda-benda dari ukuran paling mikro seperti aneka bumbu hingga yang besar berupa rumah—wadah manusia, jelamaan artsitektural dari kosmos agung itu. Ia mengatur letak segala sesuatu, menempatkan mereka di sana, merawat dan menjaganya, sehingga semua benda berada dalam tatanan (kosmos) yang telah ditetapkan. Di tengah semua itu, Donna sendiri layaknya seorang ratu, pusat dunia dari kosmologi benda-benda ciptaanya.
 
Praktik semacam itu mungkin akan berbeda jika dilakukan oleh seorang laki-laki yang kerap kurang cermat dan sabar mengelola mulai bumbu dapur, suara ketel, gorden rumah sampai tagihan listrik sehingga, karena tak kuasa menjadi penguasa di rumah, banyak dari para lelaki pergi keluar dan tampil layaknya pemguasa atau sejenis “orang penting” di hadapan dunia. Dengan kata lain, kodrat Donna sebagai seorang perempuan yang dikaruniai kecerdasan dalam mengelola alam benda memungkinkan dia mampu mendamaikan perbedaan atau bahkan pertikaian kosmologis di ruang publik di dalam ruang laboratorium domistiknya dengan cara ditransformasikan dan diejawentahkan ke dalam benda-benda sebagai rupa tokoh-tokoh rekaannya.
 
Dalam salah satu karyanya, Hard Worker, si koboi dan mas raden merokok bersama, pula dalam Best Friend di mana boneka kelinci dan lelaki berkumis jalan berpelukan sambil menikmati pipa dari berbagai jenis dan cita rasa tembakau (Blended by Taste). Tak jauh dari sana, sosok berkuping panjang serupa kelinci itu menaiki para binatang pada berbagai talenan dalam Pilgrim, dan hadirlah tokoh wayang dan prajurit tardisional di antara bunga dan pohonan dalam Cosmic Turn, hingga dalam The Lovely of Few Thing Kakek Semar si pusat kosmologi dan Ganesha si perawat pengetahuan tampil di antara gunungan, flora dan fauna. Pada Sea Eyes Priceses, para ratu memandang dengan mata membelalak, muncul perlahan-lahan dari ceruk sebuah kapal, bersiap memasuki dunia baru—manakala kita membuka sejarah untuk mereka—kreasi menakjubkan dari Donna Arisutta.
 
Selamat berpameran! 
 
 
Penulis adalah penyair, peminat seni rupa dan peneliti di Abdurrahman Wahid Centre Universitas Indonesia, Jakarta
 
………………….
Cosmic Turn:
Percakapan dengan Semesta.
 
Oleh:
Dessy Rachma Waryanti.
Tanah liat adalah tanah yang bercampur dengan air pada prosentase 70:30. Ia mengering melalui suhu ruangan, jika terpaksa berada di bawah sinar matahari ia perlu diawasi agar tak terlalu kering lalu retak di sisi tertentu dengan tidak bersamaan. Selama seminggu calon keramik didiamkan, masuklah ia ke dalam tungku untuk pembakaran tahap 1 hingga suhu 800°c, tanah liat yang plastis kemudian mengeras. Di hiasilah dengan bahan pewarna yang bernama glasir. Setelah kering suhu udara, ia masuk lagi ke tungku dan dibakar kembali hingga suhu 1200°c selama 6 hingga 8 jam. Mudah bukan?.
Secara teori saya dapat menjabarkan dalam satu paragraf besar berisi 5 kalimat. Namun prosesnya lebih dari 30 episode sinetron. Delapan jam bukanlah waktu yang singkat untuk menunggu proses kelahiran masterpiece ke dunia. Seniman keramik tak jarang bertanya apakah karya yang dikerjakan selama dua minggu, dikeringkan selama seminggu akan baik-baik saja di dalam tungku. Belum lagi jika ada suara “duk” dari dalam. 
Kecemasan terbayar lunas saat tungku di buka dan tidak ada karya yang gagal. Semua baik, hati berlimpah syukur. Proses berkeramik adalah proses berkesenian yang kosmik dan estetis. Bermain dengan empat elemen abiotik yakni tanah, api, air, dan udara; seniman keramik bermusyawarah dengan kepekaan karsa yang dimiliki untuk dapat mewujudkan ekspresi melalui keramik.
Manusia dan alam, sebenarnya sudah menjadi isu yang terus menerus diulang. Keramik menawarkan keindahan lain yang bersifat kosmik dalam sebuah ‘kecemasan menunggu’ akan lahirnya masterpiece, seperti menanti anak yang telah dikandung selama Sembilan bulan.
Karya-karya yang dihasilkan Donna baik dalam pameran ini maupun pameran-pamerannya yang lalu telah memberi penawaran nilai estetis keramik dalam bentuk pembakaran paling modern dan maksimal. Warna-warna yang muncul tak jauh beda seperti pada lukisan. Keramik kemudian bisa memiliki warna merah, biru, kuning, dan  lain-lain, bukan lagi warna alam. Teknik pewarnaan yang modern ini kemudian menghadirkan bukti bahwa proses kosmik selalu senada dengan adanya dimensi waktu. Daun tak selalu hijau, kan?
Rangkuman-rangkuman proses ini bersinergi secara dialektik, terus melakukan percakapan dengan unsur dan elemen yang berkembang. Kesadaran kosmik atas cara seniman bekerja dengan alam dan waktu dalam wacana modernitas tidak dapat dipahami hanya melalui kata-kata tentang deskripsi karya. Pameran ini memberi sinyal bahwa hal kosmik dari yang paling kosmik adalah cara seniman keramik bekerja dengan material lingkungan (tanah, air, api, udara) dalam dimensi waktu.
[fin].
 

PRESS RELEASE
Pameran 3rd Jogja International Miniprint Biennale 2018
Tema                                                      :  Messages From The Matrix
Waktu                                                    :  20 - 30 November 2018
Tempat                                                  :  Museum Dan Tanah Liat (MDTL),
                                                                     Ds. Kersan Rt. 5, Tirtonirmolo, Kasihan-Bantul, Yogyakarta
                                                                     55181
Peserta                                                  :  Finalis 3rd JIMB 2018 dengan 117 karya miniprint dari 65 seniman grafis 27 negara.
                                                                     Kelompok seniman grafis undangan dari China dan Filipina sebanyak 39 karya miniprint dari 29 seniman
Dibuka oleh                                         : Dr. Nasir Tamara MA, MSc.
Sambutan oleh                                   : Dr. Edi Sunaryo
Acara                                                      : ‘Monotype party’, art talk dan musik.
Marcom media                                  :  Ria Novitri/+62 815 39 806190
                                                                     miracle8artshop@gmail.com (e-mail)
 
Pameran 3 th Jogja International Miniprint Biennale 2018 : Messages From The Matrix
Setelah melewati proses penjurian oleh A. Sudjud Dartanto (ketua), Malcom Smith (anggota), Deni Rahman (anggota) pada Minggu (28/10) di Miracle prints - art shop Jalan Suryodiningratan MJ. II/853, Mantrijeron, Yogyakarta terpilih 117 karya grafis dari 65 seniman dengan perincian 15 seniman grafis berasal dari Indonesia dan 50 seniman dari luar negeri. Total negara yang lolos sebagai finalis ada 27 negara yaitu: ARGENTINA , AUSTRALIA , BANGLADESH,  BRAZIL, BULGARIA, CANADA, CROATIA, ESTONIA, FINLAND, FRANCE, GERMANY, HUNGARY, INDIA, INDONESIA, ITALY, JAPAN, MALAYSIA, NETHERLAND, POLAND, RUSSIA, SERBIA, SINGAPORE, SPAIN, THAILAND, UK, UKRAINE, USA
Dalam penjurian sebanyak 351 karya grafis ukuran kecil dari 42 seniman grafis Indonesia dan 107 seniman grafis luar negeri dari 32 negara yang masuk pada panitia 3rd JIMB 2018 dilakukan penjurian melibatkan tiga juri. Penjurian yang dilakukan untuk menyaring karya grafis yang lolos ke final. Dari keseluruhan karya grafis yang masuk, diambil 117 karya miniprint untuk masuk dalam tahap final 3 rd JIMB 2018. Ke-117 karya miniprint finalis akan dipamerkan bersama karya kelompok 29 seniman grafis dari China dan Filipina. Pada pameran 3 rd JIMB 2018 akan diumumkan Three Best Works, Three Excellent  Works.
"Aspek penjurian pada dua hal, pertama menyangkut teknis dimana seni grafis adalah hal yang tidak bisa terlepas dari urusan teknik (yang benar) untuk menghasilkan karya secara visual. Yang kedua berkaitan dengan tema yang ditawarkan. Bagaimana seniman merespon tema dengan tawaran-tawaran karya (baru) dalam kedalaman karyanya dimana kehidupan atau kebudayaan saat ini adalah abad citra/penanda. Karya dengan visual dan konsep (kesesuaian tema) yang kuat itu yang kita cari," ungkap ketua juri Sudjud Dartanto sesaat setelah selesai penjurian 3rd JIMB 2018, Minggu (28/10).
Lebih lanjut Sudjud menjelaskan dengan tema JIMB #3 yang mengangkat tajuk "Messages From The Matrix" menjadi penanda/citra yang lain untuk menghasilkan kostruksi/referensi baru yang bisa bersumber dari realitas itu sendiri.
Selain penghargaan, pemenang akan mendapat kesempatan pameran yang rencananya akan dilakukan pada tahun 2019 di Yogyakarta Berikut daftar pemenang dan pencapaian pada penyelenggaraan JIMB sebelumnya.
Sebagai informasi tambahan JIMB 2018 merupakan pelaksanaan yang ketiga. Pada pelaksanaan penyelenggaraan JIMB 2014 dilakukan di dua tempat, 6-13 Juni 2014 di Museum BI Jl. Senopati No 2 Yogyakarta dan 17-23 Juni 2014 di Mien Gallery, Jl. Cendana 13 Yogyakarta. Tercatat 142 seniman dengan 465 karya mengikuti seleksi JIMB 2014 terdiri dari 89 seniman Indonesia dan 53 seniman luar negeri. Dari jumlah tersebut dipilih 140 karya dari 72 seniman terdiri dari 34 seniman Indonesia dan 38 seniman Internasional asal 22 negara yang mengikuti pameran. Tiga karya terbaik dalam JIMB 2014 yakni:

1. Agung Prabowo (Indonesia) dengan karya "Stoples I", reduction linocut print on hand beaten bark daluang paper, edisi 2/3, 20 cm x 12 cm. 2014.
2. Deni Rahman (Indonesia) dengan karya "Learn to Squeezer", intaglio, edisi 3/20, 13 cm x 8,5 cm. 2014.
3. Lidija Antasijevic (Serbia) dengan karya "Bliss", etching-rotogravure, edisi 10/10, 15 cm x 18,5 cm. 2014

Sementara pelaksanaan penyelenggaraan JIMB 2016 digelar 24 Mei - 10 Juni 2016 di Sangkring art project Jalan Nitiprayan No. 88 RT/RW 01/20 Kasihan-Bantul. Pada penyelenggaraan JIMB kedua ini mengangkat tema "Homo Habilis".
Pendaftar mencapai 167 peserta terdiri dari 68 seniman luar negeri asal dari 31 negara dan 99 peserta Indonesia. Sementara karya yang masuk sebanyak 331 karya. Dari jumlah tersebut dipilih 77 seniman dengan 110 karyanya yang berhak mengikuti pameran JIMB 2016. Mereka terdiri dari 28 seniman Indonesia dan 49 seniman luar negeri. Asal 22 negara.
Setelah melewati penjurian yang ketat selama pameran diputuskan tiga karya terbaik (The Three Best Works) dalam JIMB 2016 yakni:

1. Deborah Chapman (Canada) dengan karya "Mumure", mezzopoint, edisi 4/17, 12 x 15 cm. 2016.
2. Dimo Kolibarov (Bulgaria) dengan karya "Cycle 'The Diary of Child'- The Golden Fish", etching-aquatint, edisi 3/40, 20 x 16 cm. 2015.
3. Paolo Ciampini (Itali) "The Woman", etching, edisi 8/30, 5 cm x 7 cm. 2014.

Pada penyelenggaraan JIMB 2016 kategori perlombaan ditambah untuk The Excellent Works yang diraih:

1. Silvana Martignoni (Italia) dengan karya "Infinity Vortex", mezzopoint on copper plate, edisi 3/30, 17 cm x 17 cm. 2016.
2. Weronika Siupka (Polandia) dengan karya "Gate V", etching, 16,5 cm x 13,5 cm. 2014.

Dalam hal jumlah peserta Pahlevi menjelaskan terjadi penurunan jumlah seniman yang ikut dari 167 peserta pada JIMB 2016 menjadi 149 peserta dalam JIMB 2018. Penurunan drasis justru pada peserta Indonesia yang hanya mencapai 42 peserta sementara peserta luar negeri melonjak menjadi 107 peserta dari JIMB 2016 yang diikuti 67 seniman. Jumlah ini masih ditambah 29 seniman dari China dan Philipina yang ikut serta sebagai seniman tamu, dimana karya-karya mereka tidak melalui tahapan seleksi untuk mengikuti pameran.
Batasan kompetisi miniprint dalam JIMB adalah ukuran medium/kertas maksimal 28 cm x 28 cm dengan ukuran karya tercetak maksimal 20 cm x 20 cm menggunakan teknik cetak konvensional meliputi cetak tinggi (relief print): wood cut, linocut, rubbercut, relief etching, engraving; cetak dalam (intaglio): etsa, drypoint, mezzotint, aquatint, photo intaglio, sugar print; cetak datar: lithography, photo lithography, allugraphy; cetak saring/halang: silk screen print, stensil; maupun gabungan teknik cetak konvensional yang ada. Karya dibuat dalam rentang waktu 2017-2018 dengan menerakan no edisi, tahun pembuatan, tanda tangan seniman. Setiap seniman diperbolehkan mengirim 1-4 karya.
Pameran 3 rd JIMB 2018 akan berlangsung pada 20 - 30 November 2018 di Museum Dan Tanah Liat (MDTL), Ds. Kersan Rt. 5, Tirtonirmolo, Kasihan-Bantul, Yogyakarta. Pameran rncananya akan dibuka oleh Dr. Nasir Tamara dan diberi sambutan oleh Dr. Edi Sunaryo. Berlangsung pada Selasa (20/11) pukul 15.00 WIB – selesai.
Di pembukaan juga akan dimeriahkan dengan ‘Monotype Party’, yaitu pengenalan salah satu teknik dalam seni grafis yang dapat diikuti oleh semua pengunjung yang hadir. Teknik monotype secara prinsip adalah seniman/peserta melukis dengan media tinta cetak/cat di atas lembaran plastik mika, lalu hasil lukisan dicetakkan ke lembaran kertas yang sudah dilembabkan terlebih dahulu. Pencetakan menggunakan mesin press agar hasil gambar tercetak sempurna. Hasil gambar akan terbalik posisinya dan hanya dapat dicetak satu kali. Pengunjung akan diarahkan oleh para pegrafis Yogyakarta dalam mengerjakan teknik tersebut. Acara lainnya adalah art talk bersama finalis dan pemenang 3rd JIMB yang datang di acara pembukaan. Lalu ada penampilan Eman-Eman Band.
Sebelumnya pada pukul 14.00 – 14.30 akan dilakukan jumpa pers dengan wartawan cetak dan elektronik.
 
--= Tim komunikasi media 3th JIMB 2018 =--
 
NB:
Side JIMB Exhibition “DIALOGUE IN PRINT”
21 November – 14 Desember 2018
Miracle Prints, Suryodiningratan MJ II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
37 Seniman dengan 41 karya mini print dari 22 negara.
 
 ...............
TEMA:
Pesan dari Matrix (Messages from the Matrix)
Never send a human to do a machine's job
Agent Smith
Jogja International Miniprint Biennale(JIMB) 2018 mengajukan tema Pesan dari Matrix (Messages from the Matrix). Tema ini berangkat dari perspektif penjurian yang  melihat pentingnya isu atas sifat dan keunggulan duplikatif seni grafis, dimana setiap edisi cetaknya memiliki kualitas yang sama. Dalam kosakata seni grafis, matrix adalah nama lain untuk permukaan fisik di mana gambar yang ditulis, seperti woodblock, piring, batu atau layar dapat diproduksi dalam kelipatan. Dari sudut pandang itulah JIMB 2018 mengundang peserta untuk merespons isu matrix, baik dari isu ‘matrix’ sebagai istilah sifat duplikatif seni grafis hingga filsofi matrix itu sendiri.
Reproduksi cetak itu pada perkembangannya melahirkan  mesin cetak yang kemudian mengubah dunia. Pakar Benedict Anderson menjelaskan bagaimana mesin cetak menstandardisasi bahasa dan membentuk pemahaman baru tentang komunitas. Pada pertengahan abad kesembilan belas, mesin cetak memungkinkan surat kabar dapat diproduksi, yang berarti bahwa berita, cerita, dan gambar dapat dibagikan dari tempat-tempat di seluruh dunia kepada orang-orang di seluruh dunia. Pengetahuan tidak lagi dikendalikan oleh mereka yang berkuasa, tetapi dibagikan oleh semua orang.
Di dunia pra-modern, penguasa mengendalikan sejarah yang ditulis. Para penguasa media mengontrol berita dan perasaan manusia melalui media cetak. Penguasa media dapat mempengaruhi pemilihan umum dan kebijakan pemerintah, mereka bahkan dapat menghasilkan atau menghentikan revolusi. Hari ini, mereka yang mengendalikan matriks yaitu media, termasuk mesin cetak, tetapi juga jaringan informasi digital telah mengendalikan dunia. Mesin cetak menjadi salah satu teknologi di mana modernitas dapat dicapai, dan bersamaan dengan itu, pemahaman baru tentang bangsa, kewarganegaraan, kemajuan tercipta.
The Matrix is a system, Neo. That system is our enemy. But when you're inside, you look around, what do you see? Businessmen, teachers, lawyers, carpenters. The very minds of the people we are trying to save. But until we do, these people are still a part of that system and that makes them our enemy. You have to understand, most of these people are not ready to be unplugged. And many of them are so inured, so hopelessly dependent on the system, that they will fight to protect it.
Morpheus
Seniman dapat mengendalikan untuk membuat karya seni, sebaliknya, teknologi juga mengendalikan cara membuat karya seni. Matrix memungkinkan seseorang untuk menghasilkan pelipatgandaan karya, dimana hal itu telah mendemokrasikan citra, memungkinkannya untuk dibagikan ke seluruh dunia, kepada ribuan pemirsa, bukan hanya segelintir orang elit.
 
Baudrillard,  pakar posmodern menerangkan bahwa kini kita memasuki kebudayaan simulakra, yaitu situasi dimana citra menjadi yang utama. Orang lebih mempercayai citra daripada kenyataan sebenarnya, citra telah membangun dunia sosialnya sendiri, citra mendahului kenyataan, dan bahkan menghasilkan kategori realitas baru dengan praktik penggandaan penanda hingga tak berhingga banyaknya. Inilah situasi komunikasi posmodern yang menghasilkan berbagai bentuk komunikasi baru.
Esai penjurian ini dibuat untuk memberikan latar belakang tema, perspektif penjurian dengan harapan peserta dapat mengelaborasinya kedalam karya dan berangkat dari isu yang kami tawarkan. Kami menunggu partisipasi peserta dengan teknik, bentuk dan gagasan/ide/konsep terbaik dari peserta. Selamat berkarya.
 
*Kutipan dari film The Matrix, 1999
 
Yogyakarta, Mei 2018
 
Tim Juri JIMB 2018
 
  Messages from the Matrix
Never send a human to do a machine's job
Agent Smith
The 3rd Jogja International Miniprint Biennale(JIMB) 2018 jury has chosen “Message from the Matrix” as the theme of the Biennale. The theme reflects the jury’s perspective and indicates the importance of the question of character and quality in the practice of reproduction in the graphic arts, where each edition of a work is of the same quality as the original, because each edition of a print is itself an original, not a duplicate. In the vocabulary of graphic arts, matrix is another name for a physical surface where a picture which is drawn, like a woodblock, plate, stone, or screen can be reproduced in multiple quantities. It is from this point of view of that JIMB 2018 invites participants to respond to the issue of matrix, both ‘matrix’ as a term characteristic of graphic arts as well as to the philosophy of matrix itself.  
Reproduction through printing, as it developed, gave birth to the printing press which proceeded to change the world. The historian Benedict Anderson has described how the printing press standardized language and formed a new understanding about the notion of community. By the middle of the 19th century, the printing press had made possible the production of newspapers, meaning that news, stories, and pictures could be shared from anywhere in the world to people everywhere. Knowledge was no longer controlled by those in power but became the property of everyone.     
In the pre-modern world, those in authority controlled written history. Media magnates controlled the news as well as people’s thoughts through print media.  They could influence elections and government policy and could even foment - or halt - revolutions. Today, those who control the ‘matrix’ i.e. the media, including conventional printing presses, but also digital information networks, now control the world. The printing press has become a piece of technology where modernity can be achieved and with that, a new understanding of the nation state, citizenship, and progress realized.       
The Matrix is a system, Neo. That system is our enemy. But when you're inside, you look around, what do you see? Businessmen, teachers, lawyers, carpenters. The very minds of the people we are trying to save. But until we do, these people are still a part of that system and that makes them our enemy. You have to understand, most of these people are not ready to be unplugged. And many of them are so inured, so hopelessly dependent on the system, that they will fight to protect it.
Morpheus
Artists can control the making of works of art, though on the other hand, technology can also control the methods of creating art. A matrix makes it possible for a person to produce reproductions of a work and this fact has democratized the image, allowing it to be shared to the entire world, to thousands of viewers, not just an elite few.
The post-modernist theorist, Baudrillard, has suggested that we now live in a culture of simulacrum that is, a situation where the image is primary. People believe in the image more than the reality, the image has already developed its own social world; the image precedes reality and even produces a new category of reality with the practice of reproduction permitting unlimited impressions. This is the post-modern situation which has created new forms of communication      
This essay presents the background of the theme and the jury’s perspective as a starting point in the expectation it will be elaborated in the works submitted by JIMB 2018 artists. We are waiting to see outstanding ideas, forms, techniques, and concepts from printmakers everywhere.      
*From the film The Matrix, 1999
Yogyakarta, May 2018
Jury JIMB 2018

Tulisan:
Pengantar
 
3rd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2018 hadir ditengah tarikan even-even pameran, artfair, lelang, bazar, kompetisi, bienal/trienal dari berbagai media seni rupa yang dianggap lebih ‘menjanjikan’ buat perupa Indonesia. Harap dimaklumi,  persoalan seni rupa di Indonesia setidaknya dalam dua dekade ini memang masih didominasi urusan market ketimbang membuka peluang lain yang menyentuh aspek sosial, edukasi dan kebudayaan secara luas. Media-media yang dianggap popular seperti lukisan, karya 3 dimensi, photography diserbu para perupa termasuk oleh mereka yang sebelumnya cukup militan dan memiliki kekuatan dalam hal membuat karya seni grafis.
 
Bienal miniprint ketiga ini kehilangan sebagian besar nama-nama ‘pegrafis menjanjikan’ di tanah air yang sempat mewarnai kepesertaan pegrafis dalam negeri di dua bienal sebelumnya. Celakanya pegrafis pendatang baru baik yang masih berstatus mahasiswa di perguruan tinggi seni maupun yang baru saja lulus tidak cukup punya keberanian untuk berkompetisi. Entah apa yang salah dari pendidikan seni rupa di kampus-kampus seni yang membuat mahasiswanya menjadi minder sentris. Atau mengutip pendapat salah satu dosen seni grafis di sebuah perguruan tinggi seni terkenal dengan istilah ‘cuma jago kandang’.
 
3rd JIMB kali ini total diikuti 178 seniman terdiri dari 149 seniman yang mendaftar sebagai peserta seleksi dan 29 seniman yang berpartisipasi sebagai seniman tamu dimana karya mereka tidak mengikuti seleksi dan kompetisi. Antusiasme peserta luar negeri begitu luar biasa. Tercatat 136 seniman internasional dari 32  negara  yang berpartisipasi, meningkat  hampir 200 % dari bienal 2016 yang diikuti 77 seniman internasional. Sementara seniman Indonesia diwakili hanya oleh 42 seniman atau menurun 60% dari angka 99 peserta di bienal 2016 lalu. Sebuah catatan yang buruk tentunya buat dunia seni grafis Indonesia.
 
Juri kali ini diketuai oleh A. Sudjud Dartanto, seorang pengajar dan kurator yang beberapa kali menangani pameran berskala internasional. Pada bienal miniprint kedua lalu ia menjadi juri anggota. Sementara juri anggota ada 2 yaitu: seniman Deni Rahman yang juga sebagai pengajar di ISI Solo dan Malcolm Smith, seniman, pengelola galeri/studio yang tinggal di Australia dan Yogyakarta. Mereka memilih tema “Pesan Dari Matrix / Messages From The Matrix”. Tema ini dibuat sebagai kelanjutan tema pada bienal sebelumnya “Homo Habilis” yang menekankan pada aspek craftmanship dari karya. Kali ini gagasan para peserta ditantang tentunya dengan tetap tidak melupakan aspek teknis yang kuat. Juri ingin karya peserta membuka ruang-ruang baru yang inspiratif bagi penonton lewat permainan idiom/simbol masing-masing yang telah mereka kuasai sebelumnya. Memang tidak begitu mudah menjabarkan tema tersebut secara verbal namun jika peserta membaca hati-hati essay tema tersebut apa yang diharapkan juri dapat terasakan.
 
Penjurian dilakukan pada tanggal 28 Oktober 2018 dan dilanjutkan sampai tanggal 30 Oktober 2018 karena menunggu beberapa karya peseta luar negeri yang masih tertahan di bea cukai. Tempat penjurian di sekretariat 3rd JIMB di Miracle Prints, Suryodiningratan MJ II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141. Dari 149 seniman yang mengikuti kompetisi dengan 351 karya yang masuk juri memilih 65 seniman dengan 117 karya sebagai finalis. Mereka terdiri dari 50 seniman internasional dan 15 seniman dalam negeri asal Yogyakarta, Jakarta, Bandung. Sementara seniman tamu terdiri dari 18 seniman China dan 11 seniman Philipina anggota Asosiasi Pynoprintmakers. Total negara terlibat dalam pameran 3rd JIMB 2018 kali ini 29 negara yaitu 27 negara sebagai finalis: Argentina, Australia, Bangladesh, Brazil, Bulgaria, Kanada, Kroasia, Estonia, Finlandia, Perancis, Jerman, Hungaria, India, Indonesia, Italia, Jepang, Malaysia, Belanda, Polandia, Rusia, Serbia, Singapura, Spanyol, Thailand, Inggris, Ukraina dan Amerika Serikat. ditambah 2 negara China Tiongkok dan Philipina sebagai peserta tamu. Juri juga telah memilih 6 pemenang untuk 2 kategori: 3 untuk Best Work dan 3 untuk Exellent Work. Mereka yang terpilih adalah: Antoni Kowalski dari Polandia, Evee Eesmaa dari Estonia dan Maja Zemunik dari Kroasia sebagai 3 pemenang kategori Best Work. Sementara kategori Excellent Work diraih oleh: Thamrongsak Nimanussornkul dari Thailand, Silvana Martignoni dari Italia dan Giri Widananto dari Indonesia. Pegrafis dalam negeri menyeruak diantara dominasi pegrafis luar negeri dalam even internasional ini adalah prestasi yang cukup membanggakan. Ternyata juri masih melihat sacercah harapan dari karya-karya pegrafis dalam negeri. Selamat buat mereka semua!
 
Akhirnya kami ingin mengatakan bahwa bienal miniprint ini mendapat sokongan berbagai pihak. Ada sebagian bantuan pendanaan dari Dinas Kebudayaan Yogyakarta sebagai wujud fasilitasi program Pameran Kelompok, sebagian dari administrasi peserta, donasi seniman yang dikumpulkan lewat pameran fundrising “Heading JIMB” di Miracle Prints 21 Agustus - 9 September 2018, donatur perorangan, sponsor, pemasang iklan. Kami akui masih sulit untuk mendapat sponsor sampai detik-detik menjelang pelaksanaan acara. Mungkin karena keterbatasan sumber daya kami, mungkin juga para sponsor masih wait and see dalam melihat acara ini sebagai sarana nvestasi.
 
Kepada penonton, selamat menikmati acara 3rd JIMB 2018.
 
Yogyakarta, 2 November 2018
 
Syahrizal Pahlevi/Direktur
 
 
Foreword
 
The Third Jogja International Miniprints Biennale (JIMB) is happening  in the midst of the hustle and bustle of many other art events in Yogyakarta, which partly explains the smaller number of local artists participating in the event this year.  Several promising artists who joined the first two Biennales are absent. Today we live in an environment in which the more commercial areas of fine arts such as painting, three –dimensional work, and photography are considered more lucrative and attractive. On the other hand, art students and recent graduates of art schools seem to be discouraged from taking part in the event. We also need to do something to overcome the mentality of—as a local lecturer and artist put it —“chickening out” among art students, as well as to broaden perspectives in art-making processes so as to not only meet market-driven demands, but also to respond to cultural, educational, and other social issues.
 
A total 178 artists consisting of 149 artists registered as candidates for selection in the Third JIMB 2018 and 29 artists who are participating as guest artists and whose work is not in competition. The enthusiasm of international artists is particularly striking. A total of 136 artists from 32 countries submitted work, an increase of 200% from JIMB 2016 where 77 artists participated. However, Indonesia is represented by only 43 artists, a decrease of 60% from the 99 Indonesian artists who participated in JIMB 2016; a sad commentary on the world of Indonesian graphic arts.  
The jury is led by A. Sudjud Dartanto, a lecturer at ISI Yogyakarta and an experienced curator who has participated in several international exhibitions. Previously, Mr. Dartanto also served as a jury member of the 2nd JIMB. The other jury members for this year’s event are Deni Rahman, an artist and lecturer at UNS Solo, and Malcolm Smith, an artist and gallery/studio owner who divides his time between Yogyakarta and Australia. The jury has chosen the theme “Message from the Matrix”. It is considered a continuation of the previous Biennale theme, “Homo Habilis” which stressed the aspect of craftsmanship in graphic art. This year’s theme aims to challenge artists to open new spaces of interpretation that will inspire visitors to the show through the manipulation of symbols which they have mastered. It is not a simple thing to do, but with a careful reading, the perspective and expectations of the jury can be understood.
 
The selection was held from 28 to 30 October at JIMB Secretariat: Miracle Prints, Suryodiningratan, Mantrijeron, Yogyakarta. The jury has chosen 117 artworks from 65 artists as finalists consisting of 50 international participants and 15 Indonesian participants from Yogyakarta, Jakarta, Bekasi, Bandung and Bali. Guest artists, include 18 Chinese artists, and 11 Philippine artists, members of the Pynoprintmakers Association. Artists from the following countries took part in this year’s event: Argentina, Australia, Bangladesh, Brazil, Bulgaria, Canada, China Croatia, Estonia, Finland, France, Germany, Hungary, India, Indonesia, Italy, Japan, Malaysia, The Netherlands, the Philippines, Poland, Russia, Serbia, Singapore, Spain, Thailand, UK, Ukraine, and the USA.
 
We have six prize winners in the two categories of the competition; three winners for Best Work and another three for Excellent Work. The three Best Works chosen are: Antoni Kowalski (Poland), Evee Esman (Estonia), and Maja Zemunik (Croatia). For the three Excellent Works we have Thamrongsak Nimanussornkul (Thailand), Silvana Martignoni (Italy), and Giri Widananto (Indonesia). It is good to see that there is a local artist among the international winners. Congratulations to all!
 
We would like to thank everyone whose contributions enabled us to move forward with JIMB 2018. Dinas Kebudayaan Yogyakarta, all JIMB 2018 participants, the artists who participated in the “Heading to JIMB 2018” fundraising event at Miracle Prints from 21 August – 9 September 2018, our donors, event advertisers, and sponsors. Although obtaining sponsorships was difficult up to the last minute but here we are! Our gratitude goes to the participants who kept the faith in the event. Hopefully future Mini-print Biennales will be even better! Please enjoy the 3rd JIMB exhibition!
 
Yogyakarta, November 2nd, 2018
 
Syahrizal Pahlevi, Director
English translation by Rira Nurmaidah and Jerry Chamberland
 

 
 
Catatan Penjurian
 
Begitu sulit untuk menentukan pemenang. Seperti yang dikatakan oleh para juri, proses seleksi berlangsung dengan ketat, dengan pertimbangan teknis, dan tema. Bongkar pasang kandidat pemenang terjadi berkali-kali, dan terjadi diskusi cukup intens antara kami. Mencari yang terbaik dari yang baik sangatlah sulit dan pelik. Namun hasil harus ditentukan, dan dengan pertimbangan aspek teknik, tema dan karisma karya, maka kandidat pemenang telah diputuskan.
 
Bagi yang tidak menang bukan berarti Anda tidak mencapai keberhasilan teknik, bentuk dan tema penjurian, namun Anda menang dengan sudut pandang yang beragam, sebagaimana relativitas kebenaran dalam Film Matrix yang menunjukkan filosofi dunia simulasi dari dunia nyata. Apa yang justru nyata adalah dunia simulasi itu sendiri, namun bukan berarti ini sebuah surealisme, dunia simulasi menggunakan realisme sebagai dasarnya, dunia simulasi ini mempercepat kita memasuki abad pasca kebenaran(post thruth). Inilah dunia masa kini dimana yang nyata kabur dan yang palsu malah menjadi benar. Bagaimana itu ditafsir oleh peserta JIMB? Inilah yang menjadi bingkai pameran Jogja International Miniprint Biennale 2018 ini.
Selamat menikmati
 
Sudjud Dartanto
 
 
 
Jury Notes
 
It was exceptionally difficult to determine the winners of JIMB 2018. As members of the jury stated, the selection process was very strict particularly regarding technical considerations and handling of the theme. Rethinking the wining candidates happened again and again and intense discussions occurred among the jurors. Choosing the best of the best was difficult and complicated. Nonetheless, decisions had to be made and in consideration of technical aspects, realization of the theme, and the particular charisma of the individual works, the winning candidates were selected.      
 
For those artists who did not win it doesn’t mean that they were not technically successful, nor failed in regard to the form and handling of the theme. However the artists were successful from the point of diversity, insofar as the relativity of truth in the film Matrix exemplified a world view or philosophy, a simulation of the real world. What is real is the simulated world itself (although not a kind of surrealism) a simulated world uses realism as a base. This simulated world hastens our entry into the post-truth era. This is the world of today where the real is elusive and the false becomes real. How was this interpreted by JIMB participants? This is the exhibit frame of the Jogja International Miniprint Biennale 2018. 
 
Sudjud Dartanto
 
English translation by Jerry Chamberland

Thoughts on judging
I don’t really like competitions. There is no right or wrong artwork, so there is no better or worse artwork either. “Beauty is in the eye of the beholder”. An artwork means something different to everyone. So how can a “judge” claim to know what is good for everyone else? 
In the process of selecting the finalists and the three final “winners” of this competition, we had certain criteria that we discussed. Firstly we needed to knock out the entries that did not conform to the selection criteria – size, edition, technique etc. Then we chose all the works that we thought engaged technically with the medium of print in interesting ways. This was actually more than half of the works. Then we looked at how these works addressed the theme of the show – the idea of the “matrix”. Then we looked more closely at other criteria; aesthetics, composition, subject matter and so on.
We ended up with a shortlist of works that ticked all of the aforementioned boxes. But the problem is, I wasn’t really excited about many of these works. Just because an artwork ticks all the correct boxes doesn’t make it interesting. Actually, in my opinion, its always the artworks that break the rules, that don’t fit neatly into any category, that annoy me or offend me, that I think in the end are the most interesting ones. These artworks have a kind of transgressive charisma, a “fuck you” attitude that doesn’t really care if they are a “winner” or a “loser” in anybody else’s eyes.
So congratulations to everyone in this show. If you don’t care about winning, then you have already won. And if anyone should be judged, it is the judges.
Malcolm Smith
 
 
Sekelumit Pikiran Soal Penjurian
Saya tak suka kompetisi. Bagi saya, tak ada karya seni yang salah atau benar. Karena itu tak ada karya yang lebih baik maupun lebih buruk dari yang lainnya. Ada sebuah pepatah, “beauty is in the eye of the beholder”, indah itu tergantung mata yang memandang. Sebuah karya seni mengandung makna berbeda bagi setiap orang. Jadi, bagaimana bisa seorang juri dapat mengklaim dirinya tahu apa yang bagus untuk semua orang?
 
Pada proses seleksi finalis dan tiga karya “pemenang” dalam kompetisi ini, tim juri menentukan sejumlah kriteria untuk didiiskusikan. Pertama, kami harus mengeliminasi karya-karya yang tidak selaras dengan ketentuan seleksi—seperti ukuran, edisi, teknik, dll. Kemudian kami memilih sejumlah karya yang mengeksplorasi media cetak yang digunakan dengan cara-cara menarik. Kami menemukannya dalam lebih dari separuh karya yang masuk. Lalu kami mencoba menelaah bagaimana karya-karya ini merespon tema—ide tentang “matrix”. Setelah itu, barulah kami beranjak pada kriteria lain seperti estetika, komposisi, pesan/isi, dll.
 
Akhirnya kami mendapatkan daftar karya yang mencentang seluruh kriteria tersebut di atas. Hanya saja, saya tidak terlalu antusias dengan kebanyakan dari karya-karya ini. Karena sebuah karya lolos dalam semua kriteria seleksi, tidak otomatis menjadikannya menarik. Sebenarnya, menurut saya, karya-karya seni yang melanggar aturan, yang tidak mesti menepati pengkategorian apapun, yang menyebalkan, atau menyinggung saya, justru yang pada akhirnya saya anggap paling menarik. Karya-karya seperti ini memiliki kharisma “penerjang batas”, bersikap “masa bodoh”, tak peduli atas status pemenang atau pecundang dalam pandangan orang lain.
 
Baiklah, selamat bagi semua peserta dalam acara ini. Jika anda tak peduli untuk menang, maka anda sudah jadi pemenangnya. Kalaupun ada yang layak dihakimi, mereka adalah para juri itu sendiri.
 
Malcolm Smith
 
Diindonesiakan oleh Rira Nurmaidah
 

 
 
Karya Cetak Grafis:
Pesan Jujur dari Matrix
 
Hal yang paling mendasar yang membedakan seni cetak grafis dengan cabang seni rupa lainya adalah digunakanya matrix atau acuan cetak pada proses pembuatan karya cetak grafis. Matrix dalam seni cetak grafis ibarat rahim pada perempuan. Matrix akan ‘melahirkan’ cetak coba (proof) hingga edisi karya grafis yang identik dan otentik.
Ada banyak teknik dan bahan untuk menciptakan matrix. Para perupa telah mengenal empat prinsip dasar  teknik untuk membuat matrix cetak grafis, yaitu: cetak tinggi (relief print), cetak dalam (intaglio), cetak datar (planography), dan cetak saring (serigraphy) . Teknik tersebut berkembang mengikuti capaian teknologi di zamanya. Tubuh manusia pun bisa menjadi matrix. Tubuh manusia adalah matrix paling purba, hal ini salah satunya ditandai dengan gambar cap-cap tangan yang ditemukan di dinding gua Gua Pettae dan Pettae Kere Leang-leang, Maros Sulawesi, yang oleh para ahli arkeologi diperkirakan dibuat 8.000-3.000 SM.
Dalam seni cetak grafis, apa yang dikerjakan orang pada matrix baik itu mencukil, menoreh, mengerok, mengasam dan lain-lain, hasilnya akan terlihat setelah dicetak. Dari hasil cetakan, kemudian dapat diketahui teknik apa yang digunakan oleh si pembuatnya. Apa yang tercetak pada media karya merupakan hasil dari apa yang dikerjakan pada matrix. Lepas dari konteks diluar bentuk karya, hasil cetakan karya grafis  secara ‘jujur’ telah ‘bercerita’ sendiri bagaimana kesederhanaan maupun kerumitan proses pembuatan matrixnya.
Menurut saya, karya-karya yang lolos sebagai finalis dalam Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) #3 kali ini, adalah karya-karya dari para pegrafis yang mampu memanfaatkan kejujuran matrix dalam menyampaikan pesan.
 
Salam Cetak
Jogja 11 November 2018
Deni R
 
 
-------------------------------------------------------------------------
 
Prints:  An Honest Message from the Matrix
 
The most basic thing which differentiates printmaking from other forms of visual art is the use of a matrix or reference of printing in the process of making a print. A matrix in printmaking is the ‘womb’. The matrix will give birth to proof prints to the point where all works of the edition are identical and authentic. 
 
There are many techniques and materials which can be used to create a matrix. Artists are familiar with four basic technical methods used to create a print matrix: relief print, intaglio, planography, and serigraphy. These techniques developed in the context of other technological developments in different historical periods. The human body itself can become a matrix and in fact the human body is the world’s oldest matrix, as indicated by the hand prints found on the walls of the Pettae and Pettae Kere Leang-leang caves in Maros, South Sulawesi which archeologist estimate were made between 3,000BCE and 8,000BCE.    
 
In printmaking, what artists do to the matrix; whether to cut, incise, scrape, or erode/oxidize the results will be seen after the work is printed. From the results of the printing process, it can be seen which techniques were used by the artist. What is printed on the medium of the work is the result of what was done to the matrix. Apart from the context of the work, the print results of a graphic work in fact quite ‘honestly’ tells its own story of how simple and yet complex is the process of making a matrix.  
 
In my opinion the works which were selected as finalists in the Third Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) are works by graphic artists who are capable of using the honesty of the matrix to convey their message.
 
Deni R
 
 
English translation by Jerry Chamberland
 

PRESS RELEASE
‘KARNAVAL’
Pameran Tunggal aliE Gopal
5 – 19 Oktober 2018
Tempat: MIRACLE PRINTS, Suryodiningratan MJ II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
Pembukaan: Jumat, 5 Oktober 2018, pukul 16.00 (4 sore)
Cp: Ria Novitri/0815398161980
Deskripsi pameran:
“Makna ‘karnaval’ itu banyak...bermacam-macam” (aliE Gopal)
Melalui pameran tunggalnya yang keempat ini, perupa aliE Gopal semakin menegaskan pilihan artistiknya sebagaimana tampak dalam pameran tunggalnya ketiga di Taman Budaya Yogyakata awal tahun lalu. Ia masih bergairah bemain bahan, mencampur berbagai teknik,  bermain ornamen dengan warna-warna panas, primer dan sekunder. Karya-karyanya secara sadar betul seolah tengah berebut  pehatian. Jika dalam pameran terakhir ia menghadirkan beberapa karya dengan efek gerak yang dibantu alat motor atau biasa disebut kinetik art, maka kali ini karya-karyanya ‘cukup diam’ atau hanya bisa digerakkan jikalau penonton ingin menggerakkannya denga tangan.
Dalam pameran tunggal kali ini, sehabis menggelar pameran tunggal besar di Taman Budaya bulan Maret 2018 yang lalu, seniman aliE Gopal menghadirkan karya-karya baru yang cukup berbeda dari karya-karya terdahulunya. Masih dengan berbagai bahan dan ber-ornamentik yang menjadi ciri khasnya, kali ini ia tidak menghadirkan karya begerak atau seni rupa kinetik.
Ada 4 buah objek berbahan kayu, besi, kawat, kain, tali, cat, spidol dan satu serial cutting paper berjumlah 16 buah.
 
 
 
 
 

PRESS RELEASE
“TAK APA-APA “ (Medan Kesepian)
Pameran karya Mini Franky Pandana
Miracle Prints, Suryodinigratan MJ II/853, Mantrijeron, Yogyakarta 55141
14 -18 September 2018
Pembukaan: Jumat, 14 September 2018, pukul 16.00 (4 sore)
Contact Person: Ria Novitri/081539816190
 
Pengantar Galeri:
‘Provokasi Tak Apa-Apa”
Franky “Acun’ Pandana adalah kolektor-seniman-provokator. Sebagai kolektor  ia pandai bergaul, kenal banyak seniman penting, mengoleksi karya-karya bermutu dan rajin mengunjungi art fair/pameran dalam dan luar negeri. Sebagai seniman ia rajin menggambar, membuat kolase, melihat dan belajar dari karya seniman lain, rajin membuka wawasan seni rupa. Sebagai provokator ia gemar mengeluarkan kata-kata pedas dan nyinyir untuk mengkritisi dan membakar semangat perupa-perupa Medan, kota kelahiran dan juga tempat tinggalnya.
Medan, lagi-lagi Medan. Itulah tujuan Franky selama ini, setidaknya terpapar sejak ia mulai gemar mengoleksi karya di tahun 2004. Medan adalah passion Franky dalam  mengoleksi karya (termasuk mengelola sebuah ruang seni Embun Art Room, Medan), menggambar dan melontarkan kritik dan provokasi-provokasinya. Ia memelihara ‘musuh-musuh’ berdebatnya di kota Medan dan para seniman lain yang tidak sepaham dengan pemikirannya. Koleksinya mengalir, karya-karyanya mengalir dan komentar-komentar pedasnya mengalir. Di satu sisi ia sangat ‘meresahkan’ buat ‘musuh-musuh’nya, namun di sisi yang lain mendatangkan kekaguman buat yang memahaminya. Betapa kecintaannya pada seni rupa dan betapa kecintaannya pada kota Medan. Ia ingin kota Medan berkembang seni rupanya dan berkembang apresiasinya mengejar kota-kota lain di Indonesia. Saat ini berbagai aspek seni rupa di Medan masih belum memenuhi harapannya.
Pameran ini ia anggap hanya sebuah ‘hiburan’, main-main dengan karya yang ‘main-main’ pula, dibuat sekedar mengobati rasa bosan (dengan pekerjaan sehari-harinya sebagai pemilik sebuah lembaga kursus bahasa Inggris di Medan_pen). Karya-karya ini termasuk ‘karya mini’, karena hanya berukuran antara 14 cm x 9 cm sampai  16 cm x 12,8 cm untuk kolase dan A5 untuk drawing. Judul pamerannya pun “Tak Apa-Apa”. Sangat santai, sesantai jawaban seseorang ketika terpaksa menerima sebuah keadaan yang sebetulnya ia sendiri ragu atau tidak siap menerimanya, namun ia tidak enak hati jika harus menyatakan perasaan sesungguhnya. Seperti kalimat yang belum selesai, menggantung khas basa-basi Timur, padahal ia orang Medan yang terkenal tidak suka basa-basi. Apakah kita akan langsung percaya dengan pernyataan seninya yang seolah berancang-acang menegasi bila ada kritik terhadap karyanya yang dianggap kurang serius, kurang artistik, kurang teknik dan serba kurang lainnya? Hal yang terasa bertolak belakang dengan kegemarannya mengkritisi karya dan sikap seniman selama ini.
Miracle Prints kali ini berkesempatan menghadirkan karya-karya seniman multi julukan ini. Karya-karya ini barangkali masih menyimpan provokasi sebagaimana kegemarannya, namun tidak dengan kata-kata atau ‘status-status pedas dan nyinyir’ sebagaimana di media sosialnya.  Ia tampil dengan permainan garis, bentuk, komposisi, warna melalui kreasi potongan kertas bergambar yang ditemukannya. Ini adalah provokasi lunak,  yang tidak memancing munculnya ‘musuh-musuh baru’. Ok, “Tak apa-apa’ (dibilang ini-dibilang itu, dianggap begini-dianggap begitu, ditawar segini-ditawar segitu dan seterusnya)......asalkan.......hmmm.....
Pameran ini mendapat banyak dorongan dari Hendro Wiyanto yang memberi usulan, saran-saran, ‘perploncoan’ kepada seniman, membantu menyeleksi sebagian karya dan menyumbangkan tulisannya. Kami mengucapkan terima kasih. Semoga cukup menghibur, sebagaimana harapan senimannya.
Syahrizal Pahlevi/Miracle Prints
 
Artist Statement:
“Tak Apa-Apa”
Karya-karya kolase ini dimulai dari kebosanan sembari melakukan rutinitas. Dari kebosanan itu menjadi sebuah keinginan menjadikan sesuatu. Dari sesuatu itu jadilah pameran ini. Tidak ada konsep yang berat-berat, tidak ada ide yang cerdas sekali, kadang juga tidak untuk memuaskan nafsu visual.  Karya-karyaku kali ini hanya seperti “mainan” yang menghibur dalam masa kebosanan. Semoga mereka juga bisa menghibur kamu.
Franky Pandana, 2018
 
Biodata seniman:
Lahir      : 26 Maret 1976
Solo exhibition:
2012       : “Sensibility”, A2 Gallery, Malaysia
2013       : Desk Project”, A2 Gallery, Malaysia
2014       :“To You”, Embun Art Room, Medan
2016       : “I Was Here...” Galeri Seni Rupa UNIMED, Medan
2017       : “I Sense” SUB STORE, Tokyo, Japan
2018       :  “Tak Apa Apa” Miracle Prints, Yogyakarta
Group exhibition:
2011       : “Sekarat”, Taman Budaya Yogyakarta
                    “Eleven Artists, A2 Gallery, Malaysia
                    “Portrait”, Galeri UNIMED, Medan
                  “Less is More”, A2 Gallery, Malaysia
2012       : “George Town”, Alpha Utara, Malaysia
2013       : Dollanan 2, JNM, Yogyakarta
                : “Home” Mi Casa Su Casa, Singapore
2015       : “Aku Kamu Dia”, Embun Art Room, Medan
2016       : “Desk Top Project” Jalan Kenangan, Jakarta
2017       : “Drawing Purba”,   Miracle Prints, Yogyakarta,
2018       : “Eutopia”, Focal Point Jadwee Studio, Medan
: Pameran Sumatera, Taman Budaya Medan
 
Award:
2012       : Artsist of The Year versi majalah Kover Medan
 
KOLASE KESEPIAN
 
Pada suatu ketika, hampir setiap hari Franky mengirimkan gambar-gambarnya melalui whatsapp kepada saya. Terkesan dia sangat rajin mencoret di kertas apa saja, pada bekas bungkus, sisa buku pelajaran yang masih kosong, karcis parkir, mungkin juga lembaran bon belanja barang atau nasi Padang. Dia gemar menggambar figur atau sosok yang sendiri. Gambar itu terkesan tidak selesai, dibiarkan mengambang tanpa sesuatu yang bisa diidentifikasi sebagai tempat, ruang atau kejadian tertentu. Sosok yang muncul hampir dapat dipastikan adalah jenis laki-laki, atau kadang seperti bayang-bayang jangkung dengan beberapa penanda atau objek sepele di sekitarnya. Lain kali dia mengirimkan serangkaian gambar lagi yang mirip kartun atau makhluk-makhluk ajaib. Dia memang penggila komik, terutama jenis manga, termasuk komik dengan adegan-adegan porno yang gambarnya begitu ‘lempeng’ atau terus terang.
Setelah bertubi-tubi menerima kiriman itu, saya kemudian menyadari bahwa Franky adalah pemuja dua seniman hebat Indonesia, Ugo Untoro dan eddiE haRA. Jenis gambar-gambar dua seniman ini tampaknya begitu kuat menyedot Franky. Ringkasnya, dia terkesima dan tampaknya selalu terbawa-bawa oleh suasana atau kejadian “puitis” pada gambar-gambar Ugo, tapi tidak ingin kehilangan selera humor populernya. Suatu kali dia menghadiahi saya sebuah buku tebal berisi gambar-gambar yang mirip kerjaan remaja tanggung yang frustrasi. Dia sebut beberapa kali nama penggambarnya, tapi saya tidak pernah bisa mengingatnya sampai sekarang.
Kali yang lain dia bertanya, “bagaimana cara menggambar yang “benar”? Saya membalasnya singkat: “Mesti membebaskan dulu dari imajinasi atau cita-cita menjadi penggambar mahir seperti Ugo atau eddiE haRA.” Belakangan saya makin yakin, Franky memang tidak ingin jadi “mahir”, dia lebih betah dengan yang serba bastar.
 
Setelah itu lama dia tidak memborbardir dengan gambar (padahal saya pernah mengunjungi kantor dan rumahnya di Medan dan beberapa coretan yang lebih orisinal saya temukan di dinding rumah, peti barang atau papan tulisnya). Ketika dia mulai kumat dengan gambar-gambar bastar, dia ternyata membikin jenis lain: kolase. Dia mengguntingi majalah-majalah bekas, menikmati gambar-gambar pop, warna cetakannya, jungkir-balik bentuk-bentuk huruf, dan semua judul bualannya. Mungkin dia baca juga caption-captionnya, karena hobi bacanya di atas standar rata-rata seniman kita. Nah gunting-menggunting tiap malam itu tiba-tiba saja dipilih untuk dibikin kolase di atas ratusan lembar kertas kecil.
Guntingannya tajam, komposisinya standar, tapi kini dia bebas dari “kewajiban” untuk membikin garis puitis. Dibikinnya blok-blok kedap bersegi-segi, jadinya tetap raut laki-laki juga, dengan segala jenis topengnya. Jumlahnya ratusan. Kode-kode populer dan keseharian apa yang paling menarik bagi dia, laki-laki ? Apakah dia sudah menjadi “bastar” sungguhan dengan cara membelakangi dua seniman yang digandrungi?
Tapi kebandelan Franky untuk terus menggambar, dan kini kolase, agaknya didorong oleh kesepiannya di kota kelahirannya sendiri, Medan. “Medan kesepian,” katanya. Kesepian medan (seni rupa) rupanya ditambah lagi kini dengan kesepian dan kerajinan menggambar dan menempel. Kesepian ganda itu yang membikin Franky bercakap-cakap dengan kepalanya sendiri, dengan gambar-gambar dan kini kolasenya sendiri.
Selamat berpameran di Yogya, Franky!  +++ (hendro wiyanto)